AMARCORD

DE LAS GRANDES AMISTADES

2012-02-25T15:42:00.003-08:00

Se trata de bloquearse cien años y de narrarlos en un frenético suspiro. Supone escribir, para que te quieran. Es ser cuentista aunque no tengas quien te escriba, coquetear con el cine y salirse antes de los títulos de crédito. Pongamos, que hablo de Gabo, o si lo prefieren, Gabriel García Márquez, premio Nobel para los amigos.

Supone enamorarse de la madrastra, diseñar un piso para Blancanieves, ser niño único mimado entre jaguares, seducir y no dejarse. Flaubert como grito de guerra, Joaquín Sabina como rendido admirador, entre legiones se seguidores, travesuras de un niño malvado, de un premio de crítica y público. Suponga, que nos referimos a Vargas Llosa, Mario, dentro del círculo selecto de las universidades donde imparte.

En ocasiones, la vida no juega a los dados con el universo y se permite ciertos caprichos. Que el mejor escritor colombiano de su tiempo y el niño prodigio peruano del boom latinoamericano que tanto ha paseado la lengua castellana por el globo, se terminasen conociendo, era únicamente cuestión de tiempo. Amor a primera vista, dirían los modernos Plutarcos, Ángel Esteban y Ana Gallego. Desde el momento en que pusieron la vista en los escritos de otro, cierta intuición de genio se activó, el convencimiento de estar ante alguien que merecía más de un café y de quien se podría aprender muchísimo.

Barcelona, Ciudad Condal y algo més que un lugar, dirían algunos, fue testigo de una complicidad latente, que iba más allá de tener a la misma editora. Sagaz literata catalana, que mereciera más líneas de las que le dedica este blog. Premio a la inversión a largo plazo cuando en una adivinación mágica, pidió por favor que su protegido Mario firmarse un ejemplar de "Cien Años de Soledad", mientras que el colombiano que naufragaba entre su desorden caótico y genial, ponía su ilustre signatura en otro libro no menos legendario de su protegido, quien hace tan poquito, sucedía al maestro en los galardonados con el Nobel, ¿no verdad?

Dos escritores diferentes, un mismo objetivo no del todo reconocido. El método del peruano es hoy ya legendario, la ética de trabajo de una mula, la mente ordenada de un arquitecto y todo el talento posible, Faulkner asintiría y aspiraría con su pipa complacido, ante un discípulo tan aventajado.

Anécdotas que se amontonan en un libro que es una pequeña joyita, un salsa rosa artístico de dos personalidades de armas tomar, dos profesores de Letras (¿servían para algo? ¿Acaso esto es más que una boludez de gringos?) analizando con lupa contexto, texto, subtexto y anhelos.

Entre medias, la política, compañera de cartas esquiva y poco agradable cuando hablamos de las musas, pero, cuesta pensar en estos dos personajes sin la Revolución Cubana. A ambos les marcó de forma irremediable, los dos saludaron a barbudos héroes del pueblo y soñaron con utopías y paraísos culturales. Uno se desengañó para siempre y se refugió en la doctrina que antaño había cruficicado, mientras, el segundo, tal vez por añoranza de una de sus primeras viviendas, aún bailaba con putas tristes y que son pálido reflejo de lo que empezó siendo un ideal.

Alrededor de ellos, personalidades formidables, líos amorosos, mucha literatura, versos tristes, menciones a Serrat y prólogos traducidos en Borges y Cortázar. Entonces, sin avisar, la ruptura, relato de un naufragio, de varias versiones, ninguna lo suficientemente buena para ser mentira, tampoco aparece una falsedad tan grande que se aproxime a la verdad. Un golpe seco, de la fiesta del chivo al día de la marmota, un pacto entre caballeros y el final del sueño de una novela a cuatro manos que hubiera hecho las delicias del mundo.

Sarriá aún llora a la Brasil del 82 y a esos dos amigos que compartieron cafés, confidencias, inquietudes, brindis bohemios y horas de copioso trabajo. Tesis doctoral incluida, una amistad tal vez destinada a explotar por los contendientes. Quedó entonces la enemista íntima, Mario, obligaba a sus hijos a leer a García Márquez, porque lo cortés no quedaba lo valiente, mientras que ahora, desde Macondo, un Gabo envejecido, felicitaba a través de su fundación el merecidísimo día grande de su Némesis, del tipo al que muchos terminaron encumbrado incluso por encima del genial colombiano, de su agresor, de su rival en muchas concepciones de la vida... de su antiguo admirador, de su amigo.

De Gabo a Mario y tiro porque me toca. Extraños azares llevan ambas trayectorias a unirse, a repelerse y volver a aproximarse por el denominador común del talento.

Y la prodigiosa historia aún debe tener su capítulo final, donde no se descarta que los dos protagonistas vuelvan a unirse.

LA LEY DE LA CALLE, UN SCARFACE MEJORADO

2012-02-19T03:04:00.004-08:00

Brian de Palma es un directo polémico, que genera tan fuertes simpatías como odios. No obstante, siempre me ha llamado la atención que, pese a ser un cineasta que me suscita gran interés, parezco ir a contracorriente a la hora de hablar de sus mejores trabajos.

Así, hay un acuerdo casi general en que sus mejores películas serían "Scarface" y "Los intocables". Si bien la primera, salvo que es exageradamente ochentera en algunos aspectos, es una gran montaña rusa y un espléndido remake de un clásico con interesantes aportes de Oliver Stone, la segunda, siendo buena, me parece un film muy valorado, quizás hasta el exceso, en detrimento de otros proyectos de este autor, que considero bastante por encima del mismo. En concreto, "Carlito´s Way, me parece superior a ambas citas.

Basada en la segunda parte de las novelas de un juez de origen portorriqueño que trasmitía con gran intensidad las vivencias de sus compatriotas que buscaban el dinero fácil metiéndose en el mundo de la delicuencia, los locales y las drogas, sumando varios personajes con los que se cruzó, dibujaría el perfil de Carlito Brigante. Si en el primero de los relatos (que terminó pasando también a la gran pantalla, en una reciente pre-cuela) se narraba su ascenso, el segundo se enmarcaba tras su salida de la cárcel tras quince años, buscando reformarse. Elegir esta fase es el acierto más mayúsculo de Brian de Palma, ya que permite explorar un territorio casi desconocido en el cine negro.

Con una diferencia del 80% del resto de protagonistas de estos relatos, Carlito no es una personaje joven que quiere meterse en el mundillo, en un rápido ascenso e igualmente precipitada caída. Los años de presidio y la experiencia acumulada en el "negocio" le han enseñado todo lo que debería aprender para sobrevivir y no se cuestiona volver a las andadas, menos aún cuando en su antiguo barrio hay una oleada de nuevos matones, agresivos y codiciosos, dispuestos a repartirse el pástel.

El actor escogido no podía ser mejor. Al Pacino no necesita presentación para los amantes del séptimo arte, sin embargo, convendremos en que pocas veces ha estado tan contenido a la hora de abordar un personaje. Salvando la primera escena en el tribunal cuando proclama su rehabilitación (aunque en realidad solamente sale liberado gracias a una triquiñuela técnica encontrada por su abogado), estamos ante uno de los registros más sobrios de Al, tranquilo, ligera y oportunamente cansado. Lleva la cinta a cuestas y no parece notarlo, llegando a hacer que tengamos empatía por este cansado antiguo criminal, que solamente busca encontrar su propio camino para salir de la miseria a la que ha visto sucumbir a muchos camaradas. De hecho, en criterios de generación, Carlito es el último morriqueño, alguien que, a pesar de lo absurdo que pudiera parecer, ha sobrepasado con holgura la esperanza de vida de la gente de su profesión.

La habilidad del director es lograr que la trama no caiga en el tópico, cualquiera podría pensar en que a pesar de sus buenas intenciones, Carlito terminaría cayendo en la tentación de volver a las andadas, en realidad, eso no pasa en "Atrapado por su pasado" (a pesar de las críticas que le cayeron, aunque como traducción deja mucho que decir, el título de la versión española es terriblemente certero), donde es el círculo y el entorno el que todo lo rodea, la presunción que tanto amigos como enemigos tienen de que Charlie volverá a las andadas.

El resto del reparto acompaña a las mil maravillas esta carrera contra-reloj, donde se permiten varios homenajes a Alfred Hitchcock, indudablemente, uno de los ídolos de De Palma. Se incluye una curiosa historia de amor entre el reinsertado y una antigua amante que tuvo en el pasado, muy bien interpretada por Penélope Ann Miller (aunque, según dicen las malas lenguas, tuvo sus más y sus menos con el equipo creativo durante el rodaje), en un idilio que podría acabar siendo pasteloso o excesivamente comercial, pero que tiene su punto justo y no se vende a efectismos.

Mención aparte merece un secundario de lujo de la trama, nada menos que un Sean Penn que llevaba demasiado tiempo sin trabajar para alguien de su talento, encargándose de encarnar al letrado de Carlito, un individuo que podría ser un crack de la abogacía, pero que cada día que pasa está más cerca del mundo de sus protegidos, incluyendo el abuso de la coca.

El duelo interpretativo de Penn y Pacino es de altura, brillando también otros interesantísimos secundarios como un joven Viggo Mortensen que ya empezaba a apuntar lo buen actor que llegaría a ser.

Con todo el respeto para la saga de Tony Montana, para un servidor, la mejor epopeya negra de Brian de Palma ha sido y será la última intentona de Carlito Brigante, el último morriqueño...Bueno, quizás no el último.

SOMBRAS Y LUCES DE UNA SERIE

2012-02-12T05:15:00.000-08:00

Hace ya algún tiempo, una persona cuya opinión tengo en alta estima, me comentaba que un crítico de cine, literatura o cualquier otro campo artístico, era, en muchos casos, alguien que sacaba defectos a una obra que él nunca hubiera podido (y probablemente quería) hacer. Honestamente, creo que estaba muy acertado en dicha consideración.

"Buenas ideas pero no correctamente ejecutadas", "Ella es preciosa pero no es creíble cuando se lamenta ante el cadáver de su amante", "El humor es gracioso pero soez, busca el chiste fácil, no hay elaboración"... Las coletillas son tan abundantes como apreciadas por todos los que nos enfrentamos al análisis y valoración personal de algo tan subjetivo como productos enfocados al ocio, pero no decimos cómo haríamos esa escena, qué desarrollo tendría esa idea o que elegantes chistes serían los que, siempre bajo nuestra sacro-santa opinión, que es la única que vale, para insertarse en los diálogos. Por ello, hoy, ante nuestra ración semanal, abordando el marco de televisión, vamos a mojarnos, hablando de una serie polémica, visceral y que, realmente ya ha pasado por Amarcord, la entretenidísima, sangrienta, épica, morbosa y adictiva "Spartacus".

El episodio concreto es "Shadow Games", uno de los más celebrados de la primera temporada de este programa de espada y brujería en la antigua Capua, más seducido por la estética 300 que por el rigor histórico, pero acercándose extraña e inquietantemente al verdadero placer que la civilización romana encontraba en aquellos dioses de la arena que se aupaban y caían con la hipérbole de la caprichosa Fortuna. Los guionistas de "Spartacus: Blood and Sand" inventan que Teoclés, apodado La Sombra, es el más invencible de todos ellos, durante décadas, imbatido en todos los rincones de los dominios de la República. En este momento de la serie, Batiatio, el lanista propietario de la Escuela del protagonista, cree ver la oportunidad de engordar sus arcas y empezar a proyectar su ansiado ascenso social ante el Senado de Roma, cuando oponga una pareja explosiva frente a esa leyenda viviente.

Lo que el regentador del ludus proyecta, con una estética de verdadera lucha libre, es enfrentar a ese titán contra una pareja condenada a odiarse, Crixo, su mejor hombre, un fiero galo que goza del respeto del público por su carisma, frente al tracio Espartaco, bastante más rebelde con su situación, problemático y conflictivo, aunque tiene una inteligencia superior a la media de sus compañeros gladiadores.

A pesar de ser dos guerreros contra uno, las apuestas corren en su contra, ya que solamente hubo una víctima de Teoclés que sobrevivió a su encuentro. No obstante, ese hombre, perdonado por la grada debido a su valentía, es Doctore, el entrenador a las órdenes de Batiatio. Este hombre, un veterano africano curtido en mil batallas, aún guarda rencor por esa derrota y sabe que solamente su gallardía y la admiración de la plebe le salvaron de caer ante un Teoclés que le tuvo totalmente dominado. Por ello, se empeña en que Espartaco y Crixo intenten colaborar, pese a su mutua antipatía, mientras alrededor de la Casa de Batiato, todos sus habitantes (dueños, esclavas, gladiadores, corredores de apuestas, la domina...) tejen sus intereses, rezando a Marte por la victoria o muerte de los dos contendientes, según sus intereses y lealtades.

La premisa no puede ser más simple, casi digna de Oliver y Benji o Rocky, generar las expectativas alrededor de un duelo o combate, sin embargo, en su sencillez radica todo el encanto, además de la pericia para explotar las virtudes del reparto (escenas de lucha, alucinantes fotografías apocalípticas, el olor de la arena que casi se intuye, el desenfrenado estilo de vida de la aristocracia romana, la gran potencia del Mare Nostrum) y tapar sus defectos (muchos de los actores del show están a años luz de los verdaderos Dream Teams concebidos para productos como "Yo, Claudio" o "Roma", de cotas más altas en cuanto a recreación, pero cumplen su función perfectamente).

De cualquier modo, el desenlace del mismo, me dejó un poco desilusionado por las expectativas creadas. En el siguiente apartado, de spoiler, convenientemente anunciado, me niego a caer en la comodidad de soltar tópicos como "el capítulo no termina de aterrizar" o "falta la magia de las grandes producciones de antaño", metiéndome también en la arena y mojándome cómo hubiera terminado de escribir el argumento del episodio.

Por supuesto, sería una presunción tan tonta como inútil, pretender que lo propuesto, sea no solamente superior a lo que ofrece "Spartacus: Blood and Sand", sino remotamente bueno, estoy seguro de ello. Casi sería caer en el gravísimo error que algunas veces tienen algunos historiadores cuando osan pensar que Aníbal Barca, Alejandro Magno o Quinto Sertorio, hubieran sido más eficaces en sus campañas habiendo seguido sus decisiones, cómodamente escritas desde el sillón de su casa, en patucos.

Sirva, simplemente, como sugerencia y demostración de que de vez en cuando, los espectadores no somos solamente meros receptores, sino que tenemos nuestro corazoncito creativo y a veces nos gustaría tener también la suerte de poder ser un poco demiurgos de la fantasía.

SPOILER:

La gran decepción del capítulo surge cuando se produce el tan ansiado combate final. No se debe a la elección del actor o al trabajo interpretativo, sino a la manera de caracterizar a Teoclés.

Presentado como un coloso, casi un leviatán, La Sombra parece haber ganado su mote por tapar todo lo que le rodea. Aunque es un acierto justificar el mote, creo a algunas personas nos sugería más la idea de una sombra, como alguien esquivo, una rápida serpiente que pasa de un lugar a otro.

Las espléndidas coreografías de los dos gladiadores (qué pena la desaparición de un añorado Andy Whitfield) con Doctore daban a intuir que Teoclés sería un maestro de la lucha con dos espadas, capaz de mantener alejados a dos contendientes que le atacasen a la par. Por el contrario, tal vez siguiendo la estética de 300 de Frank Miller en el cómic y Snyder en la adaptación cinematográfica (con tantos pros como contras), los creadores de la serie optan por poner una masa de picar carne, exagerada, en una oleada de sangre, resistencia sobre-humana y diseñado para caer mal desde el principio al público.

La cuestión que a mí me surge es, ¿por qué necesariamente Toeclés tiene que ser alguien sobre-humano? Imaginemos que un amigo nuestro que nunca ha tenido interés por el fútbol nos pide que le describamos a Messi, uno de los mejores jugadores. Si no le hablamos de su físico y sí de sus virtudes y mejores jugadas, nuestro contertulio, probablemente imagine a un tipo fuerte, temible, alto... Proyecten su sorpresa cuando lo llevemos al Camp Nou y vea a un tipo bajito y con cara aniñada. ¿Qué impide hacer eso con Teoclés?

Esto podría llevar a generar una falsa y muy aprovechable a niveles de tensión, de seguridad en Crixo y Espartaco, cuando vieran a un individuo normal y con dos espadas, que se va a medir a dos gladiadores muy reputados, que luchan en su terreno. Esto acenturaría la tentación de abandonar el trabajo en equipo que les ordenó Doctore, tal y como el Teoclés que aquí dibujamos desearía, iniciando una sistemática y eficaz serie de golpes que fuera diezmando a los dos gallitos que empiezan a estorbarse, ante la mirada atónita de sus patronos, entrenadores, amantes, amigos y rivales.

La resolución podría ser muy parecida a la efectuada en el verdadero episodio, pero con más épica, las nubes podían empezar a asomar en la asfixiada Capua, mientras que Crixo y Espartaco, magullados, abucehados y siguiendo totalmente el juego a su contrincante, al fin comprenden que tienen que colaborar, produciéndose una fortísima lesión de Crixo, aunque Teoclés al fin comete un terrible error al centrarse en el galo (a quien considera el peor de los dos, por lo que le han comentado) y da la oportunidad de Espartaco de herirlo por primera vez.

Ahora, dando al fin épica al asunto, sería el tracio quien está en desventaja (al igual que en "La amenaza fantasma", dos héroes contra un villano, por mucho doble láser que tenga, no es muy equilibrado), a pesar de haber tocado al fin a Teoclés, éste tiene dos armas contra la suya, aunque logra adivinar en el brazo donde le ha herido el punto débil, saltando de forma suicida contra él y acabando con su victoriosa carrera. Sería el momento de la lluvia y la deificación de Espartaco de apestado del ludus a nueva estrella, por encima del magullado Crixo, injustamente olvidado en los laureles de la victoria, tal y como atinadamente siembran los guionistas cara a nuevas entregas.

El último retoque que me atrevería a sugerir es la satisfacción de Doctore ante la muerte de quien fuera su vencedor. Tanto él, como el público de Capua, deberían mostrarse como extrañamente conmovidos, por un lado aplauden a su nuevo campeón, pero en el caso de Doctore, debía quedar cierto regusto amargo de venganza servida en frío... y la sensación de que los tiempos han cambiado, que las cicatrices que le había dejado Teoclés eran algo que ya prácticamente había hecho suyo.

Bajo mi muy humilde prisma, los guionistas, que tan bien han llevado toda la trama, han caído en al tentación de centrarse con el vencedor, cuando en el drama de aquellos hombres que luchaban para la diversión de otros, pocos lados hay más absorbentes y fascinantes que los perdedores, los ídolos caídos...

SECRETOS Y MENTIRAS DEL EROTISMO

2012-02-05T02:06:00.000-08:00

Como muchos otros lectores, la noticia de que se iba a hacer una mini-saga de cómics sobre la familia Borgia (italianización del verdadero nombre del clan, Borja, de origen valenciano), me causó un gran interés y curiosidad por cómo se iba a abordar uno de los episodios más polémicos, oscuros y fascinantes del Renacimiento. El clan que hace a muchos aún proclamar que no se ha vuelto a nombrar un Papa español por el recuerdo envenenado que dejaron Alejandro VI y su prole.

El tándem que se iba a encargar de hacer la recreación podía generar cualquier expectación, salvo la de la indiferencia. Alejandro Jodorowsky, personalidad excéntrica y heterodoxa donde las haya, se encargaba del guión, que arranca desde el nombramiento de Rodrigo Borgia como Papa, hasta la última aventura de su hijo César en Navarra.

El dibujante elegido para dicha trama no podía ser también más famoso dentro del mundillo. Milo Manara, indudablemente, uno de los lápices más elegantes de Europa, reconocido maestro del cómic erótico durante las últimas décadas. El cóctel locuras geniales de Jodorowsky, los lápices desinhibidos de Manara y los Borgia como símbolo de lo mejor y de lo peor de una época única, parecía ser un combinado demoledor que funcionaría a niveles de crítica y público. De cualquier modo, mis impresiones tras leer la obra no han podido ser más desfavorables, aunque me gustaría intentar mostrar el por qué de mi tibieza ante la supuesta provocación que esconde la tetrarquía: "Sangre para el Papa", "El poder y el incesto", "El veneno y la hoguera" y "Todo es vanidad".

La primera sensación que tienes al ver la atmósfera corrompida de la Roma de los últimos días de Inocencio VIII, junto con las delicadas portadas de Manara, es que te vas a encontrar ante un gran cómic, un relato de los que se recuerdan. También, si no miras los diálogos, y pasas muy rápido sus páginas, esta saga de los Borgia podría engañarte y parecerte que estás ante una verdadera joya. El problema es cuando empiezas a leer, dándote cuenta de que el magnífico prólogo de Antoni Guiral presentando a los autores y la sociedad de finales del siglo XV, es lo único que se va a acercar a la verosimilitud...

Jodorowsky ha sido elogiado en este cómic por narrar una ácida crítica contra la Iglesia de Roma en aquella época donde el pontífice no distaba en lo absoluto de otros reyes europeos, incluyendo entre otros rasgos, la proliferación de amantes, corrupción, simonía, bastardos por doquier... No obstante, un análisis profundo podría llevarnos a pensar que la supuesta disección del psico-mago es verdaderamente superficial. Estruendosa, la trama comete el error pugilístico de quemar sus argumentos más poderosos en los primeros momentos del combate. El desfile de perversiones, incestos y "cafradas" de los Borgia y sus rivales deja tan saciado en las primeras páginas que da la impresión de que nada, absolutamente nada de lo que se vea a continuación, generará otra cosa que lógica con lo que se ha mostrado.

Jodorowsky se limita a componer un cuadro de malos malísimos y no se entienden ni motivaciones ni causas de por qué de tanta ambición ni sed de gloria. Parece que el ascenso de Rodrigo es una excusa para iniciar un viaje de excesos donde César Borgia parece convencido de poder conquistar Italia a base de polvos, con Nicolás Maquiavelo convertido en una "cheerleader" de su causa, en lugar del astuto político florentino que fue. Juan Borgia, el otro hijo predilecto del clan y eterno rival de César por los afectos de su progenitor, es retratado como una reinona peligrosa, una verdadera locaza al borde de un ataque de nervios, que nos hace cuestionar si Alejandro VI estaba en sus cabales, no por su incestuoso comportamiento, sino por concebir siquiera que esos energúmenos pudieran hacer una misión medianamente bien en vez de dedicarse a violar, sodomizar y mirarse fijamente en el espejo hablando solos. Mortadelo y Filemón tendrían más posibilidades de llevar a buen puerto la empresa, ya que en algunas ocasiones se han mostrado eficaces.

Podría verse uno tentado de pensar que tal vez en las escenas de alcoba uno por lo menos podría encontrar lo mejor del cómic, pero ni siquiera. La que podría haber sido una de las mejores creaciones de Manara, Lucrecia, queda reducida a una mujer soez y extraña, a la que ni se comprende ni interesa, cuya frase más ingeniosa durante los cuatro números es que el destino de Italia está entre sus piernas. No queda nada del refinamiento ni del ingenio, ni siquiera un mero intento en los primeros compases de invitarte a pensar que esta dinastía tiene algunos elementos normales, comunes o incluso positivos, antes de que la ponzoña te asalte, generando al fin alguna sorpresa. No hay ni evolución ni corrupción, ya que desde niña, los autores demuestran que tiene respuestas dignas de Calígula y los modales que la convertirían en la concursante ideal de un reality show.

Escenas como la entrevista entre el Duque de Valentino y Leonardo da Vinci te hacen verte tentado de pensar que aún hay salvación, que hasta ese momento has estado leyendo una broma tras otra, que los dos autores no se han tomado en ningún momento en serio y que el desfile de sangre y sexo (parece en principio fascinante, pero el mérito enorme de esta tetrarquía es conseguir hacerlo previsible y aburrido), es simplemente eso, que por lo menos está la vergüenza torera de no haberlo tomado el proyecto en serio. Desgraciadamente, el cuarto número, "Todo es vanidad", cuyo mejor acierto es el título, confirma las peores expectativas.

Tras haber dedicado tres números a explotar todas las posibles enfermedades mentales y sexuales que contraen Sforza, Orsini y Borgia, Jodorowsky concibe la genialidad de resumir el momento más interesante, el ascenso de César al poder como condotiero, en un flashback donde el siniestro sicario Micheletto habla con su anciana madre (porque sí, hasta los asesinos más despreciables quieren a sus madres y van a merendar con ellos cuando no tienen que descuartizar a alguien).

Las incorrecciones cronológicas e históricas son apenas la punta del iceberg, en mi modesta opinión, de este verdadero traje del emperador, cuyas flamantes portadas y puesta en escena, te tientan a pensar que no, que tú andas equivocado y que eres incapaz de entender una reflexión maravillosa sobre el poder, lo malsano y la gloria.

Pero tranquilos, luego uno se re-lee cualquier parte al azar y vuelve a caer en la cuenta que Jodorowsky y Manara han tenido muchos días mejores. Demasiada poca historia para resultar creíble, excesivamente chabacana para ser erótica y empeñada en escandalizar repitiendo una y otra vez los mismos recursos.

UN ARTE EN PELIGRO DE EXTINCIÓN

2012-01-29T01:34:00.000-08:00

De un tiempo a esta parte, parece que el arte de la conversación fuera un disfraz atávico que ya no encajaría en ninguna fiesta de disfraces. El sosegado ritmo que conlleva esta destreza, la capacidad de escuchar e interpretar, suenan a una suave balada clásica que tuviera que intentar hacerse hueco en una tienda de discos donde suena música heavy a todo volumen.

No obstante, aún hay individuos que practican este arte. Uno de los más hábiles es, sin duda, Woody Allen. El genial cineasta, puede ser el tipo de persona, para quienes tengan el placer de conocerlo, que hace buena la expresión, "se merece un café". Es decir, que uno se puede divertir, aprender y disfrutar de un rato de su compañía, de su charla.

Visto que es poco probable que podamos invitarle esta tarde de domingo a un té y unas pastas, Eric Lax nos ofrece una vía de consolación que no está nada mal. Durante años, este periodista ha tenido encuentros con el creador de Manhattan, viendo la evolución de este artista, año tras años. Lax y Allen han pasado por casi todos los temas, desde los cinematográficos, pasando por los literarios, musicales (no olvidemos su pasión por el jazz) a los más personales (sus relaciones sentimentales con las actrices Mia Farrow y Diane Keaton, sin ir más lejos).

El presente libro, fácil de encontrar en cualquier librería especializada, es el mejor homenaje posible a este director que ha recibido varias nominaciones por su maravillosa "Midnight in Paris". Una conclusión que uno saca tras devorar sus páginas, es que, efectivamente, Allen casi nunca deja del todo desconectada la cabeza, urdiendo nuevas tramas y, explicando porque es uno de los pocos personajes de la industria que se atreve con el considerable reto de hacer un film anual, para goce de sus seguidores en todo el globo, aunque quizás, como nadie es profeta en su tierra, aunque respetado por la crítica, nunca ha gozado de un fuerte seguimiento popular en los Estados Unidos.

Intro-vertido, sagaz, excéntrico, divertido, agobiado y agobiante... Muchos son los adjetivos que se pueden utilizar con el entrevistado, pudiendo solamente reprochar a la minuciosa labor de Lax, que algunos temas inevitablemente se repiten durante las sesiones que tuvieron a lo largo de diferentes momentos de la vida del cineasta. Con todo, los incondicionales del tipo que ha enseñado a amar New York y perdonarle esa clase pseudo intelectual que la rodea, están de enhorabuena con la re-edición de este compendio de piezas sueltas que van a ayudarles a reconstruir mejor el rompe-cabezas del discípulo aventajado de Groucho Marx.

En una era tan acelerada, donde más de uno juega al ajedrez (en su vertiente más torpe) en redes sociales apresuradas y donde la superficialidad es la tónica imperante, Woody es el último exponente de la Vieja Escuela... El mejor artesano, de un arte en peligro de extinción pero que aún alcanza muy altas cotas cuando le dan un lienzo y un interlocutor atento, como es el caso de Lax.

EL MEJOR CINE EN LA CAJA TONTA

2012-01-22T04:47:00.000-08:00

Recientemente, Álex de la Iglesia afirmó que, aunque dijera poco de él, últimamente, para él, una de las mejores noticias era la televisión. Ciertamente, teniendo en cuenta el panorama actual, dicha afirmación podría, cuanto menos, ser cuestionada. No es precisamente caviar todo lo que flota por la caja tonta, sin embargo, es cierto que en materia de ficción televisiva, pocas veces hemos asistido a una época tan fecunda y creativa.

Un ejemplo perfecto lo encontramos en la HBO, la prestigiosa cadena a la que le debemos, entre otras, "Los Soprano", "The Wire" o "Juego de Tronos". Ahora, Terence Winter y su equipo nos traen "Boardwalk Empire", una reflexión sobre los días de la Ley Seca en Atlantic City.

Como demostración de todo lo dicho, tengamos en cuenta un dato simple, un hecho que ya nos habla de cómo de en serio se están tomando las productoras la presentación de este tipo de empresas. Martin Scorsese, el legendario director y padre creativo de algunas de las mejores películas de cine negro, se encargó de dirigir el primer capítulo, el piloto que debía encadilar al público. Con su eficiencia habitual, Martin presenta a todos los personajes importantes, un tesorero de doble moral que prospera en Atlantic City y obliga a los gángsters a pagarle dinero por otorgarles el privilegio de poder operar en su zona, mientras, jóvenes supervivientes de la Gran Guerra vuelven a su ciudad para verse escupidos y ninguneados, acercándose lenta pero inexorablemente al otro lado de la ley...

Desde el poderoso opening, la serie atrapa, desde el primer monólogo a cargo de Steve Buscemi y la metáfora elocuente de las ratas, nos metemos en una montaña rusa que nos hace cruzar los dedos porque futuras temporadas no pierdan la frescura y podamos seguir gozando de una de las mejores noticias recientes dentro de este invento capaz de dar lo peor y lo mejor.

Buscemi es solamente la punta del iceberg y alma de un programa con un reparto joven y prometedor, donde el veterano actor nos aporta la sapiencia y liderazgo necesario para contar ese mundo oscuro donde un joven inculto, temperamental y violento llamado Al Capone está destinado a hacer mucho ruido y a auparse en un marco increíble de desolación.

Igual que en "The Wire", hay una disección de las clases privilegiadas y las élites ciudadanas, la sed de poder y los extraños compañeros de cama que conllevan. De la misma forma, en dichos lechos pasarán chicas preciosas, las típicas y exuberantes goomar dispuestas a aceptar a sus primitivos queridos a cambio del lujoso ritmo de vida. Pero, tanto Scorsese como sus brillantes sucesores en la dirección de episodios, también muestran otra clase de mujeres, estamos en la década de los 20 y hay señores que sí saben que la Sociedad de Naciones no es una marca de cosméticos y que hablan de sufragios y sus derechos.

Con la reciente edición de la primera temporada en DVD y Blu-Ray, los amantes del género estamos de enhorabuena, también por los extras incluidos. Steve Buscemi se merecía este papel protagonista que tan bien aprovecha, mientras que el público ya demandaba otro acercamiento al film noir al estilo de las dos grandes, "The Wire" y "Los Soprano".

A veces la tele de calidad existe y, la HBO (que también tiene sus defectos) es su profeta.

EJERCICIO DE INGENIERÍA: CRISIS EN TIERRAS INFINITAS

2012-01-15T04:30:00.000-08:00

Si alguno es asiduo a la magnífica serie "Big Bang Theory", tal vez se fijase en que uno de sus mejores personajes, el brillante joven físico Sheldon Cooper, cuando está exponiendo ante unos alumnos universitarios la teoría de cuerdas de la que este brillante freak ha hecho su leit motiv en la Facultad, se ampara en sus investigaciones y "En la teoría de los multiversos de DC".

No tanto para el público español, esta cita es de fácil reconocimiento por parte de los comiqueros estadounidenses. Tanto Sheldon como sus compañeros son fanáticos del mundo de las viñetas, lo cual incluye DC Cómics y, entre su catálogo, una famosa saga de mediados de los años 80 de la centuria pasada.

En aquella decena larga de números, un inspirado guionista, Marv Wolfman y uno de los mejores dibujantes de siempre, George Pérez, montaron a la editorial en una montaña rusa muy arriesgada llamada "Crisis en tierras infinitas". Como resultado, no solamente para los personajes de Big Bang, muchos comparten el criterio de que estamos ante una verdadera obra maestra del género de súper-héroes. Sirva de ejemplo la portada que incluimos de "Los Simpson", pardiando una de las más famosas de Pérez (además, una gran ventaja es que así ahorramos un terrible spoiler a los que no lo hayan leído aún, ya que se trata de la muerte de uno de los protagonistas más importantes del relato).

El quid de la cuestión era que la editorial de Batman, Superman, Wonder Woman y un largo y distinguido cía, tenía tal cantidad de versiones de sus personajes que todo era un verdadero caos donde el mismo héroe se comportaba de maneras muy diferentes. Además, existían muchas incongruencias desde sus primeros días en la Edad de Plata hasta llegar a aquellos años.

Lógicamente, este fenómeno ha pasado muchas veces, el Tintín de los soviets (afortunadamente) era muy distinto al que finalmente Hergé consolidó, de la misma forma que Mortadelo y Filemón han cambiado de residencia y lugar de trabajo a lo largo de las diferentes versiones que Ibáñez ha ido actualizando, explicando en varios casos... y dejando correr el velo de complicidad de los lectores cuando ha sido necesario modificar ciertos detalles del pasado de sus criaturas, desde su indumentaria al cómo se conocieron.

No obstante, Wolfman estaba en la posición ideal de alguien que había sido un verdadero ratón de viñetas que devoraba todo cuanto caía en sus manos, por lo que pensaba que debía haber una explicación fantástica para aquel fenómeno. Suele ocurrir que los aficionados a una obra de ficción tengan más apego por la continuidad que los propios creadores originales, quienes, más allá de hacer un honesto trabajo que les proporcione rentabilidad, no se obsesionan por esos detalles que quizás te hayas perdido.

Con una saga de proporciones épicas, Wolfman hizo girar alrededor de la cósmica figura de "El Monitor", una idea de re-orientación y ordenación de las diferentes creaciones de DC, amparándose en un concepto de la Edad de Plata, Tierra 1, Tierra 2... Usando la teoría de cuerdas de Sheldon, existían diferentes versiones del globo terráqueo y podían, en determinado momento, llegar a unirse por una amenza impresionante, lo cual generaría infinidad de conflictos. Semejante concepto, tan atractivo, exigía un dibujante con la paciencia de Ulises y la habilidad de Miguel Ángel, pues solamente Pérez sabrá cómo logró cumplir los plazos de entrega y trabajar con tantos héroes, villanos, robots, alienígenas y seres cósmicos al estilo Galactus...

La saga, que ha sido muchas veces re-editada (aunque aquí destacamos la portada de las más reciente edición de lujo del mismo), es una verdadera maravilla por la que los años no parecen haber sido excesivamente crueles, más bien al contrario.

Todo se trata de una impresionante obra de ingeniería argumental, dibujada con la velocidad de Flash (como ven los pacientes lectores/as, Sheldon me está poseyendo por momentos en esta entrada) y que solamente tiene un grave pero para disfrutarla como la pieza maestra que es. Obviamente, igual que la magnífica "El invierno del dibujante", exigía estar versado en los comienzos de Bruguera, esta cumbre de la ciencia ficción de DC, es solamente apta para las personas que se criaron con tipos que volaban, justicieros nocturnos y que pensaban que no pasaba nada porque un detective marciano pusiera su agencia en una de tantas ciudades norteamericanas (aún nadie ha planteado que seres de otro mundo desembarquen en Irán).

Más allá de ese condicionante, una montaña rusa de las que dejan huella, de la mano de una pareja creativa impresionante.

FALLECE EL MAESTRO DE ESGRIMA

2012-01-08T04:49:00.000-08:00

La actualidad de esta semana ha traído la triste noticia del fallecimiento de Bob Anderson, el célebre maestro de esgrima y director de coreografías de duelos de espada que han hecho las delicias de los espectadores de todo el globo.

Anderson ha tenido una de las trayectorias más prolíficas en su campo, baste decir que estamos ante un caballero que determinó los movimientos del mítico Errol Flynn y llegó hasta las villanías de Darth Vader, pasando por "El Señor de los Anillos".

A nivel nacional, no podemos dejar de recordar su gran aportación a los duelos de espadachines de "Alatriste", dirigida por Agustín Díaz Yanes, adaptación de las famosas novelas de Arturo Pérez Reverte.

Allí, Anderson dejó su estilo más espectacular apartado, para beneficio de la coherencia de la Historia, haciendo unos manejos muy reales y consecuentes, verdaderas riñas callejeras, vizcaína en mano, para el Madrid turbulento de la primera mitad del siglo XVII.

Recomendado por actores de la reputación de Viggo Mortensen, Anderson ha sido una constante en las cintas de acción que involucraban este tipo de armas. Si hoy en día para las bandas sonoras, uno de los primeros nombres que nos suena a todos es Hans Zimmer, Anderson era una constante a la hora de garantizar aventuras de capa y espada.

Solamente nos resta mostrar agradecimientos al maestro.

EL BAILE CARMESÍ

2012-01-01T05:47:00.000-08:00

En primer lugar, desear como es de recibo a todos los amigos lectores/as del blog, una feliz entrada de 2012, que disfruten al máximo de los últimos días de vacaciones y haya prosperidad, especialmente en el terreno de la salud.

Como para arrancar este curso tocaba libro, quería escribir sobre una de las últimas novelas que me ha causado un fuerte impacto en el ya pasado 2011, "Tormenta de espadas", de George R.R.Martin.

En realidad, sería de recibo hablar de "Choque de Reyes", la secuela inmediata de "Juego de Tronos", que ya comentamos en Amarcord, pero varios motivos impulsan a centrarme en la tercera entrega. Un factor nada desdeseñable, es que de momento y hasta que la prosa del heredero de Tolkien me diga lo contrario, es lo mejor dentro de la macro-saga que es Canción de Hielo y Fuego, uno de los mejores ejercicios de novela río dentro de la literatura fantástica de los últimos años.

Otro punto de la ecuación es que, aunque buen libro, desde mi modesto punto de vista, "Choque de reyes" es la encargada de sentar los cimientos para que la tercera entrega sea tan espectacular, donde los capítulos prácticamente se devoran, pese a su notable extensión de páginas. La segunda entrega es un poco más densa, debido a que tiene que introducir nuevos personajes de las Casas Baratheon, Frey y un amplio etceterá, así como profundizar en las desventuras de más allá del Muro. Esto provoca que cuando se inicia esta verdadera danza lluviosa de duelos armados, los lectores conozcan a la perfección cuáles son las motivaciones de los personajes y por qué actúan cómo lo hacen, yendo la narración a un ritmo muy alto, con batallas memorables, intrigas palaciegas y algunos diálogos espléndidos (mención especial a Catelyn Stark y Jaime Lannister).

Por supuesto, pese al eterno savoir faire de Martin, estamos ante un relato con defectos, porque todos los tienen, incluso los de mejores. Sin entrar en territorio de spoilers, decir que determinados personajes, especialmente los jóvenes cachorros Stark, tienen en algunos momentos reacciones demasiado maduras, impropias de muchachos de su edad. Creo que en la estupenda adaptación de la HBO, se han percatado de eso y han colocado en algunos casos mayor edad en dichos protagonistas.

Por lo demás, estamos ante una verdadera alegría para los amantes del género. El fantástico universo del "Señor de los anillos" encuentra aquí una interesante evolución, una manera de respetar las reglas-Tokien y de quebrarlas, con la aparentemente sencilla pero genial fórmula de: Es un marco fantástico como la Tierra Media, pero los personajes son verdaderos hijos de... saben lo que viene a continuación, "de su tiempo", obviamente.

Todo ello aderezado por la gran inteligencia del autor, quien conoce a la perfección muchos momentos históricos (es inevitable no encontrar referencias a "La Guerra de las Dos Rosas" o a la confabulaciones de los Borgias en algunos momentos, entre muchas otras cosas), creando de paso personajes tan memorables como Tyrion Lannister, Ned Stark, El Perro, Stannis, Cersei...

Que no para la música en esta danza sangrienta donde los hobbits conocen a "El Padrino".

Nuevamente, feliz 2012.

FELICES FIESTAS, CON ACENTO BERLANGUIANO

2011-12-25T04:23:00.000-08:00

Cuando nos adentramos en estas fechas navideñas, hay varios clásicos cinematográficos que son muy recurrentes, por ejemplo, la emblemática "Qué bello es vivir".

No obstante, sin demérito de las anteriores, hay una cinta que a mí me viene con particular fuerza, especialmente el día de Nochebuena, "Plácido", mítica obra dirigida por el gran maestro Luis García Berlanga (1961).

Durante toda su heterodoxa y espléndida filmografía, Berlanga, especialmente cuando colaboraba con el mítico Rafael Azcona, se caracterizó por una tremenda capacidad incisiva, una burla constante de instituciones, sociedades e ideologías... y una tremenda ternura y compasión por el individuo como sujeto individual, con sus grandezas y miserias. En pocas ocasiones anduvieron más fino que con Plácido, un desventurado conductor de moto-carros encargado de llevar la estrella de Belén en una campaña de Navidad para sentar un pobre en la mesa de un pueblo donde la gente bien ha organizado este espectáculo solidario que tiene mucho de hipocresía.

El humorista Cassen, se encarga de encarnar a este típico protagonista berlanguiana, obsesionado por un problema que es sistemáticamente ignorado por el resto del mundo que le rodea, trata de solucionarlo, en su caso, acabar su labor con tiempo para pagar una letra, ya que le podrían embargar...en plena Nochebuena.

Indudablemente, estamos ante uno de los mejores papeles que ha interpretado Cassen, junto con su conserje de "Atraco a las 3", el mejor. Está acompañado asimismo por uno de los mejores repartos que se podían reunir en la época, sobresaliendo José Luis López Vázquez (Quintanilla, el de las serrerías), Manuel Alexandre, Agustín González, Amparo Soler, Julia Caba Alba, Elvira Quintillá, Amelia de la Torre, Antonio Ferrandis, Luis Ciges...

"Plácido" es un retrato muy curioso y especial, una radiografía terrible del reverso de la caridad, la farsa y la pompa innecesaria, lo políticamente correcto y las mil miserias que se escondían detrás de la España franquista, bajo un duro invierno, con secuencias que es impresionante que se escapasen del ojo no demasiado clínico de los censores de aquel tiempo.

Una obra maestra que incluso tuvo la osadía de colarse entre las nominadas a los Oscars como mejor película de habla no inglesa. Aunque no se lo llevó, sentó un precedente fundamental para el cine español y, a cambio de no llevarse la estatuilla, se ganó el cariño para siempre de crítica y público.

Una maravilla.

¿QUÉ FUE DE NOSOTROS?

2011-12-18T06:29:00.000-08:00

Existen empleos que son armas de doble filo. Por ejemplo, los deportistas de élite, un gran sueldo, reconocimiento público y fama, eso sí, durante unos escasos años, una vida profesional muy efímera que se diluye con una velocidad increíble. De la misma forma, los actores, especialmente los más habituales de los taquillazos, pueden caerse de las carteleras sin que nadie sepa explicar ni por qué fueron tan populares ni qué justificaba su ostracismo actual.

David Trueba se dejó seducir por esa idea cuando se decidió ponerse hace unos años manos a la obra en una especie de "Desmontando a Harry" a la española. Una serie, que desafortunadamente no tuvo mucha repercusión popular, aunque sí buena acogida de crítica tras la emisión de sus seis episodios para una cadena privada.

Usando la figura de Jorge Sanz, quien fuera uno de los actores principales de una nueva oleada de intérpretes nacionales, Trueba hace una disección del paso del tiempo y lo precario de muchas de las cosas que damos por garantizadas.

El experimento es muy curioso, rodado casi con estética de documental, no deja de ser una obra de ficción, con mucho de auto-parodia y la sana inteligencia de reírse de uno mismo cuando procede.

No solamente Sanz se presta ello, varias figuras del medio cinematográfico caen en el juego de esta sátira de ellos mismos, por poner algunos ejemplos, Antonio Resines, Santiago Segura, Carlos Larrañaga... Ciertamente, Trueba lanza algunos dardos divertidos a festividades como la de los Goya, o las miserias entre colegas (incluso repartirse el precio de una corona en memoria de José Luis López Vázquez, el gran Morito, uno de los mejores intérpretes de su época). Otros "notables", como Juan Manuel de Prada, se prestan a reírse de ellos mismos, algo que es muy de agradecer. Además, está hecho de una manera muy humana, alejada de apocalípticos mensajes como "El crepúsculo de los dioses" (una obra maestra, por otra parte), simplemente tienen sus grandezas y miserias como ocurre en infinitas oficinas y centros de trabajo a lo largo de la semana.

Desde su aparición como un jovencito Conan a las órdenes de John Milius, Sanz se convirtió en un rostro recurrente y con mucho apoyo del público. Su relativa oscuridad en los últimos tiempos, está bien parodiada y él mismo se presta a ello, viendo como el 90% de la población piensa que era una pena lo de este chico que era tan guapo y ya se ha hecho mayor, mientras él se encuentra con problemas para encontrar un papel en una serie televisiva abominable pero que necesita para poder mantenerse, merced de los caóticos servicios del personaje interpretado por Eduardo Antuña, antiguo representante de quesos y ahora metido a agente de Jorge.

Es una pena que el experimento no funcionase del todo, esta especie de Larry David peninsular está muy bien y verdaderamente constituyó un soplo de aire fresco al panorama de las series nacionales. De hecho, la sensación que tiene uno al final del camino es que han quedado muchas cosas por contar y que se ha terminado notando que los episodios no fueron rodados en orden.

¿Nuestro futuro? Nuestro futuro ya ha pasado, amigos míos... Carpe diem.

GALACTUS, DEVORADOR DE MUNDOS

2011-12-11T04:53:00.000-08:00

El año de 1966 fue clave para el cómic norteamericano. Stan Lee y Jack Kirby se encontraban muy asentados en una colección muy especial, "Los Cuatro Fantásticas", creada unos pocos años antes y que había marcado la resurección del género súper-heroico.

La historia ha sido contada una y mil veces. Lee estaba frustrado en la antigua Timely, llegando a barajar abandonar el barco y dedicarse a otra ocupación, mientras trataba de desarrollar una carrera literaria. Sin embargo, la esposa del guionista, le propuso no tomar una decisión tan precipitada sin antes dar un canto de cisne, si pensaba que la industria estaba tan paralizada, que al menos intentase hacer la historia que le hubiera gustado contar.

Así lo hizo, contando con la increíble ventaja de tener a Jack "The King" Kirby como dibujante, Lee crearía una premisa muy tonta, aparentemente un torpe juego de palabras, "Súper-héroes con súper-problemas". Así surgieron en las viñetas cuatro individuos, Johny Storm, La Antorcha Humana, Reed Richards, modestamente llamado Mr.Fantástico, Sue Storm, La Chica Invisible y Ben Grimm, La Cosa. A pesar de tener vínculos familiares y de amistad, los protagonistas solían discutir, cuando no pelearse entre ellos, mostrando varias flaquezas que provocaban una mayor empatía de los lectores.

La colección se convirtió en un éxito de público y puso a los cómics Marvel en el ojo del huracán, prensa, radio e incluso universidades señalaban aquella nueva oleada como una especie de nueva mitología para los cómics. Lee, tenía una desventaja como guionistas, era un hombre de su tiempo, algunos de sus diálogos eran muy rimbonbantes, además de presentar un machismo paternalista que hoy los lectores/as solamente pueden leer arqueando la ceja; como fuere, todo palidecía ante su inteligencia a la hora de crear conceptos y su capacidad de superar errores (la evolución del personaje de Sue Storm demostró que podía adaptarse al devenir de los tiempos).

Como decíamos, la colección estaba asentada, además de contar con un correo de lectores que inter-actuaban con la propia editorial. Introduciendo personajes que luego fueron fundamentales para La autoproclada "Casa de las Ideas (Los Inhumanos, Los 4 Terribles, el Doctor Muerte...), uno hubiera podido pensar que Lee y Kirby irían dormirse en los laureles, con un merecido descanso del éxtasis creativo de unas musas que parecían empeñadas en llamarles todos los sábados por la noche.

Lee, que siempre ha sido reconocido por poder vender una nevera en tierra de los esquimales, llevaba mucho tiempo con una idea, hacer un tebeo sobre Dios. Por supuesto, sabía que no podía coger a una deidad de religión oficial para no levantar ampollas, pero sí le seducía mucho la idea de un personaje grandilocuente, con un código moral distinto al de sus protagonistas... Ni bueno ni malo, que simplemente estaba en otro plano.

Probablemente Kirby tuvo mucho que ver con el fascinante diseño de la criatura, Galactus. Con el aspecto de un titán, era una criatura espacial que surcaba el cosmos con su heraldo Estela Plateada (que venía a ser una especie de su Mesías y que luego fue tan bien representado por John Buscema), para abastecerse de la energía vital de los planetas de la galaxia. Esta premisa que es una joya para la ciencia ficción se remataba por el hecho de que Galactus no era un monstruoso villano, en realidad, simplemente actuaba por hambre, ¿quién dudaría en pisotear un hormiguero si su vida estuviera en juego?

Bajo el entintado elegantísimo de Joe Sinnot (que parecía tener el don de que todos los dibujos que pasarán por su mano cogieran una elegancia particular), Galactus y su heraldo fueron presentados durante tres números increíbles que sorprende que fueran editados hace tanto tiempo. Lo atractivo de la premisa es impresionante y realmente aún hoy levantaría expectación, además, en castellano tenemos la fortuna de contar con una reciente re-edición en Biblioteca Marvel Los Cuatro Fantásticos número 5.

En el deber de esta pionera pieza, afirmar que tanto Lee como Kirby cayeron en ese error tan frecuente de muchas obras centradas en esta temática, especialmente en el cine, vienen unos aliens y atacan New York, se produce el desembarco de unos extra-terrestres y alquilan un apartamento en Manhattan... Por supuesto, por momentos, parece que Galactus no tiene otra mejor ocurrencia que colocarse delante del edificio Baxter para personalizar una lucha que debería ser mundial, contra el cuarteto de Reed Richards, mientras la gente mira.

Superando falsas nostalgias y sin negar los defectos que posee, la trilogía de Galactus sigue siendo hoy un exponente de la imaginación al poder en el mundo de las viñetas.

ARTHUR MILLER Y EL INSTINTO DE SUPERVIVENCIA

2011-12-04T03:24:00.000-08:00

Durante este fin de semana, en la ciudad de Córdoba hemos podido disfrutar de la adaptación de Claudio Tolcachir de la clásica pieza teatral de Arthur Miller, "Todos eran mis hijos". Así que en grata compaña, vuestro humilde bloguero visitó ayer un pequeño pueblecito estadonunidense que apareció de la nada en el Gran Teatro de La Llana.

La obra de Miller no necesita presentación, desde "Muerte de un viajante", esa inquietante y maravillosa canción triste de Willy Loman, hasta "Las brujas de Salem", toda una osadía en plena época de la paranoia comunista norteamericana, su calidad literaria prevalece al paso del tiempo. De personalidad complicada y hasta polémica, su condición de clásico para el escenario lo coloca como uno de los más grandes autores teatrales de su generación.

La trama se centra en el hogar de los Keller, una familia compuesta por los padres y dos hijos, uno de ellos superviviente de la guerra y el otro desaparecido en el frente por más de tres años. A pesar de la fe inquebrantable de la madre, Kate, de que el añorado Larry va a volver, parece que el resto del clan y amigos, al igual que ocurría por ejemplo en "La dama del alba", han empezado el proceso de olvido. Eso se manifiesta con más fuerza que nadie en Chris, quien tras su etapa militar ahora trabaja en la industria de su progenitor y se cartea con la esposa de su hermano, de la que ha estado enamorado desde la infancia, aunque la chica vive ahora en otra ciudad, debido a que su padre tuvo problemas con la justicia y se ganó el descrédito del pueblo.

Con su habitual facilidad de pluma y capacidad de entrar en diálogos inteligentes e intimistas, Miller vuelve a sus temas recurrentes, el papel de la familia, personajes con muchas aristas, una frontera difusa entre el bien y el mal y una gran emotividad, tratando con crítica descarnada sistemas e ideologías, pero con infinita ternura al ser humano como sujeto individual, incluso en sus miserias. Hasta aquí nos quedaremos en la trama, por respeto a aquellos lectores/as que tengan pensado ver esta nueva versión de Producciones Teatrales Contemporáneas.

A nivel de montaje, el escenario planteador por Miller es muy propicio para los teatros, una casa y su jardín, con apenas algún elemento como el bosque de fondo o un árbol plantado por el hermano mayor Larry que es derribado por un rayo la noche donde comienza el relato. Bajo este marco se desenvuelve un reparto muy potente. Me gustaría aquí resalta a Jorge Bosch, espléndido en su rol secundario, creando a un personaje conmovedor y que vuelve a confirmar las palabras del maestro Woody Allen de que más valdría tener suerte en la vida que talento.

Entre los miembros del reparto más jóvenes, destacan las escenas mantenidas entre Fran Perea y Manuela Velasco, creando una pareja de interés romántico con menos tópicos de los que pareciera a simple vista. En general, la calidad media es más que notable y a buen seguro el público a lo largo de España va a disfrutar con esta gira.

En un lugar mencionar a la pareja protagonista. En primer lugar, la madre, interpretada por una gran Gloria Muñoz, que crea una progenitora muy interesante. Es una de las máximas de este tipo de obras, baste pensar en "Las uvas de la ira" o en la ya citada "Muerte de un viajante" para ver esa omnipresencia en la obra, aquí les sorprenderá.

Por último, a un majestuoso Carlos Hipólito como Jon Keller, el patriarca del clan. Habiendo seguido la trayectoria en cine de este actor, tenía buen concepto de él, no obstante, lo mismo que me ocurriera viendo en acción al gran José Luis Gil en la proximidad del escenario para "To be or not to be", la impresión ha aumentado, así como la admiración. De menos a más durante toda la representación, poco a poco se va adueñando de la obra, teniendo una manera única de gesticular, de moverse, de cambiar los registros de su voz... Un actor de una categoría impresionante.

No esperen a que sea su día fausto en el caldenario, vayan a disfrutar de esta obra...

AS EVIL AS I LIKE

2011-11-27T04:10:00.000-08:00

Mario Vargas Llosa es un filón, un problema que todas las editoriales del mundo querrían tener. La reciente entrega del Premio Nobel en literatura a su persona ha provocado que en muchos países, todas sus novelas, desde la primeras a las últimas, sean editadas y re-editadas en diversos formatos.

No obstante, ¿quién era este escritor peruano antes de que aquella distinción lo haya devuelto a ese foco que en realidad nunca había abandonado? Lo cierto es que tras la noticia de su recompensa a toda una trayectoria hizo que leyera con atención algunas declaraciones, lógicamente, todas ellas muy favorables. Pero hubo una que perduró con mayor fuerza que el resto en la memoria, siempre selectiva y distraída.

"Mario escribe invariablemente tres horas al día, es su gran mérito". Lo dijo su editor y creo que es la clave del éxito, la poción mágica que separa la frontera del talento y la imaginación con la del verdadero monstruo de la escritura, la distinción entre los buenos y los muy buenos. En principio puede parecer poca cosa, un trabajo cómodo y placentero, pero si uno se para a pensarlo, se requiere una gran capacidad de ser el propio jefe de uno mismo, fijarse exactamente que es lo que se debe hacer y sentarse durante esos 180 minutos a crear mundos que en un principio solamente existen en la mente. Hay muchas persona con ideas brillantes y dones que se traducen en talento del puro, pero creo que en este caballero peruano, que lo posee hasta al extremo, la clave del éxito, lo supuestamente más fácil, pero más duro del mundo, hacerse atractivo a las musas no ante una noche bohemia, sino sentado y tecleando incansablemente para seguir queriendo ser cada día de su vida uno de los mejores autores de su tiempo.

En eterna amistad/disputa con Gabriel García Márquez, indudablemente ambos son los dos exponentes y primeras espadas de un boom de la novela en América Latina que encuentra en ellos la máxima expresión artística. Tradicionalmente y simplificando mucho un debate apasionante, se ha solido considerar que aunque "Gabo" ha tenido la obra maestra de ese movimiento con "Cien años de soledad" (reseñada en este blog de Amarcord), es en la figura del peruano donde se encuentra al autor más completo, que quizás no ha llegado a culminar esa novela 100% perfecta de la centuria, pero que siempre ofrece un nivel de notable altísimo en todos y cada uno de sus exámenes, sin bajar nunca el pistón.

Al juicio del consumidor se harán testimonios a favor de uno y otro, es la ventaja de disfrutar de dos genios en el mismo espacio temporal. Como fuere, en la materia que hoy nos ocupa, nos enfrentamos a uno de sus trabajos más recientes, "Travesuras de la niña mala".

Una historia que narra las desventuras de una pasión y un desamor, a lo largo del tiempo, desde las calles de Lima hasta la París más bohemia y fascinante que uno pueda recordar, bajo el salpicón de las revoluciones que asolaron el sur de un continente y unas promesas no del todo materializadas. En ocasiones se le ha acusado a Vargas Llosa de centrarse en ese mundo, en una realidad que conoce muy bien y que ha vivido desde su infancia. Eso es, bajo el modesto parecer de este blog, una pequeña injusticia, Berlanga hacía un cine de altura, pero orientado básicamente al universo interno de un país que conocía en sus debilidades y vergúenzas como la palma de su mano, mientras que Arthur Miller respiraba el american way of life, aunque fuera para censuarlo. ¿Por qué criticar que escriba casi siempre sus historias sobre el marco peruano? La diferencia es la calidad de su prosa, es lo que convierte sus historias en algo especial.

El protagonista masculino de la trama es Ricardo Somocurcio, un joven que vive con su tía en las calles limeñas, relativamente acomodado y cuyo sueño es poder llegar el día en que viva en la Ciudad de las Luces, desarrollando una carrera como diplomático. Una ambición honorable que con su trabajo e inteligencia logrará, llegando a ese limes peligroso donde todos los seres humanos en la madurez se ven tentados de echar el freno de mano, a decir que ya han sentado la cabeza y ya están colocados, en posición de formar una familia decente y ser respetables compradores de periódico los domingos tras comilona campestre con los parientes, balbuceando acerca de qué mal está todo y que los jóvenes andan con mucho relajo. Desgraciadamente para Ricardo y afortunadamente para los lectores/as, se cruzará en su camino la niña mala, una extraña y exóticamente atractiva muchacha, cuyos constantes cambios de identidad y oficios, solamente tienen el nexo común de Ricardo, perdidamente enamorado de ella desde la niñez.

Conocida ha sido siempre y manifestada por el propio autor, la gran debilidad de Vargas Llosa ante la figura de Madame Bovary, casi más que por la de su reverenciado Flaubert. La niña mala intenta ser una traslación de ese tipo de carácter femenino invadido por el deseo y el carpe diem, caprichosa, independiente y desvalida al mismo tiempo. Sea como sea, el conocimiento del literato peruano le ha permitido escribir incluso un prefacio interesantísimo sobre la mítica personalidad de madame Bovary, en un texto que es un ensayo a fin de cuenta que todos los seguidores de Flaubert querrán conocer, por lo que la clonación es inteligente y sin caer en una mera copia, bien adaptada a su tiempo y siglo.

Como fuere, es curioso que un autor tan experimentado caiga en un fallo impropio de alguien que suele manejar también egos y mentalidades en sus criaturas (Véase el balance medido de "La fiesta del chivo" sin ir más lejos), y es tomar partido. Desde el primer renglón al último, el novelista parece tan prendado por las travesuras de la niña mala como el pobre Ricardo, hasta el extremo que uno echa en falta ese yin y yan que el gran maestro Woody Allen sí supo hacer en esa joya que es Annie Hall, mostrar las dos caras de la moneda y sin ser juez y parte de buenos y malos.

Uno perdona los toques inverosíniles por la calidad del texto, el pasar de puntillas por la época por que lo importante son los personajes... De cualquier modo, creo que más de alguna persona se quedará menos prendado de lo que el Nobel piensa que quedará por la niña mala. O tal vez, citando a un buen amigo de este blog, Chespiro, el problema esté de base, con la gran madame Bovary. "Indudablemente es un gran persona, no obstante es curioso que algunos analistas la consideren una personalidad soñadora e idealista al estilo de don Quijote. La locura del segundo le lleva a un altruismo ingenuo pero noble, mientras que en el caso de madame Bovary, obedece... a lo que obedece". Creo que es una reflexión muy acertada, y no he podido resistir la tentación de citarla.

Aquellos que decidan sumergirse en estas páginas que van desde las balas de juguete de revolucionarios de salón hasta las selvas espesas donde se trata de aniquilar a la guerrilla, bajo sombras de Yakuza en una Tokio más erótica que nunca, se van a encontrar ante una novela divertida y que mantiene el interés y la atención en todo momento del lector. Sin embargo, permitan al duende malicioso que el blog lleva dentro a decir que en esta ocasión sí que puede faltar ese elemento de la ecuación que convierte una buena trama amorosa en algo que trasciende la literatura para meterse en la piel de una forma irreversible.

Más de uno dejaría a la niña mala sin recreo... aunque no se preocupase de que cumpliera o no el castigo. ¿Cuál es el seductor encanto del exceso? Pues en ocasiones es excesivo, pero no tiene por qué ser tan sexy como a veces se vende... O vayan a saber ustedes si es que se acerca el invierno como diría Martin y las niñas malas son para el verano.

EL SECRETO DE UN BARDO

2011-11-20T02:38:00.000-08:00

Cristóbal Colón, Jesús de Nazaret, Mahoma, Homero... y William Shakespeare. La Historia está llena de grandes personajes que han poblado miles y miles de sesudas páginas que han tratado de acercarse a ellos, aunque, en todos los mencionados, hay muchas dudas y lagunas... incluso en no pocos casos, se cuestiona que existieran realmente, o por lo menos, tal y como la tradición nos los ha rescatado.

Roland Emmerich se desmarca de la clase de género en el que estaba asentando y se saca una curiosa historia, volviendo a recoger esa teoría que pone en duda la veracidad de que William Shakespeare fuera el verdadero autor de esas piezas teatrales que se han convertido en patrimonio, no solamente de la lengua inglesa, sino de la literatura universal.

Hemos de admitir que la cinta tiene una puesta en escena brillante. Todo un actor con mayúsculas como Derek Jacobi hace una introducción ante un teatro abarrotado y oscuro, poniendo en duda con sutileza y dobles sentidos que se sepa tan poco "de nuestro Shakespeare". Al más puro estilo de un drama griego, se nos promete sangre, traición, muerte y venganza... ¿Cómo resistirse ante un entrante de tales características?

El rodaje está repleto de una estética que recuerda para lo bueno y lo malo a lo que ya pudimos ver en la serie "Los Tudor". Una puesta en escena muy atractiva, que sabe capturar el ojo y que, verdaderamente se aleja de la verdadera suciedad que tuvo que tener el Londres de la reina Isabel. A buen seguro los que adolezcan de la deformación histórica, van a disfrutar este escenario y lo gozarán, aunque más de uno quedara disconforme con el retrato de algunos personajes y situaciones, desde la reina Isabel a Ben Jonson.

El problema es que pedir rigor en este punto nos estropearía disfrutar del fascinante juego que nos ofrece el guión de "Anonymus". Un macabro rompe-cabezas que enmarca un flasback dentro de otro flashback (recurso que por cierto en ocasiones se vuelve en su contra y a veces la torna confusa), que nos lleva a través de intrigas por el trono Tudor y muchos amoríos, traiciones y cuantos elementos componían el drama griego. La verdad histórica queda postrada ante una verdad poética emocionante, donde Rhys Ifans encarna nada menos que a un conde Oxford que es postulado como el verdadero genio tras la cortina... Teoría manejada en otras ocasiones, la verdad sea dicha.

John Orloff es quien trae esta caja china repleta de sorpresas que es un argumento que pese a no ser a prueba de bomba, sabe entretener y no se puede afirmar, tanto si es uno amante o detractor de la película, que se haga larga o no entretiene, y eso, en estos tiempos que corren para la cartelera, no es poco. Pasando al interesado, si Ifans se lleva un personaje que es una perita en dulce (es imposible no empatizar con él o tenerle simpatía), Rafe Spall tiene que bailar con la invitada menos atractiva en este juego de what if y máscaras, nada menos que El Bardo en persona.

Spall encarna a un Shakespeare engullido por los acontecimientos de la época isabelina (Reina Virgen durante la Edad Moderna y uno de los símbolos de la resistencia anglicana ante la Europa católica) y que a través de su buen amigo Ben, logra llevarse los laureles, al asumir los escritos del noble como suyos.

Pasando detalles puntillosos al margen (por ejemplo: el orden cronológico de las obras publicadas, el hecho de que Ricardo III fue modificada durante la conjura de Essex pero ya estaba hecha, etc.), este Shakespeare se aproxima al Mozart de "Amadeus" (magnífica película por otra parte), con una conducta infantilizada y egoísta; en su caso, un actor que se convierte de la noche a la mañana en el dramaturgo que barre a sus competidores y necesita un teatro nuevo para él solo.

Según la propuesta de la cinta, William ni siquiera era capaz de escribir, aunque sí de leer. Podemos imaginar las quejas y protestas de buena parte de los habitantes de Stratford, pueblo natal del protagonista y que ha visto a su hijo predilecto atacado en este terremoto cinematográfico que el propio Emmerich se ha jactado en decir que es una alegría en una época en la que nadie tiene los co... de decir cosas de este tipo. Lo cierto que ni sus más acérrimos partidarios podrán negar que estamos ante poco menos que un milagro. De la misma forma, el torpe y libertino actor que se nos presenta en "Anonymus" hubiera tenido muchos problemas para sobrevivir en las espartanas en sus horarios compañías teatrales londinenses, con multas ante la indisciplina y, recordando la opinión de Henry Chettle (quien probablemente fuera el primero en hablar a William de Romeo y Julieta), el Shakespeare histórico fue un actor muy destacado de su época y que, quién sabe, quizás supo captar a la perfección lo que quería el público.

El William Shakespeare que aterrizó en Londres tenía pocos recursos y más allá de su vocación de actor, se podía dudar de que fuera capaz de desarrollar un talento como el que exhibió. No obstante, algunos analistas afirman que sus firmas son claras y con un toque gótico que refleja a la perfección la Escuela de los maestros de su pueblo, lejos del modelo italianizado que exhibían los ingleses universitarios de la época. Esta faceta como actor que después se convirtió en actor causó mucha hostilidad por parte de sus colegas dramaturgos, que no podían verlo sino como una intromisión que, para colmo de males, se daba por alguien a quien no dejaban de considerar inferior. Mucho más fácil era abrazar a alguien como Sir Francis Bacon, brillante filósofo, aunque su distanciamiento geográfico del principal escenario de los acontecimientos le resta algunos puntos como posible sospechoso.

Este tipo de prejuicio parece haber sido trasladado a algunos elementos de la trama, ya que los Cecil, linaje de grandes consejeros para Isabel son acentuados en sus malignidades y carácter plebeyo, mientras que, por lo general, los personajes de la nobleza, no solamente el conde de Oxford, que, verdaderamente era una persona con una formación muy alta para la época, los nobles son vistos con un sano prisma. Querer considerar que los humildes orígenes de Shakespeare le desacreditaban para realizar las complejas obras que hizo, no es un argumento indiscutible, baste pensar que Marlowe (otro de los "otros" Shakespeare que los teóricos han barajado) era hijo de un humilde zapatero, lo cual no le impidió en lo absoluto ser un dramaturgo refinado, un documentado espía durante un tiempo de la reina Isabel y un notable de la época.

Dicho sea de paso, tampoco querría uno caer en el otro extremo, es decir, negar ese importantísimo papel y que no es descabellado que algún noble por juzgar deshonroso para la mentalidad de la época que hiciera obras de teatro, pagase a un miembro de las compañías para firmar de su nombre. Algunos de ellos eran personas de tremenda valía y agudizada sensibilidad, sabido es que el conde de Southampton abrió su biblioteca a un joven Shakespeare, que no solamente pudo disfrutar de su mecenazgo monetario, sino que al fin tuvo acceso a unas obras que no eran conocidas por el común del público en unos días donde la gran mayoría de la población era analfabeta.

Otros personajes como Thomas Kyd salen paraodiados hasta el extremo, convirtiéndolos en delatores sin escrúpulos a la autoridad de sus colegas por envidias y celos. Este fenómeno de escritores haciéndose la vida imposible no es en exclusivo de los días isabelinos, durante el Siglo de Oro, Francisco de Quevedo, Góngora, Cercantes y la ilustre compañía, convivían a apenas un par de calles y con mucho gusto se dedicaban, aparte de componer versos, a hacerse la vida imposible por las cuestiones más terrenales. Es curioso que el guión no incida en un aspecto muy interesante, la posible autoría de Kyd de una obra que hubiera sido un claro antecedente de Hamlet.

Debates literarios al margen, creo que los espectadores/as que se acerquen a esta montaña rusa se lo pasarán muy bien y tendrán animados debates a la salida del cine, como ya hemos apuntado, no escasa victoria en estos tiempos que corren. De nuevo en la brecha, amigos míos...

Buscando que los lectores/as de Amarcord saquen sus propias conclusiones y disfruten con las hipótesis, les invitamos a dos enlaces, el primero desmonta con buenos argumentos muchas de las teorías de conspiración y optan por pensar que sí, que en una ocasión llegó un provinciano que con un gran talento natural, trabajo y contacto con excelentes maestros, supo erigirse como uno de los grandes literatos universales. En el otro, vemos como con igual sapiencia y picardía, se ponen argumentos que nos hacen sospechar de que quizás hubiera algo tras la firma de Will... Lo que nunca nadie nos podrá quitar son esas obra universales.

http://www.elmundo.es/elmundo/2011/11/13/cultura/1321173109.html

http://gromelo.com/asi-finaliza-el-enigma-acerca-de-w-shakespeare/2010/03/08/

LA QUE SE SUCEDE

2011-11-13T03:43:00.000-08:00

"La que se avecina" es una de las pocas series españolas que hoy en día se ha ganado un buen share de público y es fácilmente identificable por una gran cantidad de espectadores. Ciertamente, en una época donde productoras como la HBO están creando verdaderos golems de calidad y en formato cine, el panorama nacional parece en clara desventaja por muchos factores, no es poco éxito.

No obstante, más de uno pensaría que las desventuras de Mirador de Montepinar vienen a ejemplificar aquello de ser cabeza de ratón o cola de león. Amparada en el tremendo éxito cosechado por "Aquí no hay quien viva" (reseñada también en este blog), Tele 5 logró hacerse con buena parte del reparto original de la calle Desengaño, buscando repetir fórmula. No obstante, comenzarían la carrera un poco cojos, careciendo de inmediato de la presencia de puntales tales como Luis Merlo o Fernando Tejero, a la par que otros como Santiago Ramos, Diego Martín o María Adanez hacía mucho que habían partido.

Como era de esperar, muchos incondicionales de la serie dieron la espalda a una producción que era poco más que un clon defectuoso del modelo original, donde más allá de los cambios de nombres se aportaba muy poco nuevo. Afortunadamente, la calidad del reparto (por ejemplo: José Luis Gil) la mantuvo con cierta discrección, aunque tempraenas bajas como la de Malena Alterio o Emma Penella (recordemos que la gran actriz de "El Verdugo" falleció precisamente por aquellos días) no daban a intuir un futuro muy pujante. Así, a pesar de un buen nivel global, en balance existía diferencia de calidad de repartos entre una y otra.

No deja por tanto de ser gracioso pensar que ahora las tandas se han invertido. Que ahora hay una nueva generación de público, generalmente joven, que no tiene ni idea de "Aquí no hay quien viva" y ha terminado seducido por esta fórmula y sin el prejuicio de tener en mente el original. Expresiones de sus personajes (salami dixit) han sustituido al "Ésta nuestra comunidad, un poquito de por favor, Radio Patio, etc...".

Varios factores explican la ecuación, el principal de ellos la introducción de personajes que se han ganado muy tempranamente el cariño del público, como Antonio Recio, el mayorista conservador que no limpia pescado, impecablemente interpretado por un gran actor, Jordi Sánchez, quien saltara a la palestra como excelente actor de comedia en la serie catalana "Plats Bruts". Igual que acontece con otros monstruos ficcionales como Bender Doblador Rodríguez o Sheldon Cooper, son una bendición y una pesadilla a la par para los guionistas, ya que se puede acabar cayendo en sobre-explotarlos.

Absolutamente caracterizado como un tipo desagradable, egoísta y ultra-conservador, Recio cala fácil porque es un personaje visceral donde el actor pone mucho, especialmente gracias al complemento atemperado que encuentra con la señora Recio, caracterizada por Nathalie Seseña, quien ya destacara hace tiempo a las órdenes de Alex de La Iglesia. De cualquier modo, bien pudiera ser por nostalgia, uno no deja de pensar que si bien los Recio hubieran encajado a la perfección en "ANHQV", no hubieran podido tener el monopolio que sin duda ostentan en esta producción de José Luis Moreno (cuya jugada por cierto en el traspaso de cadena no dejó de ser, cuanto menos, polémica).

Un grave problema del formato de la serie y que es un defecto que arrastran muchísimas comedias producidas hoy en día, es la excesiva duración de su metraje. No en vano algunas de las mejores comedias para la pequeña pantalla están amparadas en el sistema de 20 minutos largos. No es un hecho casual y sí muy medido. No poniendo en duda que "La que se avecina" tiene momentos muy divertidos y de mente fría, sorprende que pase con tanta holgura de una hora, lo cual hace resentirse el ritmo.

Con todo, tiene la fortuna de contar con buenos personajes y una cota de público fiel que va garantizando su supervivencia e, incluso sus principales detractores, deberían admitir que hay una mejoría evidente desde las primeras temporadas a las actuales, probablemente porque paulatinamente se ha ido alejando de su clon mejorado.

Probablemente, en muchos otros momentos una serie como "La que se avecina" hubiera pasado en un correcto lugar, pero tal vez más discreto; sin embargo, en unos momentos de horas bajas, ha alcanzado una relevancia muy notable dentro de las comedias españolas.

UNA SOGA PARA LOS DALTON

2011-11-06T05:19:00.000-08:00

De la mano de Achdé y Gerra basándose en el mítico jinete solitario de las viñetas creado por Morris, vuelve una nueva aventura de Lucky Luke, con un título que evoca a aroma a western: "Con la soga al cuello".

Lo primero que llama la atención esta revisitación al salvaje Oeste de Luke, es un brillante planteamiento inicial, finalmente, los Dalton, la Némesis por excelencia del protagonista, han sido condenados a muerte, tras sus años de fechorías y el fuerte gasto que generan a la penitenciaría. Principalmente de la mano de los inimitables guiones de René Goscinny, los Dalton se auparon como uno de los motores cómicos de la saga, hasta el punto de reconocer el mérito de estos dos continuadores de atreverse a plantear una desventura de los cuatro hermanos.

Ciertamente, el potencial de la condena máxima a los Dalton es enorme. Con la excepción de su caballo, Jolly Jumper, Luke es uno de los personajes más solitarios por excelencia, a diferencia de Astérix o Tintín, no solamente es su eterna soltería (acentuada décadas atrás por cierta misoginia paternalista), es el hecho de que no tiene ningún vínculo fuerte en su viaje itinerante deshaciendo entuertos a lo largo y ancho de unos incipientes Estados Unidos. La teatrarquía de sus forajidos favoritos es uno de los pocos nexos que posee, ¿cómo le afectaría dicha decisión? ¿A quién perseguir después de ellos? ¿No marcaría un poco el final de una época del Far West?

Pese a ello, nuestros dos autores no exploran esta línea que nos llevaría a un cómic cercano a "La residencia de los dioses", más bien optan por el modelo clásico de van los Dalton, se llevan el tebeo con sus gracias y Luke prácticamente queda a la altura de espectador en muchas secuencias. Esto no es una crítica negativa, ya que estamos ante una aventura fresca, graciosa y que tiene muchos elementos clásicos que harán las delicias de los nostálgicos, especialmente, por su buen dominio de personajes anteriores a esta adaptación de la serie (por ejemplo, la inefable Mamá Dalton).

Con un esquema similar a "Siete novias para siete hermanos", los condenados deberán ampararse en la triquiñuela de contraer esposa para poder eludir el beso de la Parca, mientras Luke colabora, entre aliviado por salvarles la vida y temiendo que abrazar de nuevo la libertad los coloque de nuevo en su papel de principal amenaza. Paulatinamente, la situación se van complicando, de una forma eficaz, aunque en la traducción de los diálogos de la edición en castellano hay algunas expresiones que, imagino que tratando de ser juveniles, olvidan que usan frases que eran dichas por los jóvenes... de hará unos veinte años. Detalles al margen, el cómic no tiene nada que envidiar a muchos de sus predecesores, sacando nuevamente una espléndida nota estos continuadores del legado de Morris, Goscinny y cía, aunque esperamos que en las próximas obras sigan tirando de la manta e incluso se atrevan a ser más rocambolescos, a dejarse llevar por la montaña rusa sin echar el freno de mano.

Una historia altamente recomendable para los seguidores del pobre cow-boy solitario que está lejos de su hogar. Alterna sana nostalgia con elementos novedosos.

DUERMES Y ME OLVIDAS

2011-10-30T04:32:00.000-07:00

Fue un instante, un brillo inesperado durante una oscura noche, la leyenda que se contaba bajo las hogueras cada vez con más adornos y mentiras en el cielo estrellado babilonio...Un individuo tan grande que futuros generales y monarcas se ampararon bajo su sombra para aspirar aunque fuera, a las migajas de su gloria, tan efímera como homéricamente resplandeciente.

Mary Renault no necesitará presentación para muchos lectores/as, experta conocedora de la Grecia clásica y espléndida novelista, no tiene nada de extraño que se animase a hacer un ensayo sobre la figura de Alejandro Magno, eje principal de tres de sus mejores escritos: "El fuego del Paraíso", "El Muchacho Persa" y "Juegos funerarios".

Editada en cómodas ediciones de bolsillo, lo cierto es que más de uno pensará, no sin razón, qué necesidad hay de hacer otra reflexión sobre una vida que ha sido biografiada una y mil veces, en millones de páginas que se suceden y que incluye varias adaptaciones cinematográficas. Como fuere, creo que los amantes del tema no harán una mala inversión apostando por esta revisión de la autora, narradora amena y llena de perspicacia en sus hipótesis.

El tópico ha acosado al hijo de Filipo II de Macedonia y Olimpia de Epiro. Es uno de los pocos personajes clásicos que suele ser identificado con suma facilidad por cualquier público no especializado pero con buena cultura general. Muy distinto sería el retrato que tengan esas personas de quien fuera hegemón de los griegos y conquistador de Asia, hasta su dramática muerte en el 323 a.C, en ocasiones representado como un aventurero muy afortunado cuyo imperio fue un gigante de pies de barro evaporado poco después de su muerte.

¿Quién puede culpar a nadie cuando los propios personajes que compartieron espacio con él no se pusieron de acuerdo? Como la propia Renault admite en una hipérbole no tan exagerada como pudiera parecer, el mundo tal vez debería considerar que fue un milagro que no hubiera salido como un precedente de Nerón tras ser el fruto de la unión de dos personalidades tan fuertes como Filipo y Olimpia. Su madre era una mujer con rasgos que las fuentes clásicas elogiaban activamente en los hombres, es decir, fuerte carácter, imparable ambición y crueldad si el momento lo requería, pero que en una reina consorte (una más de las que tuvo el polígamo Filipo) la tachaban de poco menos de una bruja drogada en ceremonias dionisíacas que no sabía encajar con humildad los constantes cuernos y humillaciones de su marido.

Filipo, por el contrario, para los patrones de su tiempo, era todo lo que se podía pedir de un rey. De hecho, como la propia autora admite, de no haber sido Alejandro su hijo, hubiera pasado a la historia bélica y política como el estadista más brillante de su tiempo, una figura comparable a lo que el mismísimo Julio César es para Roma. Particularmente, yo veo más a Filipo como un precedente mejorado y con todos los recursos a su alcance del príncipe elogiado por Maquiavelo. Aunque era brutal en ocasiones por sus excesos, tenía una visión muy superior a la del pueblo al que mandó, muy sometido a sus vecinos e ignorado por las ciudades-estado griegas que los veían como poco menos que bárbaros con pieles de oso. En apenas unos años, el nuevo soberano puso su tierra en el mapa, ganó las guerras tan con la espada como con hábiles alianzas matrimoniales y mostró un gran aprecio por la superior cultura helena, a la que se adaptó y finalmente gobernó.

Renault saca una conclusión muy interesante y nunca lo suficientemente ponderada sobre esa tormentosa relación. Filipo era demasiado inteligente para no comprender que tras aquel muchacho sensible y de cabellos rubios con voz cantora, estaba su gran esperanza como su sucesor, por encima de su sobrino al que supuestamente regentaba el trono y su otra prole. Paralelamente, conforme el muchacho crecía y aprendía de un progenitor al que quizás nunca llegó a amar como lo hacen los hijos con los padres, pero del que bebió de todas sus enseñanzas militares y de gobierno, Olimpia trató de apartarlo con violencia y chantajes emocionales propios de un matrimonio divorciado en todo salvo de hecho. ¿Quién puede culpar a Alejandro de refugiarse en la amistad?

Fue una decisión que debió tomar con toda firmeza en la temprana niñez y que probablemente le acompañó hasta el final de sus días. Rara vez una persona ha depositado tanta confianza y dependencia de sus amigos, con los que probablemente le unió un vínculo mucho más sano (por lo menos al principio) que el mantenido con sus padres. Hefestión (principalmente él, quizás el hombre más subestimado en cuanto a talento se refiere dentro de su círculo, sería absurdo que Alejandro hubiera mantenido como amante, compañero y confidente a alguien vacuo o cuyo único talento era un hermoso rostro), Pérdicas, Cratero, Tolomeo... Con ellos rió, combatió, asesinó, sufrió, fue herido y compartió todo, tanto los botines como los castigos y los rigores de la campaña.

A la muerte de Filipo en una conjura que nunca quedó desvelada del todo y que incluso le salpicó a él (aunque no es probable su participación en dicho acto, apuntando más los restos a una conjura ateniense auspiciada por Demóstenes o los propios persas), Alejandro tuvo que convivir con el espectro de su tuerto y agresivo padre, así como a una red de enemigos que amenazaron que sepultar su nombre para la Historia. Ambos hombres eran muy distintos, Filipo era capaz de tener ingenioso sentido del humor, confraternizar y rebajarse como el común de los mortales, Alejandro era más frío salvo con su círculo más íntimo, su sentido del humor no parece haber sido propicio para las bromas y cuidó su imagen hasta el extremo.

El relato de Renault toma entonces el rumbo de campañas donde Alejandro mostró haber sido un discípulo aventajadísimo de su padre y de Parmenio (el más veterano general macedonio). Capaz de aceptar buenos consejeros como el veterano Antípatro y también de imponer su opinión cuando creía que estaba en lo correcto, baste decir que en su primera campaña como comandante logró el sueño de cualquier estratega y que es uno de los escasísimos ejemplos en los dominios de Ares que cualquier pacifista hubiera firmado: una maniobra sorprendente y una marcha rápida que provoca la rendición del enemigo sin sufrir ninguna baja ni inflingirla.

Tomando el rumbo de su padre, que logró colocar a su nación a la cabeza de los griegos unidos cara a Asia, Alejandro no solamente retomó el sueño sino que lo adulteró para un propósito aún más amplio, una mezcla de generosidad y megalomanía. Aristóteles no solamente le educó para ser un hombre racional y perfecto conocedor de lo que le rodeaba, sino que el afamado discípulo de Platón le reprodujo el fuerte odio de los helenos a los persas, tachados como poco menos que escoria. Cuál fue la sorpresa de sus educadores cuando conforme avanzaba su conquista, no solamente se rodeaba de ellos sino que los equiparaba a sus otros súbditos, para escándalo de muchos de sus militares de viejo cuño.

Es una pena que en el relato de sus encuentros en el campo de batalla, sea uno de los pocos frentes donde no explora los detalles Renault. Muy curiosa hubiera sido su opinión sobre el asedio de Halicarnaso, impresionante fortaleza bajo la estrategia de Memnón de Rodas, jefe de los mercenarios griegos que luchaban por el Gran Rey Darío y que fue el mejor rival a nivel táctico que conoció el macedonio. Memnón había sido junto con su hermano un soldado de fortuna trota-mundos que había terminado emparentado con la aristocracia persa, entre los muchos lugares que estuvo se encontraba Pella, donde tuvo la fortuna de conocer a Filipo e hizo una muy atinada radiografía del potencial de su ejército, enseñanzas que lo convirtieron en un brillante borrador de Kutuzov en cuanto a la tierra quemada y cuyo mayor elogio probablemente sean las pocas páginas que le dedicó el lisonjero sobrino de Aristóteles, cronista palmero del Magno y con quien solamente se enemistó tras verle adoptar la defenestrada cultura persa. En cuanto al rodio, fallecido por enfermedad mientras trataba de llevar a cabo otra de sus impresionantes operaciones (quiso llevar la guerra a la tierra de Antípatro obligando a Alejandro a tener ojos en la nuca), siendo sus herederos distinguidos por el monarca, quien siempre los trató con respeto y hasta casó a una de sus nietas con uno de sus mejores almirantes.

Apenas pasando de los treinta años y dueño del imperio más grande que se conocía en la Oikumené, la tierra enmudeció ante su presencia. Se sabía mucho de su forma de comportarse en una crisis, de sus estrategias más célebres, de como cabalgaba a Bucéfalo, de su valor rayando en lo temeraria, de los desastres que habían provocado sus guerras y su extraña piedad cuando aquello había transcurrido. El problema en aquel momento que lo tuvo todo fue que quiso seguir adelante.

Las campañas que allí se sucedieron eran una mezcla de sueño y megalomanía, el mejor ejército del mundo conocido en aquellos días no comprendía porque su soberano ahora vestía ropajes persas y se proclamaba vengador del Gran Rey al que había derrotado. Desiertos asfixiantes y la incursión en la India (probablemente uno de los episodios mejor narrados por Renault, con fascinantes descripciones y cotejo de fuentes) le llevaron a tener su primer divorcio con sus tropas. A diferencia de Aníbal Barca u otros grandes caudillos, el macedonio se vio en la humillante tesitura de sufrir varios motines de unos soldados que le censuraban por mandarlos a los confines de la tierra y que lo amaban porque verdaderamente a diferencia de muchos otros privilegiados, él nunca había pedido a nadie bajo sus órdenes algo de lo que él no fuera capaz. Tanto era así, que empezó a tener gravísimos problemas respiratorios, cicatrices por todo el cuerpo y al igual que su padre (un espectro con el que le unía amor-odio) un incremento de su afición por el vino, probablemente la causa que le llevó a la pelea de taberna que mantuvo con Clito El Negro, oficial de la época de Filipo que le había salvado la vida en el Gránico y al que terminó matando en una disputa donde el nombre de su padre, los delirios de su madre y el desprecio a los persas fueron solamente la punta del iceberg de una celebración que se fue de las manos y donde viejos odios salieron a la luz.

Fueron muchos episodios, algunos tan notables como el de la conjura de los pajes, donde Filotas y el mismísimo general Parmenio aparecieron salpicados. Con precisión de cirujana, Renault recolecta datos de esos oscuros momentos, destacando la frialdad de un Alejandro que iba tomando su papel de Gran Rey antes que hegemón, con la frialdad del joven Octavio o la de Michael Corleone, tomando un distanciamiento de las cosas que contrastaba con la pasionalidad de las antiguas discusiones con sus padres.

Las fuentes helenas no quisieron complicarse con aquella criatura que Gisbert Haefs definió como "el señor de las diez mil almas", era más fácil afirmar que su antiguo caudillo se había vuelto un loco déspota seducido por orientales indeseables, así como sus nefastos vicios y relaciones sexuales... Es curioso que en ese aspecto su desinterés fuera casi total, había desesperado a sus padres por su lentitud en buscar matrimonio (la decisión fue finalmente sorprendente con la enigmática Roxana) y las únicas relaciones estables y positivas que se le conocen reconocidas como algo más que un efímero affaire, son Hefestión y Bagoas. A juzgar que ambos le permanecieron leales hasta la muerte y que no le traicionaron donde muchos otros lo hicieron, su elección fue acertada, así como es curioso que ni él ni autores posteriores se mostrasen muy interesados por el que sería el futuro Alejandro IV, su heredero y asesinado por Casandro, el ambicioso hijo de Antípatro y que trató de borrar el nombre su antiguo soberano en vano, delatándose él mismo al tener sudores cuando veía una estatua del ya por entonces difunto rey.

Para muchos, empezó a valer más muerto que vivo. Es curioso como rescata Renault el dato de que Sisigambis, madre del Gran Rey Darío que siempre le estuvo agradecida por cómo trató a su familia cuando la destronó, se dejase morir en apenas cinco días después al saber de la muerte de aquel muchacho que la había llamado madre y la trataba con suma deferencia. Olimpia sobrevivió siete años a su hijo y participó activamente en el reparto de su herencia. Viejos amigos como Pérdicas que habían compartido peligros y estocadas, empezaron a preocuparse más de portar su anillo que de su curación... Hefestión había ya muerto partiendo el corazón de su Aquiles, mientras que Cratero tuvo una de sus últimas demostraciones de lealtad al encerrarse en el templo de Serapis rezando por la curación.

Mientras algunos fieles como Tolomeo empezaban a poner sus miras en Egipto, fue la soldadesca (tanto la macedonia como la griega, la persa, los feroces agrianos...) quienes comprendieron que no despedían a un dios como harían los lisonjeros, sino a un hombre, excepcional, brillante, contradictorio, terrible, sensible y frío... Desfilaron ante él como hiciera Alejandro en tantas ocasiones para despedir a sus heridos, embebido por la piedad que trasmite esa joya universal llamada Ilíada...

Lo que trae Mary Renault no es la interesante biografía de un monarca elevado a la altura de dios. Es algo mucho más fascinante, rescata los sueños y temores de un hombre al abordar su futuro...

CHERCHEZ LA FEMME

2011-10-23T07:35:00.000-07:00

El recientemente abierto teatro Góngora ha traído durante este fin de semana la obra clásica de Molière, "Las mujeres sabias". Con la fortuna de poder asistir al evento con la siempre grata compañía de amigos, me alegra poder dar una pequeña entrada extra este domingo al blog de Amarcod, centrada en el marco teatral del que siempre es un placer hablar.

Hay que aplaudir la iniciativa de la Compañía Cordobesa de Teatro Par, sacando nuevamente a la luz este texto del autor de "El ávaro". Les Femmes Savantes es un relato que al igual que le ha sucedido a otras piezas de autores míticos (vienen aquí a la mente por ejemplo "El mercader de Venecia" o "La fierecilla domada"), que se debe ver con cierto filtro y contextualizado.

Gentilhombre burgués de buena pluma, Molière era un buen analista de su tiempo, dentro de su estilo, era imposible escribir mejor o con más gracia, pero también estaba condicionado por la mentalidad de sus días, su ya por entonces avanzada edad y sus propios prejuicios. En un fresco que se desarrolla en un único emplazamiento -una casa donde un paterfamilias galo es incapaz de gobernar a sus díscolas hijas y sabihonda esposa-, Molière carga las tintas sobre el intelectualismo fatuo y la hipócrita elevación de ideales.

En primer lugar resaltar que el teatro tuvo buena factura, acogedor, bastante más íntimo de lo que pueda ser el complejo del Gran Teatro, hay una sensación de mayor aproximación familiar a los actores del reparto. La acústica también fue más que aceptable y, en líneas generales, podría decirse que la representación se llevó a cabo sin grandes incidencias.

El montaje fue hábil, más teniendo en cuenta que el propio texto de Molière es muy propicio a ello, simplemente un salón que puede hacer las veces de estudio, campo de batalla de poetas espantosos que pueden cambiar halagos en difamaciones por una simple objección, donde dos hermanas se enfrentan, una por haber abrazado la filosofía y la vertiente espiritual de las cosas y, la otra, Enriqueta, un amor mucho más terrenal con un antiguo amante despechado de la mayor.

Antonio Barrios dirige con buena mano una obra con diálogos graciosos -aunque es un Molière en este caso muy terrenal, casi disfrutando de hacer partícipe al gran público de su odio a enemigos y situaciones que aborrece-, personajes que caen en un excesivo blanco y negro, recordando que los genios también tienen sus fobias y que son tan presa de los atávicos momentos históricos que le tocan vivir.

El nivel actoral es bueno y hay que tener siempre en perspectiva en los niveles que se mueve una Compañía de carácter local que mucho mérito tiene que vaya sobreviviendo una década en la coyuntura tan gris y mediocre en la que se está moviendo la economía de los territorios artísticos. Las actuaciones son positivas -por ejemplo: algunos diálogos del padre-, aunque algún momento parece sobre-actuado y -esto en realidad es un reproche al argumento, no a las representaciones-, la solución del conflicto -que no desvelaremos por respeto a quienes no la hayan visto aún o leído- siempre me ha parecido facilona y poco inspirada, más en el nivel de escritor que nos estamos moviendo.

Y es que en definitiva, al igual que con otro individuo muy listo, Molière se equivocaba al no olvidar el látigo para azotar a la filosofía en tanto en cuanto se acercaba al bello sexo... y es que los genios también se equivocan como todo hijo de vecino. Y por supuesto, asimismo han errado muchas mujeres sabias a lo largo de los tiempos.

SE ESCUCHARON LOS RAYOS, PERO...

2011-10-23T02:38:00.000-07:00

Durante mucho tiempo, "El Capitán Trueno" ha sido uno de los tebeos más representativos dentro del panorama español. Creado por Víctor Mora para la editorial Bruguera, en muchas ocasiones se lo ha acusado de ser un exponente de valores atávicos, de un "¡Santiago cierra España!" que recuerdan a lo peor del oscuro páramo que fue el franquismo para las corrientes artísticas españolas.

Esta apreciación tiene su fundamento de verdad innegable, no obstante, limitar a este héroe de ficción enmarcado en la época de la III Cruzada (aunque las licencias son muchas y se mezclan personajes que no se corresponden con el contexto), pero en verdad hay que ponerse en perspectiva de la época. Tanto Mora como Ambrós no eran precisamente sospechosos de ser muy afines al régimen, mientras que algunos de sus compañeros como Escobar incluso eran acusados de todo lo contrario, por lo que muchos de sus diálogos deben entenderse en la época que fueron concebidos. Por el contrario, "El Jabato", un personaje de muy similares características y mismo creador, por estar ambientado en los días de la Roma imperial, se salvaguardó en buena medida de esos requisitos censores.

Con todo y a pesar de ello el personaje prosperó y prosperó, en una sucesión de aventuras de capa y espada donde el desarrollo de los pérfiles de personajes quedaba sacrificado por una sucesión ininterrumpida de entuertos, viajes exóticos, hechichería y brujería. Tan bien le fue a la creación de Mora que junto con Mortadelo y Filemón, Súper-López y muy contadas excepciones más, sigue en funcionamiento a través de los sucesores del creador original, ya que el señor Mora, nombre clave en la historia del cómic hispano, es uno de los pocos iconos de la historieta que se mantiene bien en venta y cuenta aún con su fiel legión de seguidores.

Más, honestamente, pienso que tanto esos nostálgicos como aquellos espectadores que no conozcan los antecedentes y vayan a la gran pantalla a verlo, no se van a sentir muy complacidos con la adaptación dirigida por Antonio Hernández. Largamente postergada (es una pena que Mora no haya podido disfrutarla estando en una edad más joven y habiendo pudido influir más en su desarrollo), la versión en la gran pantalla de Trueno y su ahora improvisada búsqueda del Santo Grial (como vemos, Indiana Jones fue un mero continuador) parece adolecer de todos los defectos que hacen a muchos cargarse de prejuicios con el cine nacional.

Sergio Peris Mencheta encarna al mítico capitán, conocido por ser el modelo de héroe perfecto medieval, valiente con el enemigo pero noble y defensor de los débiles, uno no va a esperar que en el guión de Pau Vergara, encontrar ahora un Trueno lleno de aristas y complejisimo, pero el retrato de espadachín bravucón y con el que uno piensa tener muy poco en común; por cierto que según dicen en los mentideros, ahora Mencheta se encuentra de pleitos por motivos de honorarios con la productora.

Le acompañan en la trama Manuel Martínez como el titánico Goliat (aunque mucho nos tememos que es bastante peor actor que buen deportista y atleta) y el joven Adrián Lamana como Crispín, escudero y paje del capitán. Como era de esperar, se cruza en su camino de regreso a Castilla la bella Sigrid de Tule, durante mucho tiempo se barajó el nombre de Elsa Pataky como la futura belleza nórdica, aunque finalmente ese rol ha ido cayendo en las redes de Natasha Yarovenko. Este atractiva actriz que saltó a la fama por abrir las puertas del cielo en una habitación romana, representa a una Sigrid que verdaderamente se encuentra muy perdida en la película, en una historia de amor con Mencheta que de tan casta, pura y tibia... se queda en un glacial tono donde uno no sabe qué pensar, la verdad.

En un ejemplo de exceso de ambición, uno, siempre desde la cómoda barrera, no deja de preguntarse por qué no se ha aspirado a menos para poder hacer más. Trueno tiene suficientes aventuras originales de luchas con rivales poco sobrenaturales y en emplazamientos exóticos pero asequibles para un presupuesto que no puede compararse con los ricos fuegos de artificio de Hollywood, una trama más modesta pero bien hecha y medida hubiera podido terminar en una cinta correcta, que hubiera satisfecho a los incondicionales y que, desde luego, hubiera evitado terminar siendo una comedia involuntaria, como sucede con esta búsqueda del Grial y donde las sobre-actuaciones rivalizan con unos decorados donde parece que los castillos y fortalezas están hechos pedazos como si fuera hoy, y los árabes tienen un acento que rivalizaría con el de los lusitanos de la no menos improvisada "Hispania".

Sienta mal, honestamente, tener que hablar así de un proyecto que ha tratado de devolver a un personaje muy representativo del cómic español, pero después del visionado no queda más remedio, casi agradeciendo que haya terminado una sucesión de gags poco inspirados y donde uno se cuestiona por qué si una de las bazas de los villanos es un ejército demoníaco, éste actúa a plena luz del día con un Sol de justicia, en vez de aparecer alguna noche por sorpresa, para variar. Sobre los elementos mágicos, mejor no hablar.

Y es que, verdaderamente uno duda que esa prometida secuela vaya a terminar rodándose... y lo peor, es que uno se alegra, porque no están los pocos héroes que quedan para la península para muchas montañas rusas de este tipo.

BLACK AND WHITE

2011-10-16T02:27:00.000-07:00

Hoy por hoy, el formato televisivo no parece estar muy propicio para alegrías en el panorama nacional. Por lo que llevamos visto de la re-visitación de Cheers, el futuro no invita al optimismo precisamente. Por ello, no tiene nada de extraño por ejemplo que el reciclaje del que probablemente fuera el mejor programa de cine en la pequeña pantalla, sea uno de los enlaces de Youtube más recurrentes para los interesados en las tertulias cinematográficas con un poco de enjundia.

Hace ya varios años, en la segunda cadena nacional, José Luis Garci dirigó "¡Qué grande es el cine!", programa que ya hemos comentado en alguna reseña anterior y que verdaderamente supuso el acercamientos para muchos espectadores de películas tan magníficas como "El empleo" o "El general de La Rovere". Alternando tertulianos de muy variada condición, el grave inconveniente de sus coloquios era muy básico, horarios de madrugada y entre semana, lo cual hizo que más de uno y de dos tuviera que recurrir entonces a los antiguos VHS.

Recuperado el formato íntegro para Telemadrid, más allá de que ahora se limita el surtido a obras en blanco y negro, parece que poco hemos cambiado...

Sigue dirigiendo Garci, haciendo sus medidas introducciones del contexto histórico, muchos tertulianos repiten, aunque algún otro se incorpora... pero es que hasta las películas se repiten, dirán algunos, como si le sonara a una agradable música de jazz muchas veces oída. El acento firme y elegantemente homérico de John Ford, Billy Wilder y esa maravilla llamada "Testigo de Cargo", basada en un relato de la mítica Agatha Chirstie, etc.

Igual que el humo que salía del lugar donde Eddie Relámpago y el Gordo de Minnesota se medían en una partida interrumpida bajo tacos de billar, esta versión noir del antiguo programa satisface a nostálgicos y tal vez cree algún espectador más al maravilloso séptimo arte en la capital española, pero, a pesar de ser un declarado admirador de este tipo de iniciativas, uno sigue preguntándose por qué no ha acontecido ese relevo generacional, porque estos cow-boys de medianoche no encuentran relevo.

De hecho, una de las alegrías más considerables, por novedosa, es el hecho de que se colase "Manhattan" porque el bueno de Woody Allen tuviera a bien rodarla sin color. Soplo de aire fresco, dirían algunos, pues este cine en blanco y negro, hecho con todo el amor y la afición del mundo a este arte, a veces se pierde en ejercicios de nostalgia de la época dorada de Hollywood, donde Elia Kazan deslumbraba (por su capacidad de adaptar obras teatrales y dirigir con una sensibilidad única a sus repartos) y asqueaba (por su papel en la Caza de Brujas norteamericana durante la Guerra Fría).

Y es que, con el paso del tiempo una piensa que esa idea redonda no llega a concluir. "Cine en blanco y negro" es un digno y respetable clon de su predecesora "Qué grande es el cine", capaz de producir coloquios muy interesantes como los efectuados para "El hombre que mató a Liberty Valance" o "El Verdugo" entre otras, pero inferior al original en el sentido de que se limita absurdamente en el espectro a elegir y en ocasiones reitera contenidos, quedándose en lo muy bueno conocido antes que explorar territorios menos habituales pero con potencial novedoso.

¿Dónde quedan esas luces de Oriente? Incluso la lengua maliciosa e irónica de Carlos Boyero termina siendo insuficiente en la oferta que se tiene hoy en día, hasta el programa que hoy comentamos sigue pareciendo varios peldaños por debajo de ese primer programa emitido con más valentía que espíritu de audiencia unos lunes de madrugada...

Mientras seguimos esperando, entre tanta salsa de vanidades para heridas que cicatrizan en norias y cajas salvadoras...Esperando viejos estrenos de cintas ya olvidadas que para muchos, son un regalo sin abrir.

TAN GUAPOS DE UNIFORME

2011-10-09T02:37:00.000-07:00

Un repaso, aunque sea apresurado, a la producción televisiva, cinematográfica, literaria, de video-juegos y cómics sobre la II Guerra Mundial, mostrará una impresionante montaña de información; y eso, sin contar los libros propiamente históricos, biografía de sus grandes personajes, póster y hemerotecas de prensa.

La I Guerra Mundial, más conocida como la Gran Guerra para quienes la vivieron, no produce el mismo efecto. Aunque hay alguna buena y honorable excepción como la magnífica "Senderos de gloria" de Stanley Kubrick, vibrante recreación del infierno de una guerra de trincheras, por lo general, ha sido más desatendida por los autores de ficción a la hora de emplear su contexto para ambientar sus relatos.

Gracias a un buen amigo, tuve recientemente prestado un cómic de curioso título, "Arrowsmith: Tan guapos de uniforme", obra de un tándem de autores verdaderamente notable, el veterano y siempre fiable Kurt Busiek y el dibujante español Carlos Pacheco, hoy por hoy, uno de los mejores artistas de las viñetas en lengua castellana que han cruzado el charco del Atlántico. A pesar del peculiar título, la atractiva propuesta de recrear el poco tratado conflicto en un marco que es una mezcla de la más clásica tradición súper-heroica con elementos fantásticos con cierto toque al gran maestro Tolkien, el trabajo prometía.

Pese a ello, lo cierto es que salvo por su buen nivel gráfico, el arranque hace que uno piensa que se ha colocado en una especie de "Pearl Harbor" (2001), donde hay un idealista muchacho llamado Fletcher que desobedeciendo la autoridad paterna se incorpora a un peculiar grupo volador para ir a Europa, un fiel camarada, una hermosa enfermera que luego resulta ser de excelente familia, el chulo de la compañía que luego no es tan mal tipo...

Afortunadamente, Busiek está a cargo del guión y aprovecha estos estereotipos para narrar una guerra con muy poco glamour, pese a los elementos sobre-naturales que la rodean. En este sentido, el hecho de que sea la I Guerra Mundial es estupendo, ya que existía una mayor complejidad a la hora de ver quiénes eran los "buenos" y quiénes "los malos". Ese relativismo moral sería imposible con el espectro del nazismo y sus derivados.

De cualquier modo, el fresco que va mejorando a pasos agigantados conforme avanzan las páginas, parece haber quedado muy desaprovechado, aunque es elogiable cómo se introduce al lector/a en el infierno de la contienda, en tincheras muy peculiares, repletas de nigramancia y donde los soldados caen a puñados ante dirigentes que, a fin de cuentas, son como crueles dioses nórdicos inconmovibles ante la sangre y fuego que han invocado.

Un perfecto exponente de la imaginación de Pacheco, el mundo de la propaganda y la caricatura encontraron su máximo exponente a partir de los terribles conflictos de principios del siglo XX y que hallaron la máxima hipérbole de la barbarie y la destrucción en la década de los 40.

Un proyecto curioso que desgraciadamente no encontró continuidad y tiene la mala fortuna de arrancar más tarde de la cuenta, más que explotar los tópicos y pervertirlos, tal vez Busiek y Pacheco debieron apostar por tirar la casa por la ventana desde el inicio.

Con todo, una pequeña joya por originalidad y capacidad de andar caminos no trillados.

BIOGRAFÍA DE UN NIÑO PRODIGIO

2011-10-02T01:54:00.000-07:00

Durante los últimos años, la figura de Manuel Vázquez, quien fuera uno de los dibujantes de cómic español más importantes de Bruguera, ha quedado totalmente revalorizada.

Todo giró alrededor del estreno de la película "El Gran Vázquez", donde el popular Santiago Segura interpretó al picaresco artista, tan célebre por sus viñetas como por su vida ácrata y al margen de las convenciones, aún a costa de ser un moroso y vivir prácticamente al día.

Tener una película de Vázquez animó a Ediciones B y a Glénat para re-editar algunos de sus trabajos (ver la reseña "Lo peor de uno de los mejores"), a la par que uno de los grandes historiadores del cómic hispano, Antonio Guiral, elaboraba una biografía con su minucioso estilo clásico del artista.

Probablemente, lo último haya sido el broche de oro para lo que ha sido esta incuestionable figura, "El Gran Vázquez: coge el dinero y corre", coordinado por J.J.Vargas (a quien ya conocerán los lectores/as del blog por virtud a su espléndido trabajo sobre Alan Moore, también editado por Dolmen), es sin duda el colofón a la recuperación de la producción del creador de Anacleto.

Este estudio se trata de una obra coral donde hay un desfile de algunos de los mejores conocedores de la época, abordando distintos aspectos de Vázquez, desde sus inicios cuando era el niño prodigio de Bruguera, hasta la época donde en Glénat orientó su estilo a un humor más adulto y escatológico. Así encontramos a Miguel Fernández Soto, quien ya ha efectuado algunos de los mejores estudios sobre los emblemáticos "Mortadelo y Filemón", o unas palabras de Paco Roca, quien fuera el creador de esa joya que es "El invierno del dibujante".

Lo interesante de esta obra es que se complementa a la perfección con el estudio de Guiral, muy académico e impecable en sus análisis sobre la creación de los personajes con firma by Vázquez (las hermanas Gilda, la familia Cebolleta, el inspector Yes y un amplio etceterá), pero quizás sin esta versatilidad que presenta esta edición de Dolmen, prácticamente un libro que uno puede empezar por el capítulo que prefiera consultar, además de estar aderezado con muy curiosos complementos que harán las delicias de los aficionados (entrevista Jaume Rovira, a Vicky Vázquez, una de las hijas de la prolífica vida familiar y de amantes del artista brugueriano...).

Desde su más temprana infancia, Vázquez fue una curiosa mezcla. Criado en un clima de pobreza y donde se pasaba mucha hambre, su vida, gracia al trabajo de su padre, también le permitió codearse con círculos de artistas muy brillantes, lo cual convirtió al muchacho en una mezcla de sibarita y alguien acostumbrado a sacarse las castañas del fuego, viajando hasta Barcelona para convertirse desde el principio en el niño mimado de Bruguera. Muy inteligente, perspicaz e imaginativo, en el páramo realmente poco fecundo de la censura franquista, by Vázquez fue un verdadero innovador, Escobar por ejemplo fue un brillante exponente de alguien que dinamitaba los tópicos desde dentro y que también merece cuantos estudios se hagan de él, el dibujante de Angelito, se colocó en un extremo del absurdo donde usaba la hipérbole para crear divertidísimo contrasentidos.

Como se desgrana de sus propias entrevistas y testimonios, Vázquez siempre vivió un poco con la ironía como refugio. En el clima espartano de Bruguera, concebida como un negocio tan efectivo como represivo por parte de Rafael González y sus patronos, el dibujante, pese a ser con diferencia el más consentido gracias a sus propias añagazas y el consentimiento que generaba su talento, pero jamás se tomó en serio ni a sus superiores ni a sus propias criaturas. Siempre pensó que la historieta española se pudo poner en la delantera, era el momento, había cerebros (Escobar, Cifré, Mora, etc) y talento, pero el poco propicio clima para la libertad de expresión y las timoratas morales de la época le enfurecían, hasta el punto de buscar refugio en "Los cuentos del tío Vázquez", una sátira moral donde enseñaba a los españolitos medio una vida poco ejemplarizante y muy divertida, con sastres que portaban garrote y deudores irredentos.

Hablando precisamente de deudas destacar las reflexiones de José Ángel Quintana (alias Chespiro, viejo amigo de este blog), acerca del legado de la obra de Vázquez en Francisco Ibáñez. Eternamente considerados la liebre y la tortuga de Bruguera, la superior ética de trabajo del segundo permitió adquirir el estatus de dibujante estrella de la compañía, rango que aún hoy ostenta, ya que sus dos agentes de la TIA son los dos personajes más reconocibles del panorama de las viñetas españolas.

Chespiro, reconocido admirador de Ibáñez a cuya obra ha dedicado el blog "Corra jefe, corra", no cae en el eterno debate bizantino que para algunos ha sido Ibáñez versus Vázquez, cuando en realidad tal pulso no es necesario. El propio carácter anárquico del más veterano le llevó a no exprimir sus creaciones al máximo (su producción es mucho más interesante por su calidad e innovación que por su cantidad), mientras que el otro con una gran intuición, supo ser el discípulo aventajado (por ejemplo: "La Historia ésa vista por Hollywood) que llegó a sacar con su propia marca ese legado, reconociendo siempre la originalidad de aquella personalidad contrastada con él, y es que en by Vázquez, el personaje pronto se apropió de la persona.

Y es precisamente en ese rico anecdotario donde el biografiado ha sido aún más célebre que en el mundo del cómic. Capaz de enterrar tres veces a su padre para cobrar adelantos, artista del escaqueo laboral y sablista profesional, ese personaje brumoso y canallesco generó una extraña admiración dentro de muchas de las personas que convivieron con él, llegando incluso a límites malsanos. Aún hoy sorprende que algunos de los timos de Vázquez sean tan aplaudidos como si fueran producto de una obra de Quevedo, pero en verdad, la realidad tuvo que ser mucho menos divertida para quienes tuvieron que sufrirla. Es precisamente ese séquito que en ocasiones le rodeó quien en ocasiones fomentó esa imagen algo cansina del eterno estafador; curiosamente, él mismo no dudaba en reírse de sí mismo colocándose como villano de sus propias historia, incluyendo secuestros de sus creaciones para no tener que dibujar.

Los aficionados a este singular artista pueden estar de enhorabuena, el presente estudio de Dolmen es, hasta la fecha, el estudio sobre su carrera más documentado, mejor redactado y cubriendo aristas poco conocidas de su trabajo (por ejemplo: su época en la prensa escrita o aquella ocasión en la que el director de El Jueves, rendido admirador de su persona, tuvo que decirle que no a contratarlo por su mala actitud...). Y es que, año tras año, la figura de Vázquez siempre emerge con fuerza para nuevas generaciones de lectores...

"Vázquez no puede morir. Vázquez no perdía nunca"- Francisco Ibáñez, sobre el legado de su vida paralela.

Autores de la obra: J.J.Vargas, Miguel Fernández Soto, Miquel Esteba, Jordi Canyissa, Antonio Tausiet, Alfons Mollné, Francisco Javier Alcázar, José Ángel Quintana, Koldo Azpitarte, Enrique Martínez Fuentes y Jaume Capdevilla.

EL HILO DE PENÉLOPE

2011-09-25T01:39:00.000-07:00

En el cine, hay una división en la que entran escasos directores. Es una nueva dimensión donde todo el público, desde los que son aficionados hasta los que te aborrecen, saben exactamente qué esperar de ti, porque en todo lo que hagas, saben que siempre llevará tu sello, una etiqueta de marca propia.

Pedro Almodóvar entra dentro de dicha categoría. Haber triunfado por todo lo alto siendo extranjero en un negocio tan etnocentrista como Hollywood, ser públicamente reconocido en festivales como Cannes, no le ha servido, como ha sucedido a lo largo de historia ante los éxitos, para ser profeta en su tierra. Podríamos decir, eso sí, que no deja indiferente a nadie, o aman su cine o lo odian, pero rara vez deja indiferente a nadie.

Con "La piel que habito", el cineasta manchego vuelve a la carga, en lo que algunos han considerado su proyecto más extraño, hiperbólico e interesante en mucho tiempo. Desde luego, debe haberse divertido con esta obra, al igual que el año pasado con Alex de La Iglesia y su "Balada triste de trompeta", parece que el director ha decidido purgar todas las cosas que ronden su mente, desde lo más sublime a las pesadillas más recurrentes, una historia sin tapujos y forzando siempre cruzar la línea de lo políticamente correcto.

De la mano de la pareja formada por Antonio Banderas y Elena Anaya (un salto de calidad muy bueno por parte de la actriz en esta cinta, tiene una papeleta muy difícil y la resuelve con mucha soltura), Almodóvar compone un extraño fresco. Salvando los géneros, estamos ante un experimento tarantiniano, muchas pequeñas historias y mezcla de tipos de película en una sola, en un principio parece que nos moveremos en las fronteras del terror y el suspense... para después derivar en una serie de rompe-cabezas que dejarían a la altura de cortesanos principantes a los habitantes de "Rebeca" de Hitchcock.

Para todos aquellos que aún no la hayan visto y tengan intención, invitarles a que cuanto menos sepan de la misma, mejor, la sorpresa es uno de los factores que hacen que la experiencia de ir a ver este estreno sea tan particular. Merece el dinero de la entrada, pero eso no es indicativo de que les vaya a gustar precisamente. Es impredecible, una que tendrá tantas opiniones como personas la vean.

Destacan también muy buenos secundarios, como Marisa Paredes, Jam Cornet o Roberto Álamo (de quien ya hablamos en la versión de "Un tranvía llamado deseo", muy dotado para los papeles agresivos, aunque en este caso con un componente de esperpento).

Para los más puristas y admiradores del oscarizado autor, decir que no se preocupen, pese a todo lo dicho, Almodóvar sigue siendo Almodóvar. No se resiste a poner esos barrios, a rodar igual de bien que siempre, a no renunciar a ese humor socarrón, a ser incapaz de permanecer serio en todo momento...

Personalmente, tienen que saber que ante él siempre me sentí dividido. No me contaba entre la legión de sus seguidores, no todo lo que ha hecho me ha gustado, pero desde luego, tampoco entendía el aborrecimiento que a otros suscita, teniendo siempre la impresión de estar ante un artesano que conoce muy bien su oficio. Y es que, acusado siempre de hacer cine marginal, de putas, cambios de sexo, personajes miserables y desquiciados... Le da la vuelta a la tortilla, se marca un baile de estilo clásico, únicamente para darte cuenta de que una vez más te ha vuelto a dar gato por liebre, que seguira hablando de mundo estrambóticos y marginales, con personajes al borde de un ataque de nervios y que no saben precisamente todo sobre sus progenituras y otras locuras.

Por último, aún atolondrado por este extraño experimento cinematográfico, citaré al escrito Stepen King tras leer cierta obra de Frank Miller: "Um, este tío es bueno... sabe lo que hace".

ESPARTACO NUNCA MURIÓ

2011-09-18T02:37:00.000-07:00

A la altura del año 71 a.C, Marco Licinio Craso había salvaguardado la protección de Roma de la amenaza del mayor alzamiento de esclavos que el mundo mediterráneo había conocido. Era cierto que existían precedentes en Sicilia, pero si unas décadas antes alguien hubiera barajado una rebelión de esas características con derrotas humillantes para los legionarios a manos de sus siervos, hubiera sido tachado de loco.

Craso, adinerado hombre de negocios, general victorioso y antiguo partidario de Lucio Cornelio Sila, quien fuera dictador de Roma, sabía que únicamente se le daría una ovatio a su retorno, ya que la mentalidad de la República italiana en aquellos días no pensaba que hubiera la misma gloria en batir a esclavos que a hombres libres. Como fuere, el castigo a los supervivientes fue ejemplar, en una de las vías principales a la urbe, fueron crucificados todos sus prisioneros. Pese a ello, según le informaron sus soldados, nada se sabía del cabecilla... La última vez que se le vio en acción durante la lucha, había asesinado ya a algunos centuriones y se batía a la desesperada con aquella horda que lideraban, muchos de ellos antiguos gladiadores que durante dos años se habían paseado atemorizando a los ricos y adinerados romanos.

Y es que el propio Plutarco fue incapaz de contar qué fue de aquel extraño individuo que se convirtió en un líder y un referente que ha traspasado los siglos, un Mesías pagano y con la espada en la mano, un símbolo de la resistencia del que se ha escrito mucho y probablemente muy poco certero y seguro. Espartaco, tal vez a raíz de que Craso no encontró su cuerpo, se convirtió en algo más grande que él mismo, un icono para generaciones de sometidos y un mito para los amantes de la épica.

Como era lógico, la historia de un hombre que empezó batiéndose por su vida en Capua como divertimento de sus amos y llegó a ser un caudillo que amenazó a los hijos de la loba, ha generado también su respuesta en la pequeña pantalla, gran cantidad de telefilms de calidad heterogénea y, en una escala superior, la película firmada por Stanley Kubrick, verdadero clásico dentro del género. Muy recientemente, apenas en 2010, para cadenas por cable, siendo emitida en España por Cuatro y Canal Plus.

La serie no buscaba un rigor histórico ni nada que se le pareciera. Igual que otras producciones como la adaptación cinematográfica de "El Señor de los Anillos", la serie está íntegramente rodada en Nueva Zelanda. Desde el primer episodio, bajo la dirección de Steven S. De Knight, queda clara la apuesta que se iniciaba en su título "Espartaco: sangre y arena". Si llegan a apostillar "sexo", hubiera sido la promoción más sincera de la Historia.

Lejos del modelo realista de "Roma" (especialmente en su primera temporada, que merece considerarse un hito dentro de este tipo de programas), Spartacus es un intento de emular la estética de 300 que tan buenos resultados dio en taquilla a Zack Snyder. Es decir, una gran cantidad de sangre a borbotones, coreografías muy comiqueras y un puñado de mujeres y chicos estupendos ligeros de ropa... cuando no en la cama directamente, sin mucho rubor ni censura.

Desde el primer momento, para los puristas de las fuentes clásicas, los guionistas apuestan excesivamente rápido por la condición de tracio del futuro gladiador. Sabido es, sin embargo, que no cuando los autores latinos hablan de Espartaco como "tracio" están refiriéndose a su patria de nacimiento, tal vez simplemente sea el apelativo en referencia al tipo de arma que utilizase en la escuela de Léntulo Batiato. La trama está desde ese instante edulcorada, soldado auxiliar tracio, traicionado por los romanos y separado de su esposa, Espartaco termina teniendo que recurrir a la arriesgada vida de los guerreros de la arena.

Andy Whitfield es el encargado de encarnar al mítico héroe, teniendo ciertas reminiscencias al Máximo Décimo Meridio de "Gladiator". El resto del reparto suelen ser personajes de gran constitución física (destacando Crixo El Galo, concebido por los creadores como el CR9 de la época, alguien que lejos de sufrir con este oficio, goza de su reputación de estrella y de los favores que están dispuestas a hacerle las señoras de Capua) y en algunos casos incluso rebotados del mundo de la lucha libre profesional. Esto ayuda en el sentido de que son muy creíbles pegándose mandoblazos, pero no cuesta pensar que el nivel actoral va a ser inferior, por ejemplo, a "Yo Claudio", que estaba abastecida de algunos de los mejores actores y actrices del espléndido teatro inglés de los años 70.

Con todo, hay un extraño acierto colateral, principalmente con un personaje, el dueño de los gladiadores, Batiato, interpretado magníficamente por John Hannah. Lejos del simplismo de historia de buenos y malos, Batiato es entendido como un evergeta local y que quiere ascender con ese negocio hedonista hasta su verdadero sueño, una plaza aunque sea modesta de senador en Roma. De ahí que este individuo, avispado e inteligente dándole al público lo que quiere, busca hacerle la bola a cuantos patricios o familias plebeyas adineradas pasan por su establecimiento. Sin proponérselo, la serie hace aquí una espléndida visión de los ascensos sociales y las vías que tenían los pudientes locales itálicos cara a la gran Meca, la capital del Mare Nostrum.

Aquellos que se aproximen a mi quinta, tampoco tendrán ningún problema en reconocer a quien fuera Xena, Lucy Lawless, quien hace de la exuberante esposa de Batiato, una mujer no demasiado fiel y que goza de los favores de los jovencitos pupilos de su marido. La serie en este sentido es más honesta que ninguna y tanto para ellos como para ellas como para la más que posible homosexualidad de algunos de los gladiadores allí recluidos, mostrando escenas en muchos casos muy explícitas.

Su simpleza y estilo de aventuras y duelos que hubiera podido firmar el mismísimo Robert E.Howard, hacen que los capítulos de la primera temporada puedan ser consumidos como rosquillas, no estamos ante ninguna obra maestra pero sí ante un producto tremendamente entretenido y que no comete el error de tomarse demasiado en serio a sí mismo. Por desgracia, el alma de la serie, Andy Whitfield ve como le diagnostican un cáncer, provocando un drama personal que lógicamente se extiende como una mancha de aceite que hará que los productores y equipo tengan que re-plantearse la segunda parte.

En una época tan capitalizada y del negocio es el negocio, debe agradecerse que se hiciera la fórmula de "Dioses de la Arena", con la voz en off de Whitfield, en un ejemplo de profesionalismo innegable. Confiando en que su primer actor se recuperase de esa terrible lucha, los guionistas hacen algo así como un "Capua Year 1", donde cuentan cómo los compañeros de Espartaco terminaron sus días también en ese destino ambiguo, algunos mueren y son olvidados, otros prosperan y empiezan a ser mimados por unos propietarios que no piensan sacrificar a una espléndida inversión por una turba sedienda de sangre por un mal día.

"Dioses de la Arena", aunque se añore a Whitfield, es una buena segunda temporada, siguiendo la misma tónica que la anterior, señoras estupendas, tipos muy violentos y con diálogos de western, cortos y eficaces y un mayor peso de Batiato y su esposa, probablemente la mejor parte de la trama. Nuevamente, el contexto histórico es más que discutible, pero una vez tiene una extraña habilidad para plantear cosas interesantes, casi sin querer...

Un ejemplo se haya cuando un insoportable patricio visita Capua, Batiatio logra ser su anfitrión, soñando una vez más con que una buena velada y una pelea de exhibición hará al romano apuntar su nombre en la lista de clientes. Se genera todo el boato posible y una fiesta dionisíaca, pero el envalentonado visitante se atreve a desafiar a uno de los mejores luchadores de Batiato, que, obviamente, debe dejarse perder, tragándose el orgullo y los insultos del personaje en cuestión. El desenlace será trágico. Desde luego todo es inventado, pero hay una extraña sensación de "Esto podría haber pasado perfectamente en la República Romana Tardía".

Desafortunadamente, el interesante intento de esperar a Whitfield con ingenio queda roto cuando hace apenas unos días el joven actor fallece. Sin lugar a dudas esto va a marca irremisiblemente al programa, será muy duro para los miembros del casting seguir adelante, la pérdida tiene unas connotaciones personales que superan con creces las profesionales. Pero, sospechamos que Whitfield querría que siguiera el espectáculo, porque, a fin de cuentas, Espartaco nunca fue encontrado, misterioso, algunos hablan de que fue un desertor de las legiones romanas, otros de que su esposa era una hechiera, otros tantos pregonan su origen tracio...

"Sangre y Arena" deberá tratar de hacer el mejor homenaje posible a aquél que fue el mejor Espartaco posible, luchando hasta el final contra una de esas plagas que tantas tragedias está causando a lo largo de todo el mundo.

AU REVOIR, GRAN VISIR

2011-09-11T05:11:00.000-07:00

Las lámparas de aceite en el gran palacio de Bagdad empiezan a apagarse, mientras el benevolente califa Haroun El Poussah duerme el sueño de los justos servidores de Alá.

Es una tierra inspiradora de leyendas como la de Aladino, de genios que concedían deseos, con refugios en cuevas para los ladrones y hermosas esclavas de harén que adormecen con sus cuentos... Desde el pasado mes de agosto, Jean Tabary abandona a su suerte al gran visir Iznogud. El pequeño gran personaje de cómic es ya oficialmente huérfano por los dos lados, hace ya un poco más, el otro "papá", René Goscinny, le dejaba una noche donde su criatura soñaba con ser califa en lugar del califa.

Lo cierto es que me he sentido muy sorprendido por la noticia, pillándome de vacaciones en el norte, no ha sido hasta echar un vistazo en el blog de "Corra jefe, corra", donde me enteré de la trágica noticia, por cierto, les recomiendo el homenaje al dibujante por parte de Chespiro. Tabary había sido el leviatán que había mantenido al primo con mala fortuna de Yafar, tras la desaparición de Goscinny, el gran guionista, él había mantenido la flota islámica, incluyendo su activa colaboración a la serie de animación que adaptó sus viñetas e incluso una película con personajes reales.

Aún hoy en día sumergirse en las historieras de Iznogud es una gozada para los lectores. Irónica, mordaz... el hecho de que el protagonista sea un villano solamente refuerza a su autor. El gran visir es una mezcla de Joe Dalton y los malvados y ambiciosos consejeros de los cuentos de "Las mil y una noches", salpicado en todo momento por un gran sentido del humor y un estilo personalísimo de Tabary en sus lápices.

Lo más gracioso de Iznogud, que ahora solamente cuenta con los desvelos del no demasiado espabilado Dilá Lará, es que en realidad su vida sería estupenda si viera las cosas más allá de su nariz aguileña y ambiciosa. Su inocente califa le considera el más eficaz de sus colaboradores, vive en la opulencia de una gran ciudad y tiene todo el control menos el título... pero eso le corroe y le lleva a iniciar maquinaciones que, por supuesto, le conducen al desastre.

Me viene a la mente una disparatada historia que estos dos genios del humor crearon cuando los mongoles invaden las tierras del amado El Poussah. Las hordas bárbaras cuentan con un astuto consejero que presente que su Khan pierda la batalla y él pueda hacer una salida y pactada del conflicto que le permita ser la cabeza visible de un gobierno colaboracionista. Desgraciadamente para el mongol, Iznogud piensa hacer también todo lo posible para que Bagdad pierda esa guerra, llevándose al califa enjaulado y quedando él al control del todo. La historieta es una sucesión hilarante de gags de los dos traicioneros validos que tratan por todos los medios que sea su adversario quien cumpla fielmente su obligación cara con su señor.

Al igual que le sucedió a otro dibujante maravilloso, Uderzo, Tabary enfocó la serie en un sentido más fantasioso que él establecido por René, mucho más amigo del desarrollo del perfil de personajes y de los giros lingüísticos (conocido era que Goscinny sabía de la habilidad de Tabary para los dobles sentidos, por lo cual plagaba los diálogos de viñetas con esos giros).

Eso sí, dicen las malas lenguas que en Pont L´Abbé d´Aurnoult, la tumba de Tabary está vacía, que en realidad todo fue el truco de un nigromante a quien se vio recientemente por El Cairo... solamente hay noticias fehacientes de que un elegante hombre con gafas, bigote bien recortado y aspecto paciente, escucha las interminables monsergas de un tipo bajito seguido por otro corpulento y poco espabilado allá por un palacio iraquí en unas lejanas montañas que se han mantenido alejadas de la terrible guerra...

- Me da igual que quieras tomarte un año sabático... ¿lo has entendido? Je veux être calife á la place du calife...

Tabary sonríe mientras menea la cabeza.

- Bueno, habrá que consultarlo con René...

Y es que el visir nunca ha sido la clase de tipo que se rinde por pequeñas futesas.

GAME OF THRONES

2011-09-04T03:27:00.000-07:00

"Cuando juegas al juego de Tronos solamente puedes ganar o morir". Con tan simple pero adictiva premisa, da comienzo una de las sagas más renombradas de la literatura fantástica, de rabiosa actualidad pese a los años transcurridos desde su arranque, gracias a la adaptación a la pequeña pantalla efectuada por la prestigiosa HBO.

George R.R. Martin, autor de reputada trayectoria, encontró con esa saga (conocida como Canción de Hielo y Fuego y que actualmente se compone de los libros: "Juego de Tronos", "Choque de Reyes", "Tormenta de espadas", "Festín de cuervos" y "Danza de dragones") el broche de oro a su carrera literaria, aunque también ha provocado una expectación tan brutal en sus lectores/as, que se cuentan por legión, que muy extraño será que logre un desenlace que resulte a plena satisfacción de todos... pero eso, es ya otra historia.

¿Qué explica el éxito de esta gallina de los huevos de oro? Alberto de Cuenca declaraba en el programa de radio "Cow-boys de Medianoche" que Martin es el heredero de Tolkien (de hecho, se cambió su nombre para lograr esa reminiscencia a su reverenciado maestro) y que su capacidad de redacción se asemeja a la del mismísimo William Shakespeare. Lo cierto es que se trata de una afirmación de las osadas, pero no cabe duda que alguna de las escenas en el marco de Invernalia, podrían insertarse sin ningún rubor en algún momento de "El rey Lear" o "Macbeth". En géneros diferentes y con coyunturas distantes, tanto el inigualable Bardo como Martin, logran tratar temas universales, la ambición, el honor, la crueldad, la traición, etc.

La aventura comienza cuando en un mundo fantástico (donde los años no están numerados, sino que transcurren por estaciones, destacando unos inviernos terribles y muy largos que causan gran daño a la población), dividido claramente entre los territorios del norte y del sur, con un carácter feudal donde hay grandes señores y vasallos. Se supone que hubo criaturas fantásticas, como dragones o Los Otros, pero hace muchas estaciones que nadie los ve e incluso algunos hombres empiezan a ser descreídos sobre que alguna vez hubieran existido).

Uno de esos señores es Ned Stark de Invernalia, quien en el pasado fuera uno de los más destacados caballeros que se alzaron contra Aerys II, déspota rey de la dinastía Targaryen, apoyando a un joven llamado Robert Baratheon, quien finalmente se hizo con el trono gracias, entre otros, al apoyo incondicional de Ned en la batalla conocida como la del Tridente. Desafortunadamente, la hermana de Ned, Lyanna estaba prometida con Robert, a quien siempre le atormentó no haberla podido salvar durante la guerra de la violación y el asesinato de Rhaegar Targaryen, príncipe e hijo del enloquecido rey. Esto propició que Robert se casase ya coronado con Cersei Lannister, heredera de un noble linaje que pese a su belleza nunca superó el espectro de la difunta prometida en Robert y, además, exponente de un clan de intrigas cortesanas que jamás gustó a Ned, quien enfrió su relación con su gran amigo y abandonó el trono del sur para volver a su norte añorado.

Si ahora el lector/a se siente atormentado y en una película que ha empezado en la mitad, simplemente refleja que son gente inteligente y con sentido común. Es el efecto que quiere proponer Martin. Estamos ante una novela río donde el desfile de personajes puede aturdir al público, no obstante, el rompe-cabezas se va uniendo, mientras quedamos boquiabierto. Por cierto, no se fíen de nada de lo que les he contado en el anterior párrafo, pues todas estas batallas, raptos, violaciones y ascensos, pueden cambiar mucho según los ojos de quien los esté narrando en esos instantes.

Baste decir que "Juego de Tronos" hace confluir varias tramas. Viserys y Daenerys, dos jóvenes hermanos, últimos exponentes de la casa Targaryen, prácticamente exterminada durante la victoria de Robert, conspiran en la ciudad de Pentos, con el apoyo de unos pocos fieles, para recuperar el Trono de Hierro que un día fue suyo, aunque el joven e impulsivo muchacho, es incapaz de mantener siquiera la lealtad de su joven hermano, por su comportamiento hosco y violento. Pese a ello, tiene una buena idea al unir a su jovencísima y hermosa hermana a Khal Dogo, un bárbaro líder de una horda que un futuro podría estar interesado en reclamar los derechos de su prometida más allá del Mar Angosto...

Mientras ese juego sucede, Robert viaja a Invernalia para convencer a Ned de que ocupe su puesto en el sur como Mano del Rey (algo así como el Maestro a Caballo de los dictadores romanos o el valido en la Edad Moderna europea), debido a que el anterior, Jon Arryn, murió en una situación tan natural que conociendo a Martin más de uno empieza a intuir que la gente que desempeña ese cargo no dura tanto. Asentado en tiempos de paz y con una familia a la que ama (su esposa Catelyn, sus dispares hijas Arya y Sansa, junto con sus retoños Rickon, Robb, Bran y Jon), Ned dudara en aceptar un caramelo envenenado que lo llevará hasta Desembarco del Rey, tierra muy alejada de sus dominios y donde la justicia no es honorable y los hombres no resuelven sus disputas a golpes, sino con conjuras y maquinaciones, encabezadas en muchos casos por Meñique, cuyo verdadero nombre es Lord Petyr y cuyos modales solamente esconden una serpiente tan inteligente como repulsiva para el lector/a.

El último de los arcos argumentales de este primer libro se centra en los Lannister, la familia política de Robert, su fría esposa Cersey, junto con sus dos cuñados, Jaime Lannister, una especie de Tiran Lo Blanch es la Tierra Media pero sin tanto sentido del juego limpio y Tyrion, el tercero de los hermanos y condenado a una deformidad terrible en ese mundo tan cruel, la de ser un enano, considerados criaturas malformadas e indignas. Pese a ello, Tyrion es uno de los personajes más inteligentes de la saga, compensando su hándicap con una inteligencia a prueba de bomba y unos reflejos verbales que son muy utilizados por Martin para rebajar la tensión dramática y dar un respiro cómico que no desentona con el carácter de la obra.

Lo que convierte a Canción de Hielo y Fuego en una obra diferente al resto de las que han intentado imitar la maestría de Tolkien, es su tono más adulto, o si se prefiere, más verosímil, dentro de este marco mágico. En "El señor de los anillos", la diferenciación entre los dos bandos es clara, los reyes malos y los buenos, los poseídos y los que no... Incluso en el caso de las cabezas coronadas que son un poco ambiguas, se explica por la mala influencia de personajes como Saruman o Lengua de Serpiente. Por lo general, los reyes presentados por Tolkien aliados contra Saurón, incluso los senescales más ambiciosos, tienen una luz interior, un pozo de grandeza inmemorial.. En "Juego de Tronos", los monarcas se parecen mucho más a los que han copado el mundo real.

Ambiciosos, capaces de los peores crímenes, incestos, lascivos, crueles, desequilibrados... Martin se desmarca en ese punto de su relato de su admirado Tolkien, brindando un mundo que se parece mucho más a "Trono sangriento" de Kurosawa que a la beatífica alianza de Gandalf con Aragorn. Hay además guiños históricos muy apreciables, especialmente a la "Guerra de las dos Rosas", uno de los episodios bélicos y dinásticos más interesantes jamás acontecidos en Inglaterra. Por ende, estamos ante un salto literario de primer nivel y en una representación de gran calidad.

Como punto negativo, declarar que estamos ante una obra de aventuras muy densa, de hecho, no se recomienda leerlo a cachos, porque puede llevar a verdaderos atascos mentales ante tanto desfile de actores principales y secundarios. Eso sí, lejos de mí querer recomendarles algo porque ahora esté en el candelero, si que creo que nos hallamos en uno de esos casos donde se hace bueno aquello de que algo tendrá el agua cuando tanto la bendice.

SPOILER (NO LEER SI NO SE CONOCE YA EL LIBRO, DESVELA PARTES FUNDAMENTALES DE TRAMA Y ARGUMENTO):

Mucha gente suele quedar impactada por la muerte de Ned Stark al final del libro, mandando un mensaje claro Martin, nadie va a estar a salvo, ni siquiera uno de los protagonistas claves. Indudablemente, Eddard es uno de los personajes mejor construidos de este primer libro, comienza haciendo un acto terrible, la ejecución de un Guardia de la Noche de su propia mano, pero termina calando hondo en el público por su fuerte sentido del honor, su apego por la familia y su lealtad hacia Robert.

Hay un sector que considera que Martin lo presenta a fin de cuentas como un necio, a años luz de Cersei o Meñique a la hora de urid la tela de araña cortesana, no obstante, creo que es una reducción simplista que le quita calidad a la ejecución de Ned, uno de los mejores momentos del libro. Pero mucho antes de ese acto, de ese sacrificio silencioso de quedar como un traidor a cambio de salvar a su hija Sansa, la verdadera esencia de Ned está en el diálogo con Cersei, cuando afirma que ha cometido muchos errores en su vida, pero que desde luego no fue erróneo no conspirar con Jaime para hacerse con un trono que no sentía como suyo. Su caballerosidad, terrible para él, de dar la posibilidad de salvar el cuello a Cersei, coloca a Stark a la altura de los personajes homéricos, en la vida real no siempre ganan los buenos... escritores como Shakespeare o el mismísimo ciego heleno siempre han jugado con eso, en "La Ilíada" fallecen Héctor, Patroclo, Aquiles... los que arriesgan su juventud y felicidad en un campo de batalla por un sentido del honor que va más allá de las ventajas del privilegio.

La expectación que ha creado este primer libro es fantástica, aunque ahora viene lo más difícil, seguir sorprendiendo, y eso, ha medida que vaya eliminando personajes puede ser terrible si no se hace con dignidad y sabiendo introducir elementos extraños en la ecuación. Pero parece que con Martin estamos con buen timonel en estas procelosas páginas mojadas por un río que a todo y todos salpica.

LA LUJURIA, AL FONDO A LA DERECHA

2011-08-28T08:26:00.000-07:00

"Tengo una tía en Viena que vendría puntual a todos los rodajes y tendría sus líneas aprendidas de memoria. Pero claro, ¿quién iba a pagar un centavo por verla?". Billy Wilder tenía pocos reparos a la hora de morderse la lengua, con esta metáfora, explicaba a los periodistas por qué soportaba trabajar con uno de los iconos más míticos de Hollywood, Marilyn Monroe.

La más rubia de todas las rubias de la gran pantalla, vida exitosa y de trágica y temprana ruptura, ha terminado convirtiéndose en un icono pop de los que no se olvidan, en una héterogénea y extraña mezcla que incluiría figuras que van de Elvis al Che Guevara.

No obstante, fue una figura de póster más fácil de admirar de la lejanía que de comprender, para algunos, una diosa del sexo que recitaba versos escrita para ella misma mientras el respetable solamente quería arrancarle los ropajes. Muchos noviazgos y matrimonios frustrados, en el ojo de la Meca del Cine y finalmente, responsable de su propia autodestrucción por el ritmo de vida que ella misma tuvo.

Con pocos directores colaboró tanto y con tan buenos resultados como con Billy Wilder, quien la catapultó aún más a la fama en cintas como "Con faldas y a lo loco" y "La tentación vive arriba". Precisamente de esta segunda nos ocuparemos hoy en Amarcord, nada mejor para ir despidiendo al caluroso verano que esta obra teatral de George Axelrod, llevada a la gran pantalla por el propio Wilder, en colaboración con él. Precisamente al director le debemos algunas de las anécdotas más jugosas de la mítica diva.

La imgen de Wilder teniendo problemas con Marilyn no era producto de la imagen de rubia tonta e ingenua que tan bien interpretaba en sus películas, sino a la molicie y a las impuntualidades de la artista. Incluso una cadena de televisión sorprendió a más de uno hace ya algunos años cuando encuestó a sus espectadores acerca de quién tendría más Coeficiente Intelectual, Albert Einstein o nuestra protagonista, con victoria de la segunda. Sin embargo, el talento no lo es todo, como demostró la carrera de esfuerzo que uno y otra protagonizaron, aunque teniendo en cuenta los resultados del primero, no andaba desencaminado al decir que hubiera sido mejor meterse a relojero.

"La tentación vive arriba" es una obra escrita con ingeniosos y picantes diálogos (aunque teniendo en cuenta las décadas transcurridas y los benditos avances en la censura, hoy puede parecer más inocente que una excursión familiar a Disneylandia) que en su época generó la comidilla de todos (incluyendo cierta estrella del deporte entonces casada con Marilyn) por cierta escena en la boca del metro que todo el mundo ha visto alguna vez aunque no conozca la película. Una reflexión atinada acerca del deseo y el mundo de la fantasía.

El argumento se centra en un honrado Rodríguez, Richard Sherman, que trabaja como publicista para una editorial, que se queda solo en casa mientras su encantadora y convencional familia se van a la playa (como vemos, muy originales). De cualquier modo, Richard se aburrirá en contadas ocasiones, debido a su capacidad para fantasear y montarse sus propias películas, con dignas interpretaciones de su día a día que no deberían envidiarle nada a don Quijote.

Desgraciadamente (o afortunadamente), hay una cosa que se cruza en su camino y que parece mucho más excitante que empaquetar el remo perdido de su hijo Rick para Florida, una despampanante y joven vecina en cuyo apartamento no hay aire acondicionado. Entre ambos pronto surge una complicidad propia de un bloque de pisos donde se han quedado solamente cuatro gatos. Sin quererlo ni beberlo, Richard se ve absorbido por la ingenuidad y el atractivo de la chica.

En un principio, Wilder quería que el personaje protagonista masculino fuera encarnado por Walther Matthau. Este alto y sonriente cínico no necesitará presentación para los amantes del séptimo arte, pero finalmente no pudo ser, algo que produjo en el director un efecto muy parecido al que le ocurrió a Berlanga cuando no pudo lograr al gran José Luis López Vázquez como el futuro verdugo; es decir, enfurruñarse por no lograr a su magnífica primera elección y valorar muy poco a la segunda carta, pese a sus muchos méritos. Si en el valenciano tuvo que pagarla Nino Manfredi, el mítico compañero de máquina de escribir con Diamond fue Tom Ewell, quien cuajó una interpretación magistral.

Matthau era un fenómeno por su gran presencia en pantalla, su tono amargo y extremado humor de doble lectura. Ewell caja un protagonista menos cínico, más imaginativo que malvado como en otros personaje de Wilder, siempre sacándole punta a todo, lo cual le hace cuajar un personaje simpático en sus pretensiones y esa doble moral que no se atreve a admitir. La sortija que la moral de la época no permitió colocar en el lecho, no quitó que el americanito medio echase una cana al aire una noche de verano donde era bonito soñar.

En definitiva, una comedia tierna y bienintencionada que sin embargo sorteó y derribo algún ladrillo atávico de su época, gracias a una pareja muy divertida que surgió casi por azar, en ese mundo de las fantasías de tan libre entrada donde no hay lugar a imposibles. Si hay una noche calurosa de agosto y levantan la vista y ven a una preciosa vecina tratando de subir las maletas... Sean un poco amables por favor. Que nunca se sabe...

VERSOS GRISES

2011-08-19T16:11:00.000-07:00

A pesar de que la estética ya sería una buena pista, cuando buceamos en Youtube, no tenemos ningún inconveniente en descubrir que "Negro sobre blanco" (un título que, en verdad, da mucho juego) es un programa con carga añeja.

Emitido entre 1998 y 2004, se trataba de un programa de tertulia literaria, donde uno o más escritores se juntaban para debatir su trabajo, bajo la presentación del siempre polémico Fernando Sánchez-Dragó, verdadero experto en terminar provocando a propios y extraños.

Su pegadizo y refinado opening ya empezaba siendo publicidad fraudulenta. En verdad, no todo está en los libros, ni muchísimo menos, nos podríamos atrever a decir. Lo cual en ningún momento es óbice para declarar que desde luego no viene nada mal que le gusten a uno... y si encima se lo lee mejor, da para algún café y como decía Aristóteles en "Alejandro Magno" de Gisbert Haefs, le permiten a uno el noble intento de tratar de morir habiendo sido un poco más inteligente que su trasero.

Como era de esperar, un producto televisivo de esta naturaleza, era emitido después de "Estudio estadio" y no en la primera cadena, sino en la 2, donde los documentales y la oferta cultural encuentra un pequeño nido discreto. De cualquier modo, tuvo algunos momentos de real interés, logrando invitados del prestigio de Mario Vargas Llosa, ahora tan re-editado con motivo de su reciente premio Nobel en literatura.

El estilo entrevistando de Dragó se adecuaba bien a este espacio, en ocasiones con pretenciosidad, pero no se puede dudar de que conocimiento de causa. Algunas de las conversaciones allí mantenidas realmente serían hoy en día un pequeño oasis a lo que estamos acostumbrados, especialmente el duelo de insultos e indirectas divertidas y sarcásticas que en una ocasión mostraron en ese espacio Antonio Gala y Jesús Quintero, realmente inolvidable.

Como no podía ser de otra manera, otros momentos mostraron un aspecto más oscuro de esa supuesta intelectualidad bienintencionada. Dos poetas terminarían a tortazo limpio (en significado literal), así como algunas de las tertulias se revestían de cierta carga ideológica o esnobismos que verdaderamente eran buscarle los tres pies al gato (animal al que Dragó siempre ha venerado con acento egipcio).

Pero, probablemente sin esos versos grises compuestos, no se hubiera podido descubrir, al menos no para nosotros, el gran público, la vertiente más literaria y menos macarra de Joaquín Sabina, quien después de unos de los sustos más grandes que le pegó su salud, apareció en aquel espacio con su viejo conocido del café Gijón, para demostrar que además de buen letrista era un ducho y despierto lector de Quevedo, Valle-Inclán y Neruda, entre otros. Y, comulgando con lo dicho con Sabina, por lo menos, hay que reconocerle a Dragó, que pese a no tener una pronunciada capacidad para hacer amigos ajenos, es un estupendo lector de versos y pasajes, seleccionados casi siempre con un acertado gusto estilístico.

"Negro sobre blanco" tal vez necesitase más perspectivas y giros de tuerca, bajar un poco a la tierra más llana de vez en cuando, pero, de cualquier forma, uno piensa que tanto sus virtudes y mezquindades, que no es condían peleas, intereses subterráneos y dardos, estaban al menos enmarcados en un campo más limpio que las peleas, intereses subterráneos y dardos que hemos de ver en otros platós de televisión, donde, no solamente se diría que no todo está en los libros... sino que tal vez la cuestión sería si sus artífices han leído alguno por accidente.

No era negro sobre blanco, se trataba simplemente de un tono gris. Pero, desde luego, mal van las cosas cuando no hay hueco para programas de este contenido... aunque fuera para criticarlos.

EL UNIVERSO DE FRANCISCO

2011-07-31T02:41:00.000-07:00

Recientemente pude hacerme con un ejemplar de "El universo de Ibáñez" durante una visita en muy buena compañía a la ciudad de Málaga. Con motivo de que el genial creador de Mortadelo y Filemón firmaba ejemplares en un centro comercial malagueño, no solamente tenía en mis manos un ejemplar del gran historiador del cómic patrio, Antoni Guiral, sino que encima estaba firmado por el homenajeado.

No deja de ser curioso que durante toda esta andadura del blog, teniendo una sección específica de cómics, la obra de Francisco Ibáñez no hubiera aparecido, sí mencionada en algunos casos (por ejemplo: "El invierno del dibujante"), aunque creo tener la explicación a esta supuesta afrenta.

La oferta de espacios en internet que ofrecen análisis de la obra de Francisco Ibáñez (nacido en 1936) es muy amplia, destacando blogs como el de Mortadelón, o el magnífico "Corra jefe, corra". Esto probablemente me haya convencido de embarcarme en otros géneros, debido a los excelentes y completos estudios que allí se realizan sobre el que finalmente fue el autor estrella de Bruguera y posteriormente de Ediciones B. Además, existen foros como el de la TIA que son verdaderos centros de debate de esta trayectoria, realmente longeva y exitosa. No obstante, publicadas en tantos lugares y revistas, las andanzas de los Rompetechos y Pepes Goteras y Otilios de turno, también debían honrar con su presencia a Amarcord.

Con su usual y solvente estilo, Guiral hace una recopilación que hará las delicias de los aficionados a este autor en general y, muy en particular, a los amantes de las tiras más desconocidas y páginas menos frecuentemente citadas del dibujante. Además, cada página presentada tiene un oportuno comentario al margen que ejerce la función de nota a pie de página o "detalles que quizás te hayas perdido".

Por ejemplo, su faceta como continuador de la saga "La Historia ésa vista por Hollywood", una verdadera delicia que empezó siendo creada por Manuel Vázquez (quien es considerado por Ibáñez como el autor más genial de tebeos españoles y a quien homenajeó y bromeó en su faceta de moroso irredento en no pocos de sus personajes ficticios, como el deudor de 13 Rue del Percebe, diseño de página genial que terminó inspirando el diseño de "Aquí no hay quien viva"), tiras de una sola página que con motivos de los personajes históricos y literarios de los que hablaban (desde Atila el huno a Hamlet), lograban sortear en la medida de lo posible una censura que verdadera dinamitó el potencial de muchos autores que hubieran podido hacer cosas realmente novedosas.

Entre las influencias artísticas de Ibáñez, por su cercanía, hay que sobresalir al ya citado Vázquez, de quien vivió desarrollando algunas ideas que el primeto tuvo (de la familia Cebolleta a la Trapisonda), pero muy especialmente, del cómic franco-belga, con mención especial a Franquin, de quien, como el propio maestro admite, copió algunas viñetas y estilo para el célebre "El sulfato atómico". A nivel de guión, Ibáñez tiene un sello propio, una gran capacidad para comprender el día a día de la vida cotidiana (las oficinas, las agencias, las relaciones malsanas entre los compañeros de trabajo y la mala uva intrínseca del ser humano con el prójimo).

Durante la lectura de este agradable recorrido que va desde sus personajes clásicos de toda la vida hasta sus encargos publicitarios de compañías como Pepsi, podemos comprender uno de los grandes atractivos del creador catalán. Ibáñez jamás se ha casado con nadie, de hecho, mucho podríamos criticar su continuado gusto por la repetición del gag y mecánico acomodo a no salir de una estructura cuando es consciente de que funciona ante el público, pero sus gamberradas, su corrosivo sentido del humor y su espectacular capacidad narrativa, provocan que en una cola de firmas de este autor, veamos desde una muchacha gótica que probablemente tuvo Mortadelo como su primera lectura hasta un abuelete que va con el nieto. Un espectro de público agradecido a esa incorruptibilidad de este genial hacedor de viñetas.

De cualquier modo, aún está por hacer la biografía de Francisco Ibáñez, aunque será tarea titánica para quien se disponga a emprenderla, incluso quitando la época más oscura brugueriana de los dibujantes "negros" y su pérdida de derechos de autoría del personaje, la producción y la bibliografía es tan extensa que parece hoy por hoy, un proyecto tan ambicioso como difícil.

De momento, disfrutemos de este académico, clásico y estupendo estudio de Guiral.

AMARCORD DE VACACIONES:

Parece mentira pero el blog ha cumplido otro curso más. Por motivos de vacaciones, no se dará la clásica entrada de novedad los domingos como viene siendo costumbre de un tiempo a esta parte, sin embargo, dicha inactividad solamente sucederá durante la primera quincena de agosto, si todo va según lo previsto, el domingo 21 de agosto tendríamos la ración semanal de entradas, en ese caso dedicada a una serie o producto televisivo.

No puede despedirme sin agradecer a los amigos que han tenido la gentileza de convertirse en seguidores de este blog, aquellos que han tenido a bien ilustrarnos con sus comentarios y también a los colegas y compañeros de trabajo que siempre se han mostrado interesados por el mismo, muchas gracias por el apoyo.

Felices vacaciones estivales y nos leeremos muy pronto.

DE BORJA A BORGIA

2011-07-24T07:59:00.000-07:00

La sensación que deja la pérdida de un artista está repleta de una gran tristeza, sin embargo, ese sabor se duplica si da la sensación de que ha dejado alguno de sus proyectos inacabados. Recientemente el mundo de la música se ha visto salpicado con la inesperada y prematura muerte de la polémica y brillante Amy Winehouse, con apenas 27 años de edad y todo un futuro por delante.

El caso de Mario Puzo es diferente aunque tiene algo en común. El brillante creador de la saga de los Corleone murió a una edad avanzada, con una amplia trayectoria a sus espaldas, no cortada antes de tiempo como le ha pasado a Winehouse. Pero en ambos casos, estoy seguro de que ella aún tendría en la mente la canción, como Puzo tuvo hasta el final de sus días la novela.

Hablo en singular porque este tipo de artistas siempre tienen el proyecto, esa obra que les consumiría mucho tiempo y que realmente estarían dispuestos a hacerlo gratis. Deformación profesional, ese canto de cisne que todos hemos pensado hacer cuando estemos jubilados o en algún rincón tranquilo con mucho tiempo libre. No sé cuál hubiera sido la canción de Amy, pero apostaría a que en el caso de Puzo fue los Borgia, para él, creo que esa novela iba a ser incluso más importante que la que luego supuso la saga de "El Padrino".

Las causas son fáciles de explicar. Una familia de origen valenciano se coló en la refinada Roma de la época del Renacimiento, no solamente cambiando su nombre al más reconocido Borgia, sino que colocaron dos Papas en la silla pontificia (con tan buena reputación que todavía hoy no se ha vuelto a dar un Santo Padre con sangre hispana), tuvieron importantes condotieros y mucho tiempo después de su supuesta decadencia, seguían produciendo santos y virreyes. No cabe ninguna doda de que un autor con el talento de Puzo podría sacar algo muy original e innovador de aquella familia, que ahora ha sido resucitada por un show televisivo con la mediática premisa de la primera familia del crimen.

De cualquier modo, los problemas de salud y otras obligaciones impidieron a Puzo acabar exactamente lo que estaba tramando, no cuesta imaginárselo en su mesa de escritura lamentando que aún no había acabado de darle forma a ese César Borgia agresivo y heroico que él concebía, esa Lucrecia que es el peón de las alianzas matrimoniales de su astuto padre Alejandro VI antes que la femme fatale que recuperó el romanticismo y después incluso el cine X. Usando a su mujer como confidente, Puzo fue apuntando las ideas y cómo desarrollaría la novela, dando indicaciones a su cónyuge y a su editor para finalizar el proyecto.

A pesar de la excelente labor de ambos, la sensáción que a día de hoy deja la lectura de "Los Borgia" es que estamos ante un borrador bien formado y con muchas sugerencias de lo que luego se hubiera plasmado como un capítulo más concreto. Y, desde luego, dudo mucho que nadie hubiera podido hacerlo mejor que Carol Gino y su esposa, pero es que hay cosas que debieron permanecer exclusivamente en la cabeza de Puzo y en ese sexto sentido que tiene ese tipo de escritores, cosas que ellos mismos no saben explicar pero que cobran forma cuando se ponen a redactar ante el folio en blanco.

La trama presenta algunos aspectos muy ingeniosos. La forma de tratar la célebre acusación de adulterio que siempre pesó sobre César y su hermana Lucrecia, es artística, aunque tampoco da la sensacíón de haber sido redonda. Muchos capítulos dejan la sensación de que deberían ser más extensos, que su forma de resolver el asesinato de Juan Borgia (para que nos hagamos una idea sería como que alguien asesinase al hijo primogénito del presidente de los Estados Unidos, dejase su cuerpo en las escaleras del Capitolio y saliera impune) es magistral, pero es destapada demasiado pronto. Contra el tempo tan excelsamente medido en "El Padrino", sorprende esa celeridad de algunas escenas.

Algunos momentos como los diálogos entre Maquiavelo y César, reflejan el indiscutible genio del autor y su gran destreza a la hora de componer personalidades fuertes, pero también capaces de grandes momentos de flaqueza y dudas. Una novela ambientada en una época fascinante de la Historia. Pese a ello, por los condiconantes comentados, creo que aún estamos a la espera de esa adaptación definitiva de un linaje confuso, hábil y amoral (siempre según unas fuentes que en no pocas ocasiones estuvieron bajo el control de familias enemigas como los Della Rovere) que nos haga pensar "Estamos muy próximos a comprender cómo fueron".

Pero eso no impide en lo absoluto disfrutar del canto de cisne de un gran autor y su círculo de confianza. Mientras besándose su anillo dorado y mirando el mapa de una península dividida en clanes mortíferos y en la órbita de Francia y Castilla y Aragón, hace, proyecta y urde ambiciosos planes para sus cuatro jóvenes hijos: el apuesto Juan, la preciosa Lucrecia, el pequeño Jofre y, muy por encima de todos, el brillante pero problemático César.

EL SÍNDROME DE DEMÓSTENES

2011-07-19T09:17:00.000-07:00

Sinceramente creo que la cosecha del pasado año solamente puede ser calificada de excelente. Hagamos memoria. "Cisne negro", una obra extraña, inquietante y arriesgada. "Valor de ley", un remake excelente y un western muy eficaz. "The Fighter", una intensa cinta de boxeo con magníficas interpretaciones... Y así unas pocas. Verdaderamente, el séptimo arte se ha portado.

Sin lugar a dudas, "El discurso del rey" merece ser considerada otra más de esas maravillosas obras realizadas el pasado curso. Sobria, eficaz, es un exponente de todas las virtudes que atesora el cine británico, recreando una época muy concreta, Gran Bretaña en víspera de la II Guerra Mundial, cuando al trono ascendía Jorge VI.

Al igual que el emperador Claudio según las fuentes latinas o Demóstenes, según nos narró Plutarco, el nuevo monarca tenía un problema de tartamudez que se podía tornar gravísimo en una figura que habría de dirigirse muchas veces a una gran masa de público. Colin Firth encarna con su solvencia habitual al joven duque de York primero, angustiado por los devaneos de su hermano Eduardo VIII, finalmente coronado como soberano en vísperas de unas horas cruciales para su nación.

Es muy curiosa la trayectoria de Colin Firth. Ciertamente, hay bastantes películas suyas que no estarían precisamente cerca de mi lista de favoritas, pero él siempre me ha parecido un artista de talento y muy consecuente a la hora de abordar sus papeles. Por ejemplo, en "El retrato de Dorian Gray", hace un maravilloso papel, pero ciertamente, la versión cinematográfica está muy lejos del maravilloso nivel del relato original de Oscar Wilde. Aquí, creo que el director, Tom Hooper, le ha sacado un rendimiento estupendo.

Buscando encontrar una solución, el aristócrata, siempre con el vital apoyo de su esposa (esa actriz de extraño pero innegable atractivo que se llama Helena Bonham Carter), terminará, casi como opción de descarte, por contactar con un peculiar profesor de curiosa metodología. Su nombre es Lionel Logue y es interpretado por un intérprete que no necesita presentación, Geoffrey Rush. La varita mágica que está teniendo en los últimos años este verano es una de las pocas demostraciones de justicia divina que existen en la actualidad. Aunque el doblaje en castellano es muy bueno, los diálogos entre Firth y Rush casi invitan a hacer el esfuerzo de verla en versión original. Son una delicia, tienen unos dobles sentidos y un acento extraordinario, una gozada.

Como es costumbre en la factoría inglesa, el elenco secundario tiene una calidad media muy estimable, sin ir más lejos, el mítico Derek Jacobi es el arzobispo. A partir de ahí podemos imaginar el mimo que han tenido los responsables del casting. "El discurso del rey" es una obra seria, con un matiz irónico, con la que te puedes identificar aunque no tengas sentimientos monárquicos, muy bien ejecutada y mejor interpretada, aunque, en otro rasgo que es también muy inglés, creo que no se arriesga en algunos aspectos y siempre se queda en una elegante neutralidad ante muchas cuestiones.

No desaprovechen los que no la pudieran ver en cartelera la oportunidad de verla. Merece muchísimo la pena. En otra época, hubiera podido ser dirigida por Frank Capra.

EL PODER DE LA SANGRE

2011-07-10T10:23:00.000-07:00

Steven Spielberg es un nombre que a los buenos aficionados al cine hace esbozar una sonrisa de garantía. Ya sea ahora en el proyecto de la película de Tintín o en cualquier otra faceta, que él ponga su sello a un producto suele ser sinónimo de proyectos que pueden triunfar o fracasar, pero siempre son ambiciosos y con los suficientes requisitos de calidad.

Junto con el protagonista (Tom Hanks) con el que había regenerado el género de películas de la II Guerra Mundial, se decidieron a co-producir un proyecto televisivo para la HBO, con financiación nortamericana y británica, donde se narrarían los avatares de la Compañía Easy. Basándose en las prosopografías de de Stephen Ambrose sobre los integrantes de dicho núcleo militar, el programa trataría de ser una recreación fideligna que permitiera a los espectadores ver el día a día y la vida cotidiana de los jóvenes soldados enviados a Europa durante la última fase de la contienda.

La serie pronto cuajó a la perfección en el mercado estadounidense por motivos obvios, asociaciones de veteranos, descendientes de los protagonistas... Aunque el programa acentuó algunas situaciones y buscó un mayor dramatismo, su rigor histórico, especialmente en materia de armamento y escenarios. Incluso podríamos decir que este factor es uno de los hechos que hacen que sea una serie que pueda generar cierto aburrimiento en aquellos espectadores no fascinados por la historia bélica, ya que el asalto a una posición puede durar perfectamente todo un episodio, en un ejemplo de tiempo real, pero no precisamente el método para obtener un generoso share.

Hoy, varios años después de su estreno, es innegable su relevancia e importancia. Abrió de nuevo la ventana de las series históricas, siendo su heredera "The Pacific" solamente la más evidente de las muchas influencias. De cualquier modo, igual que le ocurre a esa gran película que es "Salvar al soldado Ryan", uno hecha en falta un poco más de leyenda negra a la hora de hablar del bando de los Aliados, aunque se muestran venganzas personales contra los colaboracionistas en los Países Bajos o el maltrato a algún prisionero de guerra, da la sensación de que hay una versión muy light de lo que verdaderamente debió de sentir un soldado atrapado en aquel infierno.

Lo cual no quiere decir que uno vaya a subestimar (en lo más mínimo) el papel de aquellos pobres reclutas, generalmente arrancados de la tranquilidad de sus pueblos y que ninguna culpa tenían, para batallar contra uno de los regímenes más atroces que jamás se forjaron en el Viejo Continente. Sirva como muestra el capítulo donde la compañía Easy entra en persona a un campamento de concentración, en una procesión macabra donde al fin comprenden que esas rumorologías sobre lo que les están haciendo a judíos, gitanos y otras minorías es totalmente cierto.

A nivel artístico, "Band of brothers" recolectó 19 premios Emmy. Siendo honestos, es una serie que siempre he podido ver con agrado, me ha interesado mucho, especialmente a nivel histórico, pero tengo que decir que también tiene un exceso de densidad que quizás yo creo que radica en que no da un momento de tregua en las trincheras, y a veces hay que distinguir entre el documental y el entretenimiento. "Save Private Ryan" era igual, pero es solamente una película, que se ve con un nudo en la garganta, pero decenas de episodios de la misma temática y que no ofrecen otra perspectiva hacen que uno lo considere un plato que se tomaría con gusto una vez cada cierta considerable capacidad de tiempo, por temor a repetir.

Una humilde recomendación para aquellas personas que no la han visto pero que se dispongan a hacerlo, es que pese a que la labor de doblaje es buena, merece muchísimo la pena que la vean en versión original. Los diversos tipos de acentos y la forma de expresarse cuadran a la perfección con la zona de procedencia de cada uno de los miembros de la Compañía. El reparto es muy competente, aunque creo que falta verdaderamente un protagonista o un verdadero hilo conductor entre tanta coralidad, a veces incluso es un poco confuso el vaivén de personajes.

El éxito innegable de las desventuras en uno de los acontecimientos más trascendentales de la Historia Contemporánea, de ese grupo de soldados norteamericanos, es impagable en el sentido de que demostró que era un género que podía tener su hueco en el espacio televisivo, cosechando buenas críticas y rendimiento.Muy recomendable, con posibles momentos de cierta aridez.

LA RE-DEVUELTA DEL RE-DEVUELTO

2011-07-03T02:57:00.000-07:00

A pesar de que se ha convertido en un evento prácticamente anual, la llegada de un nuevo cómic de Pafman a las estanterías de las tiendas de cómics siempre es una noticia recibida con mucho agrado.

Junto con Juan Carlos Ramis, Joaquín Cera, creador de Pafman, es el último exponente de la época Bruguera. En definitiva, dos herederos que tuvieron la mala fortuna de nacer más tarde de la cuenta o, quién sabe, de no haber hallado continuadores o compañeros de generación con los que desarrollar hasta cotas más altas sus considerables talentos.

De todos los personajes que creó Cera durante su adandura en revistas como "Súper-Mortadelo" o "Zipi y Zape", Ediciones B le ofertó la oportunidad de darle un retorno a Pafman, el súper-héroe más tonto de Logroño, quien en vez de Robin, cuenta con un gato parlanchín, mezcla de científico con ideas de bombero. La apuesta editorial de momento ha permitido que sigamos disfrutando de las andanzas de este personaje, no del todo conocido a nivel nacional, pero de culto para quienes siguen sus viñetas, debido a un humor absurdo descabellado que viene a ser un giro más de tuerca a lo ya postulado por maestros como Vázquez o el propio Ibáñez, aún en activo.

Algunos de los nuevos albumes, como "Pafdark" o "1945" bien pueden haber sido algunos de los mejores tebeos que haya leído en los últimos tiempos. Esta nueva aventura, "En la Tierra Mediocre", ha supuesto un cambio de formato con el que no estoy de acuerdo. Cera es un dibujante muy detallista a quien el color ayuda, especialmente en esta obra, las escenas de multitudinarias batallas y los homenajes al universo de Tolkien, merecían todo el apoyo posible, no un blanco y negro que verdaderamente deja la sensación de desmerecer el verdadero resultado que se podía alcanzar.

Con todo, esta nueva numeración en la azarosa trayectoria editorial del personaje, tiene también una ventaja innegable, igual que sucedía con las Bibliotecas Marvel hace unos años, te puedes llevar muchas páginas a muy buen precio. En concreto, 90 páginas inéditas, lo cual no está nada mal, la verdad sea dicha. El argumento de Cera aquí es menos original de lo que acostumbra, centrándose en una parodia del universo de la Fantasía Heroica, muy al estilo de lo que hizo Futurama con "El gran juego de Bender".

Pese a lo dicho, Cera tiene la gran ventaja de que, contando lo que cuente, tiene una gran virtud, un gancho demoledor, su capacidad para gags ágiles y diálogos estupendos, en muchas ocasiones sin sentido. Asimismo, demuestra su perspicacia al brindar una resolución ingeniosa del desaguisado y tomando un sendero propio, no limitándose a hacer desfilar a su protagonista por su parodia de la Tierra Media (que también).

En definitiva, como algún día tendremos que morir vivos, hay que darle una oportunidad a Cera para seguir divirtiéndonos con ese paladín, un Sir Pafman que sigue tratando, hoy y siempre, de resistir al invasor que quiere quitarle de su merecido asiento como heredero brugueriano de pro. Que no tengamos que esperar otro año para gozar de cosas inéditas de Pafman.

VERSOS ENCANTADORES E INOCENCIA DESESPERADA

2011-06-26T07:26:00.001-07:00

Tienen un ritmo distinto, una alquimia especial, es una cuestión del instante, la fugacidad de un pensamiento y el brillo de los ojos de una gran idea. Los versos no se confeccionan como los renglones de la prosa, son dos juegos, con reglas diferentes.

La musicalidad de la poesía tiene la virtud o el defecto de convertirse en un arma de doble filo. Casi no da lugar al término medio, un novelista puede ser muy malo a la hora de narrar o medir los capítulos, pero genial en las descripciones, o quizás lo salven sus vivaces diálogos... El poema te tiene que entrar, casi de inmediato sabes si te va a gustar o no, tal vez en la primera estrofa.

En estos días donde uno suele dejarse caer por las piscinas, se agradecen libros en pequeño formato para poder manejarlos con comodidad en la sombra mientras uno trata de relajarse un poco y guarnecerse de los feroces rayos de Sol. "Veinte canciones de amor y una canción desesperada" ha sido uno de los libritos que ha cumplido ese requisito. Lo cierto es que una obra que para muchos de ustedes no necesitará presentación, publicada por primera vez en 1924, catapultó a su joven autor, Pablo Neruda, hasta las más altas cotas de fama dentro de los poetas iberoamericanos. Tanto fue así, que terminó siendo galardonado con el prestigioso premio Nobel a la altura de 1971.

Lo cierto es que con una re-lectura ya distinta de los primeros tiempos, en los que uno ha madurado un poco, no mucho, lo cierto es que me ha sorprendido, que me perdonen los puristas, cierta ingenuidad en los mismos. Estas veinte canciones sin título no dejan de ser la oda de un crío, de un chaval, que indudablemente sabe escribir con maestría, pero que verdaderamente no arroja nada nuevo bajo el Sol sobre el tema universal de la lírica, el amor. Hay cierta ñoñería en su estilo, que se explica porque Neruda, por prodigioso que fuera, no dejaba de ser en aquellos momentos un imberbe.

Sin lugar a dudas el momento para leer esta pieza de Neura es la adolescencia, cuando de verdad uno creía que el dolor infinito solamente lo podía causar la ruptura del primer amor, cuando se suspiraba por un beso y había más intención de sentirse enamorado que del propio amor en sí. Dicho esto, no quita que estemos ante algunos de los mejores versos del siglo XX, aún hoy en día recordados por varias generaciones, y las que queden que los seguirán almacenando:

"Me gusta cuando callas porque estás como ausente.

Distante y dolorosa como si hubieras muerto.

Una palabra entonces, una sonrisa bastan.

Y estoy alegre, alegre de que no sea cierto"

Me decía un amigo poeta hace muy poco, que en realidad, ellos viven de chispazos, de ocurrencias que anotan... a partir de ahí, según él, "solamente" hace falta inspiración y sentido de la musicalidad. Nada más sencillo... Nada más difícil. Neura era un súper-dotado en ese aspecto, toca un tema manoseado y universal, dándole una cándida inocencia y haciendo que aún hoy, cada poema se pase con una facilidad pasmosa para pasar al siguiente. "Crepusculario" había sido distinto, aquí Neruda juega a otra cosa.

Como fuere, lo más importante de esta sensible colección, fue su manera de catapultar definitivamente a aquel joven prodigio que con el tiempo se ganaría la admiración de nombres de la talla y el calibre literario de Gabriel García Márquez. Apasionado en todas las facetas de su vida, con un modo de recitar muy personal, Neura seguirá siendo inmortal para este siglo y alguno de los venideros, precisamente porque de vez en cuando, sigue siendo más importante el estilo que el contenido, la forma que el interior y... el talento sobre el resultadismo.

"Puedo escribir los versos más tristes esta noche.

Pensar que no la tengo. Sentir que la he perdido".

¿Lo ven? Ya lo decíamos al principio, sentido de la musicalidad, concepción del ritmo y gracejo en la escritura. Nada tan sencillo... si uno fuera Pablo Neruda, aunque solamente fuera por una noche.

PARADA EN CÓRDOBA

2011-06-19T05:51:00.000-07:00

Si tengo que ser honesto, no aprovecho el Gran Teatro todo lo que debiera. Casi siempre que he ido, mis expectativas se han visto colmadas, o, en muchos casos, hasta sobrepasadas. Pero siempre tengo la sensación de que dejó escapar muchos trenes... o tranvías. Afortunadamente, éste no se ha ido sin que yo entrara con mi billete.

Así que fui con una amiga a ver "Un tranvía llamado deseo", la clásica obra de Tennesse Williams, todo un ejercicio de reflexión acerca de la pasión, el fin de la juventud y las tormentosas relaciones de sus protagonistas.

En mi modesta opinión, "Un tranvía llamado deseo" tiene un problema, un gran inconveniente. Y ése fue que hace ya mucho tiempo, una figura polémica pero artísticamente indiscutible, E.Kazan, la llevó a la gran pantalla como nadie lo había hecho, destacando entre su tremendo reparto a una inconmensurable Vivien Leigh y Marlon Brando.

La versión española que nos fue presentada, muy bien montada y dirigida por el catalán Mario Gas. Lo cierto es que mi primera impresión tras haber asistido recientemente a ella, es que a los españoles se nos da mejor tradicionalmente la tragicomedia que la tragedia a secas. Por ejemplo, la obra de Kazan era dramática, hay tensión flotando en el ambiente, en la de Gas, hay respiros, momentos para sonreír y hasta soltar unas carcajadas. Ni una ni otra vía es mejor o peor que la otra, es una cuestión de estilos que me llamó poderosamente la atención.

Esta afirmación no debe ser malinterpretada, Vicky Peña se echa la obra a sus espaldas como Blanche, de hecho, el relajado inicio de su personaje refinado y caduco cuando llega a la casa de su hermana Stella, no me permitió darme cuenta de la gran actriz que tenía en frente hasta que se marcó el monólogo de su primer matrimonio. Absolutamente escalofriante, una mezcla atípica de amor, temor, angustia, sensualidad y hasta patetismo, de una manera tan magistral que ni la mismísima Leigh lo hubiera hecho mejor. Es genial, un broche de oro a una gran carrera.

Las peculiaridades de Blanche la hacen chocar con su brutal cuñado, Stanley Kowalski, interpretado por Roberto Álamo. Este actor ya me había gustado mucho en días de fútbol, además, tiene cierto aire Gary Cooper, como diría Tony Soprano, un tipo fuerte y callado. Andrés Amorós declaraba que lo hecho por Marlon Brando fue insuperable. Totalmente de acuerdo, Brando reinventó el personaje, creó una bestia e incluso un icono sexual para ellas y ellos, el hombre salvaje, agresivo y temperamental, pero extrañamente carismático y capaz de esclavizar todo lo que pasa por su camino, desde su embaraza y sufrida esposa, pasando por su delicada y pisoteada cuñada, junto con su grupo de amigos, siempre sumisos al líder de la manada.

Desde luego, Álamo no tiene la presencia casi inigualable de Brando, pero él es muy listo, lo sabe y da otro enfoque, de la misma forma que lo hace Vicky Peña. Y encontrando otro camino, es creíble que ese hombre fuerte y silencioso, puede haberse hecho querer por tan delicadas mujeres, aunque no lo merezca en absoluto. Además, tiene una faceta cómica, cínica y terrible, que es muy curiosa en el emigrante polaco. Sinceramente, cuando vean esta obra y la comparen con la película de Kazan, se darán cuenta de lo buena que es la primera y lo legendaria que sigue siendo la adaptación para el séptimo arte. ¿Hay que elegir? Nos quedamos con las dos, porque el teatro y el cine siempre están vivos.

Y como la sufrida esposa de Stanley tenemos a Ariadna Gil, reclutada de nuevo para los escenarios. Su personaje de Stella vale más por lo que calla que por lo que habla, hay que atender a su manera de esperar en la calurosa entrada, al miedo que tiene de herir a su delicada hermana, a la pasión y el miedo que siente por un marido al que adora pero es incapaz de ver el monstruo que lleva dentro. Ariadna esá muy bien, al servicio de los dos protagonistas, acompañando en ese resignado silencio de la mujer maltrada, encerrada en una jaula de pasión y deseo de la que no podrá liberarse porque ella misma no quiere salir, tal es su drama.

El resto del reparto raya también a muy buena altura, destacando Alex Casanovas. Estamos ante un trabajo honesto, respetuoso con los precedentes pero con sus dosis de originalidad. Un privilegio para el Gran Teatro haberse montado a ese tranvía, donde solamente nos quedará la posibilidad de fiarnos de la amabilidad de los desconocidos...

MAREAS DE POPULARIDAD

2011-06-12T08:50:00.000-07:00

Uno puede ir al cine por muchos motivos, igualmente respetables. En ocasiones para ver alguna pequeña joya desconocida, otras, para dejarse arrastrar como cualquier hijo de vecino ante la ola de un estreno. Ninguna de las dos cosas es incompatible con la otra, así que con ganas de desconectar de la semana fui con un grupo de buenos amigos a ver "Piratas del Caribe 4".

Lo cierto es que si alguien le hubiera dicho a los productores que la adaptación a la gran pantalla de una atracción Disney se iba a convertir en un sello de talla mundial, con tantos admiradores como detractores, se hubiera quedado de piedra. Uno de los principales responsables de ello ha sido Johny Depp, un actor de dotes cameleónicas, conocido por su capacidad de componer personajes.

La moralidad Disney hizo que más de uno quisiera echarlo cuando trajo tanta inmoralidad a su personaje, Jack Sparrow, de sexualidad tan dudosa como su código ético. No obstante, en aquella ya lejana primera entrega, Sparrow se coló en la cinta como lo hacía Groucho Marx con la pareja romántica de rigor (en aquel caso, Olrando Bloom y Keira Knightley), arrasando, rompiendo moldes y convirtiéndose en el verdadero líder.

Eso explica que resueltas todas las tramas de la primera saga, la franquicia apuesta por un cuarto episodio absolutamente innecesario, pero que permite a sus seguidores volver a gozar de los chascarrillos aventureros de Sparrow y compañía. Afortunadamente, el genial Geoffrey Rush repite como Héctor Barbosa, siguiendo un rol ya llevado al cine por el brillante Charles Laughton en "El capitán Kidd", el filibustero convertido en honesto corsario por virtud de Su Graciosa Majestad.

No deja de ser sorprendente que un producto tan palomitero como las aventuras caribeñas, pueda reclutar película tras película a actores tan reputados y de calidad contrastada como Rush ("El discurso del rey"), Jack Davenport en el pasado o en "Mareas misteriosas" a Ian McShane. Básicamente, el villano, el malo malísimo, el Barbanegra, el pirata temido por los piratas... Es un encargo fácil para un actor de tan contrastada trayectoria, y lo ejecuta con maestría artesana.

El cambio en la dirección por Rob Marshall no ha supuesto la traición al epíritu de la saga, que en cierto sentido recupera la esencia, al alejarse de la pretenciosa grandilocuencia que quisó tener la tercera entrega de la saga. Es una cinta que no se toma en serio asimisma, lo cual es una virtud en esta clase de productos, un ejercicio de desconexión y que permite pasar dos horas largas ligeras con ingeniosos diálogos, mucha capa y espada y alguna americana (no, ni en una obra de piratas se olvidan de que todo objeto colisionado tiene la obligación de estallar con estruendo y desde varios ángulos).

Siendo tradicionalmente muy cainitas, yo también iba a mirar con lupa a Penélope Cruz (no, no me refiero solamente a dónde le han puesto su tatuaje de filibustera). A mí siempre me ha parecido que es una actriz que no tiene el perfil de estrella que se le ha pregonado, pero tampoco me parece necesario promulgar el acoso y derribo a alguien porque haya tenido la fortuna de dar un espaldarazo a su carrera en Hollywood. En ocasiones le he visto buenas actuaciones, como cuando la tomó bajo su batuta Pedro Almodóvar, con éxito, o en cosas ínfames ("Bandidas", sin comentarios), así que ni tanto tiene el agua cuando la bendicen ni tampoco está envenenada. La actriz española cumple, sigue la tónica general de un producto hecho para arrasar en taquilla y que además cuenta con ella para funcionar en el mercado latino; además, siendo honestos, tampoco es que el legado que hubiera dejado Keira Knightley fuera de puestas en escena shaskepirianas.

Una agradable sorpresa ha sido ver el papel otorgado a los agentes hispanos enviados también a por el navío de Ponce de León. Sorprende, teniendo en cuenta la tradición del cine inglés de presentar a los castellanos como bárbaros que se solazan en la oscuridad de Madrid con Felipe II (monarca que se caracterizó por tratar mucho con sus soldados, ciertamente) de invadir la soleada y casta Gran Bretaña. Aquí los gaditanos enviados se destacan como gente competente, en sus escasas intervenciones, por lo que resulta casi sorprendente que se les haya respetado ese estatus de súper-potencia disputándose de tú a tú con Su Graciosa Majestad Jorge el territorio colonial. Y sí, ciertamente Óscar Jaenada no lo hace nada mal, yo me hubiera atrevido hasta darle más papel, teniendo el cuenta el precedente del rápido remedo de "Piratas" de tele 5, que a mi modesto juicio me parece muy flojo, Jaenada sorprende con buena soltura y manera de entrar en el juego de la franquicia.

Si alguien es fan de la saga, puede adentrarse sin temor en estas aguas. Está Depp, muy versátil pero más controladito que en la tercera donde prácticamente le dejaron improvisarlo todo, un Rush muy competente y divertido, junto con buenos secundarios y una aventura al estilo Indiana Jones, todo pasa muy rápido, te diviertes mucho y no te da tiempo a que te des cuenta de que lo que dicen no tiene ni pies ni cabeza. Se echan en falta ausencias (los primeros tripulantes de La Perla Negra junto al citado Davenport), pero el producto final es más que digno para una secuela.

Y a los que nunca se hayan sentido tentados por esta saga, pues no, si no fue su tipo de película la primera que estaba muy bien y es una de las piedras del género... No, no creo que sea de su agrada. Saludos.

MARTIN PRESENTA

2011-06-05T06:28:00.000-07:00

Hace ya cierto tiempo, más del que me gustaría reconocer, Canal Plus compró los derechos de una serie de documentales destinados a su difusión en televisión, bajo el título "El cine italiano según Scorsese".

Afortunadamente, esta verdadera joya, fue re-editada en DVD el año pasado, constituyendo una cita más que apetecible para los admiradores/as del cine italiano a lo largo de todo el globo.

La gran ventaja de tener a Scorsese como maestro de ceremonias no es solamente su conocimiento técnico del tema, sino que ama verdaderamente de corazón el período que estudia, el que veía cuando era niño en compañía de una familia que añoraba su tierra.

Bajo el patrocinio de Mediatrade, Cappa Productions y Paso Doble Film, se crea y se compone esta verdadera declaración de amor a un estilo de hacer películas, a diferentes profesionales que crearon una verdadera edad de oro para la producción artística de ese país.

Desde la desaforada y genial producción de Fellini, la producción apasionada de un hombre apasionado y brillante, pasando por la belleza inimitable de Sofía Loren, hasta llegar al dramatismo tragicómico de Alberto di Sordi en "Los inútiles".

Siguiendo un sensato modelo de guión por parte suya y de Suso Cecchi D´Amico, Raffaele Donato y Kent Jones, Scorsese narra el impacto que le produjo ver su primera película neorrealista bajo la docta batuta de Rossellini. Los cortes seleccionados se adaptan como un guante a la exposición, siempre clara, amena y brillante, aunque verdaderamente estamos ante unos documentales televisivos que requieren una paciente admiración por el séptimo arte.

El recorrido va evolucionando, pasando del blanco y negro de una nación que trata de levantarse de muros derrumbados y con feroces cicatrices de la II Guerra Mundial en el rostro, hasta llegar al tono operístico de Visconti, cuyo osado estilo le permitió experimentar y dar un paso adelante dentro de la tradición de la que era testigo. Asimismo, se plantean enigmas como el escaso envejecimiento que presenta la obra de Antonioni aún hoy en nuestros días.

Hablaba Robert E. Howard a príncipes que no debían saber aún que hubo una época no soñada donde los océanos sepultaron a Atlantis, dando paso a otra era. Scorsese, recogiendo su testigo muchos años después, nos recuerda a los desmemoriados que hubo un ciclo no imaginado, donde titanes de la interpretación conmovieron las salas de todo el globo, bajo la acertada batuta de algunos de los mayores genios de la industria.

Una época donde una Italia en números rojos, supo sacar cintas como "El general de La Rovere" o "El oro de Nápoles". Thelma Schoonmaker, montadora permanente del gran cineasta creador de "Taxi Driver" y ·"Good Fellas" entre muchas otras, fue su lugarteniente en este proyecto que cumple mucho objetivos en uno, rescatando un pasado olvidado y difundiéndolo de una manera original y hermosa a la pequeña pantalla.

Para disfrutar, nunca le agradeceremos lo suficiente a aquella cadena haberla presentado.

BIZANCIO CONTRA ROMA

2011-05-29T04:00:00.000-07:00

Desde su creación a manos de los inefables Stan Lee y Jack Kirby, "Los Vengadores" han sido uno de los buques insignias de la editorial de cómics Marvel. Su origen está claro, Lee estaba buscando contrarrestar el éxito de la Liga de la Justicia de su archi-rival, DC. Durante una partida de golf, comenzaba un ejercicio destinado a sacar dinero, aprovechando el atractivo que tendría para los jóvenes lectores/as tener a Thor, Iron Man o Hulk en las mismas 20 páginas.

Con muchas décadas transcurridas desde esa Edad de Plata del género, la colección había pasado por muchas andaduras. Guionistas y dibujantes de heterogénea calidad y continuidad habían pasado por sus páginas, alternando momentos inspirados con otros de interés muy bajo. Como fuere, en el 2004, la serie estaba en las experimentadas manos de Kurt Busiek, gran guionista que además contaba con los lápices del legendario George Pérez.

Muy convencidos de que Busiek era la persona idónea para devolver a "Los Vengadores" a su grandeza, con aventuras trepidantes pero no exentas de calidad, se le propusó una mini-serie con esos mismos personajes que tan bien conocida. Como Pérez estaba ya con una edad y su increíble talento debía focalizarse en las sagas actuales, los editores le comunicaron que Carlos Pacheco, dibujante español, había dado muestras de estar interesado en participar en algún proyecto sobre el súper-grupo. Busiek no lo dudó, como tampoco puso objecciones a que Jesús Merino le entintase. Merino era también castellano y tiene una sensibilidad muy especial con los dibujos de Pacheco.

Busiek quería tirar la casa por la ventana y propusó una trama de líneas temporales, alternando Vengadores de una y otra época. Los dos villanos serían Kang El Conquistador e Immortus. El primero era un ser del futuro que con su tecnología y conocimientos se había convertido en una especie de Alejandro Magno con la ventaja de poder trasladarse de un dominio de Cronos a otro. El segundo, era un yo aún más futuro de Kang, que, cansado de conquistas y derramar sangre, se había convertido en un erudito reflexivo que vigilaba las bifurcasiones temporales para evitar la creación del caos. Como vemos, hasta aquí, algo muy sencillo.

Lo que Busiek pensó con acierto es que Kang era el Doctor Doom de la serie y que era una pena que al final, los lectores supieran que se iba a convertir en el bizantino Immortus. ¿Y si él se rebelase contra aquel destino? Esto llevaría a una guerra no ya fraticida, sino casi suicida, entre los dos hombres, con el grupo y Rick Jones entre medias (sí, ese joven que ha estado involucrado en el 120% de las aventuras espaciales del Universo Marvel).

El cómic es una freakada, pero desde luego una freakada deliciosa. El dibujo es genial de principio a fin y además, da la sensación de que Pacheco homenajea a dibujantes del pasado en algunos de los flasbacks, así vemos cositas de Jack Kirby, de Don Heck, de Neal Adams... Roger Stern, el veterano y legendario guionista, fue el asesor del equipo, ya que su tremendo conocimiento de los cómics del pasado le permitió supervisar los diálogos para adecuarlos a la esencia de los personajes. Busiek siempre se ha mostrado muy agradecido a Stern por ello y creo que es el primer cómic de aventuras que he visto en mi vida con notas a pie de página, con la notable excepción de "From Hell", que recordemos, no es de aventuras, sino un cómic más serio y que maneja hipótesis históricas en un registro mucho más serio.

No solamente hay que tener presentes decenas de aventuras previas de Los Vengadores, sino que incluso hay guiños históricos, como usar a un Capitán América muy desmotivado por haber sido sacado de los días del escándalo Watergate. O trasladar la paranoia anti-comunista de la caza de brujas a la persecución de los Skull durante la Carrera Espacial, con varios juegos que muestran un poquito de cómo ha sigo la generación estadounidense a través de las viñetas.

Asimismo hay un curioso juego de presentar la evolución de los personajes femeninos. Una Janet Van Dyne que empezó de la mano de Stan Lee siendo la damisela en apuros y que terminó siendo líder del equipo de aventureros en varias ocasiones. Esto se refleja muy bien en las vestimentas suyas y de Géminis durante su estancia en los años 50, puro homenaje a los Clark Kent y la Lois Lane más clásicos.

La labor de recreación de los puntos más oscuros de las antiguas historias es muy meritoria. Immortus es presentado como un Ulises que piensa que es mucho mejor engañar que atacar, pues aquél que ha sido convencido con ardides, no tiene necesidad de vengarse. Ese carácter maquiavélico le lleva a Busiek a aprovecharlo para explicar algunos de los cómics más incongruentes del pasado del grupo de héroes. Con precisión de cirujano, algunos de los tebeos más flojos de la saga alcanzan una re-lectura, en un gran juego que acaba con toda la épica que podríamos esperar.

Batallas que tienen el sello romano de Kang, muy espectaculares y para el lujo de Pacheco y Merino, a campo abierto y con una nobleza brutal. El único inconveniente de esta macro-saga es que está orientada solamente al público que guste de este grupo de aventureros, preferentemente si se han criado con ellos y han consumido la Biblioteca Marvel de los mismos...

Si es así, la disfrutarán enormemente, si no... No me atrevería a recomendarla con el 100% de seguridad. Eso sí, a los que conozcan la colección, se van a meter en una divertida montaña rusa.

LOS EXCESOS DE UN GENIO

2011-05-22T08:29:00.000-07:00

No parece probable la unanimidad. Hoy en día, el modo de saber si alguien es popular o no, es comprobar que su legión de enemigos es tan grande como la de sus admiradores. Por este parámetro, Quentin Tarantino debe ser reconocido como genio del arte cinematográfico sin duda.

Juan M. Corral conseguía que la editorial Dolmen le financiase su ambicioso proyecto de realizar la primera biografía en castellano sólida de dicho director. Un niño precoz de madre adolescente que se crió básicamente alrededor de una televisión y después, aprovechando su empleo en un videoclub para analizar por qué algunos lo hacían bien y por qué otros mal en sus cintas.

Después, a partir de Reservoir Dogs, una montaña rusa donde la cantidad está reñida con la calidad. Pocos autores han tardado tan escaso tiempo en consagrarse, en provocar que sus estrenos sean un evento social donde no cabe la posibilidad de un fracaso en taquilla. El libro plantea un buen contexto del personaje, aunque en el futuro necesitará una actualización, ya que su primera edición es del 2005 y hay varios obras (especialmente, Malditos Bastardos) que merecerían ser incorporadas en su análisis. También se abordan sus colaboraciones con individuos tan peculiares como Robert Rodríguez, un cineasta de ideas muy interesantes, no siempre bien llevadas a las prácticas, pero que tiene la desgracia de convivir con un clon suyo mejorado y que sabe narrar mejor las historias.

El ritmo del libro es ameno y sus capítulos están perfectamente estructurados, especialmente agudas sus reflexiones sobre las fuentes de las que ha bebido el creador de Pulp Fiction (que en ocasiones rayarían en la brumosa frontera con el plagio). Como fuere, también hay un cierto tono relajado en la personalista redacción que puede ir en menoscabo del rigor que nos merezcan algunas de sus consideraciones. Especialmente las pequeñas fichas que hace de algunos de los actores y actrices que han trabajado en sus filmes, reducir trayectorias tan brillantes como las de Robert de Niro, Steve Buscemi y cía, a varios chismes y consideraciones excesivamente "hards", no parece de recibo, así como algún comentario subido de tono.

Uno verdaderamente duda de que en este caso el autor de la biografía esté, como en ocasiones sucede, "enamorado" de la figura sobre la que trabaja, o por lo menos eso se desprende de su forma de despotricar sobre algunas de las supuestas virtudes del artista. Si bien hay momentos donde mete el dedo en la llaga con coherencia (especialmente haciendo un equitativo reparto en el guión de Pulp Fiction, probablemente la obra que le catapultó), en otras ocasiones parece que él está tan dispuesto a ser el enfant terrible de Tarantino como su protagonista lo ha sido con la manera de concebir el cine.

Se lee con agrado y verdaderamente, hay un fuerte conocimiento de causa a la hora de describir con inteligencia los movimientos de cámara y otra terminología técnica, pero uno tiene la sensación de que no se ha logrado la suficiente armonía entre objetividad y subjetividad, quedando algunas páginas viscerales hasta el extremo donde valoraciones muy personales se mezclan con las profesionales. No en vano durante la promoción de su trabajo, el propio Corral admitió que se sentía más atraído por los aspectos extra-cinematográficos que por su labor como director.

La opinión que cada uno tenga de Quentin Tarantino y su talento, o no, a la hora de llevar historias a la pantalla, no variaría mucho de su lectura, pero tal vez descubra varios aspectos que le sorprendan. Como que su irregular formación le lleva a ser un ávido lector, pero que redactando puede cometer algunos errores impropios de un guionista de su nivel, por adolecer de algunas enseñanzas muy básicas de su frustrada etapa como estudiante. De la misma forma, vemos como en ocasiones, aunque pueda haber fantasma de exceso de amor por ideas ajenas, Tarantino tiene un don muy especial para coger ideas que podrían parecer muy malas o espantosamente llevadas a la práctica, tornándolas en espectaculares. Asimismo, él tampoco parece haber tenido ningún problema en admitir de dónde se ha sacado algunas de sus ocurrencia y ama verdaderamente muchas de estas obras de serie Z que veía.

Quentin Tarantino es la clase de persona que si puede ver "Ciudadano Kane" o "Balada triste de trompeta", se meterá primero en la segunda, pero pedirá una copia de la primera para disfrutarla en casa. Un niño díscolo, un malcriado de la vida, un tipo con verdadero talento, heterodoxo, hipócrita, genial... Pero, alguien que respira cine por los cuatro costados. Amante de que los pistoleros hablen de sus cosas antes de ir a cargarse a alguien, un pervertido de los planos de los pies de sus musas (su relación de amor-odio con Uma Thurman, indudablemente su actriz predilecta), alguien con chispa, el creador de "Malditos Bastardos" y asimismo de "Death Proof", o le amas o lo odias...

Y, la verdad, siendo sinceros, qué placer tan grande es que te paguen por un trabajo por el que tú verdaderamente darías dinero por hacer.

EL HIJO DE FILIPO Y OLIMPIA

2011-05-15T11:28:00.000-07:00

"La gente ya dice que Filipo fue un gran general...pero Alejandro es simplemente grande". La frase es pronunciada con acento marcadamente irlandés por Val Kilmer en la película de Oliver Stone "Alejandro Magno", en una de sus secuencias más interesantes enfre el fiero monarca Filipo II y el más destacado de sus hijos, el príncipe Alejandro, futuro conquistador de Asia y a lo largo de los siglos, reconocido por el mundo como uno de los más colosales conquistadores de la Historia.

No obstante, hay muchos problemas a la hora de abordar esta pasional biografía, no es que desentone para nada un elegante Anthony Hopkins como un envejecido Ptolomeo (amigo de infancia, general y después el más destacado sucesor de El Magno en Egipto), que repasa sus días cabalgando con el hombre que ya en aquella época, era saludado como algo muy cercano a un dios por sus camaradas.

Con todo, también ya en quellos tiempos existía otra corriente, especialmente en el mundo heleno, que lo señalaba como un tirano despótico que con su maquinaria militar había pisoteado los reinos enjoyados de la tierra como un personaje de R.E.Howard. Todas y ninguna de esas personas eran el verdadero Alejandro, encarnado en esta cinta por Colin Farrell, de quien hablaremos más adelante. El primer error que puede tener la obra de Stone, director muy polémico pero motivos extra-cinematográficos, pero de gran calidad, puede ser que Alejandro, pese al notable inconveniente de haber muerto en la flor de la vida, podría llenar sin problemas una saga de 3 pelis a tres horas y media la misma (y no exagera).

La obra empieza francamente bien, explotando con mano maestra la turbulenta infancia del futuro rey. De la mano de una madre terriblemente afectuosa pero dañina (Angelina Jolie), Alejandro vive dividido en sus afectos, pues ella, Olimpia, odia profundamente a su esposo Filipo II (un gran Val Kilmer, uno de los mejores papeles de su carrera).

Olimpia era una mujer formidable, demasiado para sus propios intereses, los mitos de que descendía de la estirpe creada por el heroico Aquiles y su cautiva troyana Andrómaca, esposa del gran Héctor, domador de caballos, eran para ella totalmente reales, una superioridad casi divina que trasladó a su hijo, que terminaría siendo saludado como hijo de Zeus por el oráculo egipcio de Siwah.

Filipo, por el contrario, era un ser absolutamente terrenal. Lo cual no quitaba que haya sido uno de los discípulos más aventajados del gran tebano Epanimondas, un general soberbio, un soldado valeroso hasta el punto de perder un ojo en batalla y alguien que comprende que un soberano debe de ser capaz de herir a quienes más ama. La escena de un Filipo envejecido por su cargo, llevando a su hijo a esa cueva atemporal donde se refleja lo efímero de la gloria y castigos terribles como los de Prometeo y Edipo, muestran una calidad que desafortunadamente no se mantienen a lo largo de toda la narración, con muchas irregularidades.

Es probable que de haber tenido más tiempo o haberlo planteado como la ya citada trilogía, hubiéramos podido estar más en ese crual momento de la vida del discípulo de Aristóteles. Sorprende la calidad y renombre de algunos secundarios, todo un Briand Blessed para hacer de uno de los entrenadores de la lucha de los jóvenes nobles macedonios, donde ya intuimos que Alejandro empieza a sentir una fuerte atracción por su íntimo amigo Hefestión. Esta manera de mostrar ese idilio por parte de Stone le aleja de la tradición Hollywoodiense que estima impensable que un protagonista pueda ser homosexual, pregunten en "Troya" sobre la opción de haber mostrado a un Brad Pitt un poco más femenino, lo que hubiera provocado un shock nervioso de las quinceañeras de todo el globo.

Con un segundo acto muy intenso, donde se debe reconocer que los armamentos y vestuarios de la época son más que aceptables, vemos la faceta más militar del monarca que jamás perdió ninguna batalla campal donde participó. Bien es cierto que para ello contaba con el formidable ejército de su padre y con un Estado Mayor sin comparación en el mundo antiguo, que incluía a luminarias como Parmenio, Clito El Negro, Pérdicas, Antígono El Tuerto etc. Por motivos de espacio, podemos pensar que Stone y su equipo de asesores tuvieron que prescindir de aspectos tan vitales como la primera fase de la guerra contra Memnón de Rodas (probablemente el único comandante a las órdenes de las persas que mostró estar a la altura de su genial enemigo) o alterar algunos aspectos del triunvirato Gránico-Isos-Gaugamela (focalizado todo en la tercera).

Escenas como la entrada en Babilonia justifican la entrada sobradamente. Las mujeres que pasaron por la vida de Alejandro (salvando su visceral e insana con Olimpia), son resumidas en una sola, con una espectacular Rosario Dawson como Roxana. El gran problema de este tipo de proyectos épicos es que la realidad histórica suele tener muchísimos más personajes relevantes de los que ninguna obra de ficción querría permitirse o juzgaría necesarias para funcionar. Un curioso juego es que personajes como Filipo o Parmenio son interpretados por irlandeses, mientras que los griegos sofisticados son británicos. Asimismo, el arribista Átalo que mete en la cama de Filipo a su hija, es interpretado por el mismo y buen actor que hace lo mismo como Bolena en la serie de Los Tudor.

Farrell tiene algunos problemas que escapan a su control, especialmente en las escenas de primera madurez con Olimpia, ya que Angelina no da la sensación de ser más vieja que él. Esos detalles aparte, da una interpretación peculiar, original, alejada de los cánones, creo que verdaderamente hace un buen cometido, aunque sigue faltándome algo para creer que estoy ante ese gran personaje. Pero eso puede ser deformación profesional.

Stone parece poner su toque más personal en la faceta soñadora tipo JFK de Alejandro, explotando su manera de superar los prejuicios (que en aquellos días tenía gente del gran talento de Aristóteles) contra los supuestos bárbaros persas. Verdaderamente, Alejandro es planteado en la película como la persona más libre de un mundo en llamas.

En definitiva, una cinta muy, muy curiosa. Alterna pasajes poco inspirados con escenas de verdadera calidad de drama griego, interpretaciones con mayúsculas junto con personajes poco inspirados o con escasos minutos...

Este proyecto de Oliver Stone bien puede ser considerado un fracaso, pero en su época, este fracaso se alzó por encima de muchos éxitos de taquilla de aquella época ya olvidados.

THE WIRE: SEGUNDA TEMPORADA

2011-05-08T07:04:00.000-07:00

Recientemente he podido acabar de ver la segunda temporada de "The Wire" (los interesados/as en la primera temporada pueden encontrar una reseña de la misma en este blog). Como era de esperar, este producto de la HBO sigue sin dejar indiferente, pese a que han pasado algunos años, la realidad de Baltimore sigue siendo un programa más que solvente, de mucha calidad.

A través del personaje de McNulty, degradado a servir como guardia costero tras la primera temporada por sus ariscos superiores, los guionistas de la premiada serie se sirven del hecho para seguir con su rompe-cabezas de mostrar en mosaico la realidad de una ciudad. Pero no, aunque uno no sea de Baltimore, o ni siquiera de Estados Unidos, los valores que muestran son universales.

En primer lugar hay que prevenir que, pese a las críticas que tanto la alaban, no estamos ante un producto televisivo de fácil consumo. Igual que ocurre con otra grande entre los grandes, Los Soprano, The Wire (Bajo Escucha) tiene un formato cinematográfico que hace que cada uno de los episodios sea una pequeña película de una hora. Además, el brusco arranque casi nos invita a pensar que la segunda temporada tiene muy poco que ver con la primera, más allá de los protagonistas, aunque afortunadamente no es así. Por ende, ver esta serie suele ser productivo a pequeñas dosis y cuando de verdad se encuentra una buena franja de tiempo libre para paladearla.

Un avispado amigo de olfato ya me dijo cuando me recomendaba ver esta serie que algún día cuando se intentase explicar algo de antropología en los Estados Unidos, ver algún momento de The Wire servirá como buena muestra del panorama.

Su capacidad de mostrar cosas muy realistas juega su favor. Se mete muy bien en el día a día de los camellos y los delincuentes de poca monta, presentándolos como personas de carne y hueso, en muchos casos más morales que otros de la serie. También lanza finos daros a los estamentos policiales, no precisamente a los que patrullan y se dejan en más de una ocasión los cuernos a riesgo de su propio cuello, sino con los tenientes, fiscales del distrito y otras hierbas que tienen un gran temor al período electoral y buscan evitar cosas polémicas que les cuesten abandonar sus nalgas de los sillas del poder.

El componente étnico de los muelles trae el añadido de los inmigrantes, griegos, polacos (3 polacos, seis opiniones) y la labor de los sindicatos, muchas veces alejada de su propósito inicial. La sinceridad brutal de los planteamientos es digna de alabanza, así como la fuerte documentación que hay detrás de cada insinuación, de cada queja... The Wire no es un panfleto, es una precisa radiografía sin colores blancos o negros, simplemente el gris es omnipresente, como la vida misma. Las actuaciones son de un nivel muy alto, tanto en principales como secundarios.

Los interesados en esta temática no deben dejar de leer el siguiente artículo "The Wire: todo lo contrario de una serie policial", en el blog de Hernán Casciari, que resume con mano maestra lo que es la esencia de espectáculo. Como escribió Umberto Eco sobre un gran cómic, suspirando ya por la tercera temporada que te haga retornar a ese micro-cosmos policial... Y por supuesto, aprovechar para contárselo, que fue siempre el bojetivo de este blog.

RELATOS DE ASGARD

2011-05-01T16:06:00.000-07:00

Ahora que hemos descubierto que Thor (¡afortunado asgardiano, pues!) está casado con Elsa Pataky y aparece en Facebook, no estaría de más, volver la vista atrás a las raíces, en concreto a una mini-colección muy especial llamada "Tales of Asgard". En verdad, la andadura del hijo de Odín en las viñetas es una de las más singulares.

Corría la década de los 60 del siglo pasado cuando dos nombres propios, Stan Lee y Jack Kirby, revolucionaban el medio, creando lo que los estudiosos de la época, llamaron la Edad de Plata. Los 4 Fantásticos, Spiderman (éste con el genial Steve Ditko), La Patrulla X... Stan, un tipo singular y con una fértil imaginación, empezó a pensar que la creación de personajes se le daba bien y quiso ir un paso más lejos.

En concreto, hacer un cómic de dios... pero un dios como era concebido en la mitología. Si los anteriores tenían habilidades especiales provenientes de medios tan románticos como la energía del átomo, la Guerra Fría o arañas traviesas, éste vendría de tiempos más brumosos y ocultos, alterando todo a su paso, como diría Robert E. Howard, dispuesto a pisotear con sus sandalias los reinos dorados que se cruzaban a su paso. El elegido fue la deidad nórdica del trueno, Thor, aunque el concepto perdió mucha fuerza. Salvo el elemento del mazo de Uru, Thor no dejaba de ser un tipo preocupado por su identidad secreta y con excelsos poderes que lo alejaban del resto de los mortales, pero no más que cualquiera de los otros héroes de Marvel.

No obstante, tras unos complicados inicios en ventas, Lee se dio cuenta de que con un dibujante de la capacidad narrativa de Kirby y el fecundo abanico que daban las propias leyendas, era una pena no jugar más con aquel elemento de fantasía arcana. Conforme avanzarán los años, Thor se mediría tanto con villanos típicos de la época como con criaturas sacadas de la mismísima Asgard.

Del mismo modo, se percataron de que los lectores/as sabían muy poco más allá de una lectura superficial, de lo que había detrás del origen del protagonista de caballos dorados. Lee decidió colocar como suplemento de la revista relatos de cinco carillas donde darían su particular visión de cómo surgió todo... desde los helados dominios de Ymir hasta el fuego omnipresente de Surtur.

El resultado fue una pequeña joya, varias veces recopilada al castellano, en formato Biblioteca Marvel en blanco y negro y más recientemente a color. Figuras como Odín, cobraron una verdadera dimensión y así muchos otros elementos que crearon un universo interno muy rico. Kirby merece buena parte del crédito de aquella concepción homérica a la hora de crear a los personajes. El Reino Dorado, permanentemente amenazado por hechiceras, gigantes, conspiradores, trolls... Siempre victoriosa, hasta que el temido día del Ragnarok, la serpiente se enrrosque definitivamente sobre el Puente del Arco Iris guardado por Heimdall.

Ayudó en aquella labor Vince Colletta, entintador veterano de la compañía. Todo el mundo sabía que los mejores días de Colletta en la industria habían pasado, pero una muy buena relación le unía a Stan Lee, quien además era consciente de que su antiguo camarada vivía apuros económicos, por lo que presionó mucho para que siguiera teniendo trabajo. Como Raimon Fonseca afirmó, parece que en aquellas cinco carillas mensuales, mucho más digeribles que los mastodónticos encargos de las otras colecciones de la editorial, el malogrado Colletta volcó de nuevo energías y resucitó su talento.

Hablando de resurrección, es imposible no tomar en consideración la fascinante recreación de Hela por parte de Kirby. La dueña del Valhalla es presentada sin tapujos como una fría y verdadera señora de la muerte, inexorable incluso con los más bravos a la hora de reclutar nuevas almas a su feudo. Invencible en su territorio como el propio Odín lo puede ser en Asgard, pero con una extraña ética y un sentido del humor muy particular, pero existente.

A nivel de diálogos, Stan Lee, que es indudablemente uno de los mejores creadores que ha conocido el medio y que además es probablemente una de esas personas que parecen haber sido forjadas en la más dura fragua de los enanos para endurecer su talento para la autopromoción, pareció darse cuenta de que su verbórrea (en ocasiones cursi, pero una verdadera revolución para una época donde los héroes míticos de DC parecían acartonados) debía tener un giro de 180 grados al hablar del sueño de Odín.

Así se ha dicho que en ocasiones, Thor emplea un lenguaje formal, atávico, un extraño híbrido entre la fluidez elegantísima de las obras de Shakespeare y la simpe cursilería. El efecto es muy curioso y muy similar al que el propio Bardo provocó para la antigua Roma. A buen seguro, los bardos nunca cantaron al señor de las tormentas hablando de dicha manera, pero encaja muy bien y ameniza la epicidad de muchos de sus pasajes.

Con corte muy digno de Alejandro Dumas, Thor recibió mosqueteros particulares para auxiliarle en sus adanzas. El espadachín Fandral, el voluminoso Volstagg (de asombroso parecido con Falstagg y El Miles Gloriousus), el torvo Hogún o Balder El Bravo se suceden por las páginas. Desgraciadamente, no sería con el tiempo hasta que los cómics se dieran cuenta del potencial de las deidades femeninas, no como mero elemento de rescate y seducción. Con la notable excepción de Hela, en Tales of Asgard se echan en falta más contrapartidas femeninas.

Sorprendidos de la buena acogida que en las cartas de los aficionados encontraban aquellos relatos, Lee y Kirby decidieron hacer cada vez más feluidos continuarás, creando varias sagas. Las fuentes no siempre eran especialmente vikingas, hay mucho de las Mil y una noches en los relatos, así como de La Odisea, pero en verdad, son muy entretenidas y especialmente para un público juvenil, son una verdadera delicia. Elemento que si está muy bien presentado es la figura de Loki, hermanastro de Thor y dios de la mentira y el engaño. En Tales of Asgard se mostró su nacimiento y, tiempo después, Roy Thomas, discípulo aventajado de Stan Lee, los manejó a ambos de una manera extraordinaria en su particular versión de la mítica guerra de Troya, incluyendo el más inesperado de los finales, poniendo de relieve las semejanzas del Loki de Stan Lee con el Ulises de Homero.

En definitiva, un personaje digno de ser empuñado por los autores... siempre que sean dignos y puros de corazón e ideas a la hora de narra las desventuras de dioses y hombres.

CÓMO ACABAR CON LA CULTURA

2011-04-21T09:25:00.000-07:00

Durante su vejez, Groucho Marx, uno de esos genios del humor de los que se cuentan con los dedos de una mano, reconoció que uno de los pocos que le seguían haciendo reír por aquel entonces era un chico de gafas y aspecto apocado, llamado Woody Allen.

Monologuista, guionista, escritor, actor y, finalmente, uno de los directores más reputados de la actualidad, tal vez más de uno no recuerde que a la altura de 1974 sacó un librito entrañable y rápido de leer, con el sugerente título de "Cómo acabar de una vez por todas con la cultura". Y aunque nunca hemos necesitado mucha ayuda para eso, Woody nos invita a hacerlo con gracia y sentido del humor.

Con pequeños capítulos como "¡Un poco más alto, por favor!" Allen ridiculiza todo lo habido y por haber en el campo de lo artístico, en este caso, los espectáculos de mismos. Desternillantes situaciones y párrafos cargados de ingenio, en una obra que como ya decimos, es muy ligera y agradable de leer.

Probablemente, de tener que quedarnos con una de las críticas más corrosivas, yo salvaría "¡Viva Vargas!", donde saca punta de las revoluciones latinoamericanas. Muy en consonancia con "Bananas", se trata de una reducción al absurdo no tan absurda donde verdaderamente, el ritmo narrativo coge una velocidad digna de elogio. Allen no da un respiro y la agilidad pasando las páginas y la pequeña extensión de los episodios ayuda, la verdad sea dicha.

Mafia, el conde Drácula, listas de la compra, biografías clásicas de personajes históricos... Poco escapa al ojo clínico y ácido del brillante judío e incidimos en este hecho, porque la cultura rabínica es fundamental en este hombre, aunque ahora sea un ateo renegado (célebre es su frase: No sé si Dios existe, pero sí existe, espero que tenga una buena excusa), ha bebido mucho de ese mundo. Sin ir más lejos, hay que recordar en este libro las brillantes enseñanzas de un rabino cuestionado por un discípulo acerca de quién fue más importante, Moisés o Abrham. Como el propio Allen afirma, era una pregunta muy difícil, más para aquel hombre que en verdad, nunca había leído la Biblia y su principal afición era dormir panza arriba.

Generalmente nos inunda la sensación de que el drama trágico es superior a la comedia. La carcajada parece una amante menos complicada que la lágrima, no obstante, talentos como el de este humorista nos recuerdan lo complejo de lograr llegar a este nivel de complicidad casi utópica, risotada, reflexión, vuelta a la risotada y, de paso, reírse de muchos de los convencionalismos.

Buf, caray, ahora que lo pienso, me estoy convirtiendo en uno de esos petardos que tanto se critician en este libro, si es que alguna vez deje de serlo. Simplemente lean, disfruten viendo como un tipo normal y corriente, con gafas y las mismas frustraciones espirituales, morales, sexuales y de aparcamiento que nosotros, le pinta la cara y bigotes a luminarias como Marx, Freud, Bergman o Stein....

Si algún día quiere llevar a cabo sus malvados propósitos, deberá empezar por dispararse a sí mismo... porque a fin de cuentas, Woody Allen sí que es cultura.

ACERCA DE LAS DERROTAS COTIDIANAS

2011-04-10T12:33:00.000-07:00

Siete amigos. Ningún talento. No es una mala premisa para iniciar una comedia y, desde luego, David Serrano tuvo la buena fortuna de contar con un reparto estupendo con el que está muy compenetrado y ha realizado muchos trabajos.

La historia coral de un grupo de treinteañeros de barrio que en mayor o menor media han madurado muy poco. Aunque parece que los vientos cambian y Antonio, el más golfo de todos, parece sentar la cabeza tras haber estado entre rejas por sus problemas de agresividad. De hecho, como no hay peor inquisidor que el converso, su reciente éxito con la terapia le lleva a psicoanalizar a sus antiguos amigos, encontrando un denominador común:están muy insatisfechos en su día a día.

Antonio no es otro que un Ernesto Alterio impecable en su rol de supuestamente reformado truhán que en realidad, ha cambiado muy poco. Cual personaje ibañezco, sus buenas intenciones van sembrando el caos, especialmente con Jorge (Alberto San Juan), que acaba de sufrir una dolorosa ruptura con una de las hermanas de Antonio (es lo que tiene vivir en el mismo barrio, el mundo es un pañuelo al parecer). Sin saber muy bien por qué, entre todos, llegan a la extraña conclusión de que deben resucitar su antiguo equipo de fútbol 7, con el que ganaron un torneo siendo unos críos. Aquel breve pero feliz instante puede ser una piedra de toque para mejorar tan tristes panoramas que van desde el eterno opositor al policía con ínfulas de canta-autor.

Lástima que los años perdonen y muchos ahoran tengan verdaderas patas de palo y alternen paliza tras paliza. Los poco seguidores al balompié no tienen porque preocuparse, las secuencias en arenales son absolutamente ibañezcas, con la exageración como credo y si dudan, piensan que su fichaje en el mercado de invierno es Sérafín... interpretado por el cordobés Fernando Tejero, desde luego, no el actor más puro del mundo en cuanto a estilo, pero capaz de simpatía en todos y cada uno de sus diálogos.

La película es bastante honesta con su simpleza y esa falta de ínfulas le otorga un fuerte encanto. Plasma especialmente bien los momentos más cotidianos, esas tertulias en terrazas de bares cuando alguien pide al camarero que conoce de toda la vida otra ronda con tapa y esa extraña camaradería que surge de verdaderas tonterías como bien puede ser pegarle patadas a una pelota para meterla entre tres palos y evitar que te la cuelen a ti. Si Serrano había tenido un fuerte pelotazo con "El otro lado de la cama", en su debut como director volvió a meterse a la audiencia en el bolsillo, lástima que en el siguiente intento, "Días de cine", la fórmula empezase a caducar.

Probablemente un problema que sí que tengamos en nuestra industria cinematográfica a la hora de acercanos a la comedia, sea el pecar por exceso. Dos horas es demasiado tiempo, no por falta de gracia, pero se puede preguntar a cualquier de los grandes guionistas, incluyendo Billy Wilder, para saber que a partir de la hora larga, incluso los buenos chistes pierden fluidez.

Con esto no quiere uno negarle las cotas de calidad que si tiene la cinta. Por ejemplo, el personaje de Roberto Álamo, aparentemente el borde del grupo sin más, hasta que se va profundizando más en su dá a día, demostrando que Serrano tiene buena mano con los guiones, aunque en este caso, tal vez porque este desporte en concreto parece tradicionalmente (con excepciones, verdaderamente) orientado a lo masculino, la composición de los personajes femeninos es muy inferior al de los masculinos.

María Esteve sin ir más lejos tiene una papeleta muy complicada, precisamente como la mujer del personaje de Roberto Álamo, un ángel del hogar al estilo doña Inés e inexplicablemente enamorada de su taciturno marido, aunque el talento del actriz salva situaciones que si no, parecería inverosímiles. No podemos decir lo mismo en el caso del prototipo de la esposa dominante, una Nathalie Poza obligada a ser absolutamente desagradable y sin duda el personaje que uno más odia mientras transcurre la cinta; por su parte, Natalia Verbeke desarrolla belleza y simpatía, pero su aniñada Violeta no deja de ser una quinceañera indecisa en cuerpo de treinteañera.

Eso sí, el reparto es de altura, incluso en parcelas mínimas como el cameo de "Willy" Toledo o el siempre eficaz Diego Martín. Una simpática comedia para divertirse, aunque con más miga de la que parece a simple vista, aunque quizás con un final más costumbrista de lo que cabría esperar. Y es que quizás uno de los males que últimamente se está instaurando en este género, una actitud, por seguir el símil futbolístico, apegada a la defensa a la italiana antes que la ofensiva brasileña.

Pero en cualquier caso, el año que viene nos volveremos a apuntar a Liga con nuestros colegas... aún a costa de que nos mojen de tanto en cuando la oreja y tengamos problemas de autocontrol como le pasa al bueno de Alterio.

EL PRECIO DE LA LIBERTAD

2011-04-03T14:38:00.000-07:00

Seamos sinceros, a veces no nos lo creemos. ¿Cuántas veces hemos mirando con recelo al jugador de la cantera y despilfarrado sin conocer por la estrella foránea de vistoso apellido?

Es triste pero es así, siempre ha sido complicado ser profeta en la propia tierra a la que uno pertenece. Pero no, aunque podamos (y es bueno que así sea) admirar lo que viene de fuera, pero a veces hay que mirar con iguales ojos benignos el legado interno.

Porque Fernando Fernán Gómez, más allá de declaraciones desafortunadas ante cierto medio de comunicación, fue una trayectoria artística brillante. Excelente actor, de peculiar método, tampoco fue ninguna decepción cuando se colocó como director y tenía una pluma que fluía con facilidad, en varios medios literarios, por cierto. Y cuando creó "El Pícaro" (1974), trató de crear un precedente que desafortunadamente no tuvo la continuidad merecida. Aunque no estemos ante un monstruo de la calidad casi apabullante de "Yo, Claudio", las desventuras de Lucas Trapaza fueron una andanza televisiva de las bien llamadas curiosas.

Junto con Pedro Beltrán y Emmanuela Beltrán, se dedicó a escribir un compendio. El objetivo era que si un espectador nunca hubiera sabido nada del género picaresco, simplemente viendo los 13 episodios, pudiera tener una idea aproximada y afortunada de qué era exactamente ese estereotipo. Miguel de Cervantes, Francisco de Quevedo, Vicente Espinel, Le Sage, autores anónimos... Todos ellos desfilan ante nuestros ojos en la ciudad de Segovia donde se rodó.

Sorprende que ni siquiera en su peculiar opening, se mencione "El Lazarillo" o "La pícara Justina" (aunque ésta, hasta las curiosas re-lecturas de Francisco Márquez Villanueva, no pasaba de ser una obra destacada únicamente por su riqueza de léxico), aunque tal vez fuera por no incidir en lo evidente. Pues bien, por diferentes lugares y conociendo a muy diversos granujas y oficios (desde la organizada hampa de la Sevilla que era puerta de Indias hasta ser pinche de un noble obispo en Italia), que pronto se confudió el mapa del Imperio Habsburgo con el de la picardía.

Sí, hay un defecto, que va más allá de las siempre perdonables carencias técnicas de la época. Hay ciertos episodios, que tienen un marcado acento cervantino que no llegan a funcionar.

A simple vista esto puede parecer una especie de blasfemia, ¿qué tiene de malo que una serie de televisión se nutra de uno de los mejores escritores del Siglo de Oro? Pues porque una de las cosas en las que emula al genial autor de "El Quijote", es esos breves pasajes donde el hidalgo y Sancho viven acontecimientos esperpénticos, "de cómo llegaron a tal sitio y les pasó tal cosa". Es magia de salón y molinos de viento afectan al realismo de otras tramas y le da un aire burlesco que estorba al real y brillante cinismo de otros capítulos.

Por ejemplo, en el segundo instante de sus peripecias, hay un momento que verdaderamente roza el talento con mayúsculas. Nosotros, como espectadores, somos los ojos de un gran señor que ha venido a su villa donde todos tienen que hacerle entretenimiento por su reciente nombramiento cortesano. Quien más le divierte es un destrozado Lucas Trapaza, que bufonescamente recurre a flashback donde muestra cómo perdió su bolsa, la mujer que amaba le puso los cuernos con un apuesto soldado y sus compañeros de francachelas le dieron buenos palos por deudas.

Llevado hasta el extremo de la risa, el generoso señor le ofrece al desdichado un puesto fijo como saco de burlas de su cohors amicorum. Pese a sus muchas bajezas morales, Trapaza se re-incorpora como decentemente le deja su maltrecho cuerpo y una singular cojera por sus heridas, afirmando elegantemente que no puede hacer eso, porque dejaría de pertenecerse a sí mismo, incluso en la desgracia, el pícaro tiene ese don que personas que comen caliente todos los días no tienen. Es una manera vibrante de mostar que pese a todos esos sin sabores, en una sociedad tan supuestamente estática (aunque luego no fuera así, ni mucho menos, pero eso es otra historia), la recomoensa que tiene ese tipo de vida ingrata pero agradable por su falta de ataduras, que llevó a más de uno a recurrir a ello (o a enrrolarse en algún caso con grupos como los gitanos).

Como bien sabía entre otros, el prestigioso Ricardo García Cárcel, hablar de los olvidados y los derrotados tendrá el atractivo de que es escuchar voces silenciadas en las crónicas oficiales. El pícaro es un proyecto inconcluso, una historia que apunta maneras pero que tal vez por su época y faltas de medios no nos da todo lo que promete, pero que incluye los suficientes atractivos como para ser digna de revisionados.

I´M A POOR LONESOME COWBOY

2011-03-27T12:16:00.000-07:00

Maurice de Bévère no es un nombre que haya pasado a la Historia. Sin embargo, su apodo, Morris, es universalmente reconocido entre aquellos que aman el noveno arte de las viñetas. Uno de los mejores dibujantes belgas de siempre, y, entre otras paternidades a tener en cuenta, el creador de Lucky Luke, el vaquero que disparaba más rápido que su propia sombra.

Gracias a sus viajes por Estados Unidos, con su peculiar pero excelente estilo, Morris supo captar la esencia del género del western. Conforme pasaron los años, su estilo fue refinándose, redundado en una calidad muy pocas veces alcanzada en el género. Pronto, figuras como Jolly Jumper o su eterno cigarrillo (que la absurda censura ha terminado quitando) se hicieron reconocibles entre los lectores del Almanaque de Spirou.

No obstante, la serie no explota su verdadero potencial y popularidad hasta que Morris comete una de las mejores decisiones de su vida en el sentido profesional, asociándose con René Goscinny, sin lugar a dudas uno de los diez mejores guionistas en la historia del medio (qué posición ocupa sería discutible dentro de ese podio, pero sirva de exponente que para un servidor estaría como mínimo, en medalla).

De cualquier manera, incluso tras el fallecimiento del gran Goscinny, Lucky Luke siguió su andadura, con el propio Morris atento a las muchas y populares adaptaciones que su personaje lograba en cine, animación y video-juegos. Desgraciadamente, el genial creador falleca también en 2001.

Y siguiendo este legado encontramos a Tonino Benacquista y Daniel Pennac como guionistas del héroe del lejano Oeste, teniendo en los lápices de Achdé. Por cierto que hay que decir chapeau ante este artista, se ha metido en la piel del Morris más clásico con gran calidad. Eso sí, en la bonita dedicatoria que le hacen al inicio, creo que pecan de subestimar la valiosa aportación de otros colaboradores del genial belga, en especial Gosinny, pero también otros guionistas menos afamados pero que se tomaron muy profesionalmente su función y mantuvieron a flote a la saga. Si bien todo elogio a Morris me parece merecido, no es incompatible mencionar al resto.

La ambientación sucede en unos Estados Unidos emergentes, la terrible Guerra de la Secesión ha terminado, Abraham Lincoln es presidente y uno de sus mejores colaboradores en sistemas de inteligencia durante la guerra norte-sur, Allan Pinkerton, oganiza una agencia de detectives destinada a hacer mucho ruido.

Esta efictividad y sistemas de datos tan organizados, parecen marcar el final de aventureros como el propio Luke. ¿Qué mérito tiene ya seguir a los Dalton comparado con unos ojos que todo lo vigilan? En uno de los grandes aciertos del guión de este cómic premiado en el último concurso parisino del noveno arte, el propio protagonista siente la punzada de los celos, desarrollando una emoción tan humana a la que el beatífico aventurero no nos tenía acostumbrados.

Con buen ritmo aunque quizás de más a menos, la trama sigue adelante, cuando Pinkerton y Luke llevan una rivalidad metodológica a la hora de capturar forajidos hasta la frontera personal, mientras en Baltimore empiezan a sucederse rumores acerca de un futuro atentado contra el presidente. Discípulo aventajado del legendario Albert Uderzo, Achdé da una imagen remasterizada pero fideligna de clásicos villanos de la saga, como Billy El Niño o los ya citados Dalton. No cabe duda que la señora Morris ha depositado el legado familiar en buenas manos.

SPOILER:

No obstante, a pesar de las virtudes citadas, la obra no deja de pecar de falta de ambición. El curioso enfrentamiento moral entre Luke y Pinkerton se traduce en un final simple donde el bueno derrota al mano. Apenas queda ese brillante diálogo entre Jolly y su jinete, declarando que costaba pensar que antaño ese hombre de origen escocés luchó por causas como la abolición de la esclavitud corromperse por el poder.

Ha faltado ese último y osado paso que hace que una buena recreación pase a ser algo más. Pero la letra de momento es buena y, aunque este pobre individuo lejos de su hogar sigue alejándose bajo el Sol poniente, los seguidores de este medio nos congratulamos de que su última aventura aún esté por llegar y que, mucho tiempo después, cuando llegue, le pillará como a los viejos rockeros con las botas puestas.

¿QUÉ OCURRE CUANDO UN OBJETO INAMOVIBLE CHOCA CON UN MISIL IMPARABLE?

2011-03-20T12:25:00.000-07:00

O lo que sería lo mismo, ¿qué hubiera pasada si la urbe ingobernable hubiera caído en las redes de Alejandro Magno, monarca macedonia, líder de la alianza griega y elevado a la altura de deidad por sus súbditos persas?

Javier Negrete nos lanza un reto apasionante que se traduce en una novela trepidante de leer. Un What if...? donde la misteriosa aparición de un médico llamado Néstor y cuyo única intuición proviene de una visión en Delfos, salva al hijo de Filipo y Olimpia de un envenenamiento seguro en Babilonia.

Retratado por los cronistas (principalmente el sobrino del afamado Aristóteles, Calístenes) como un hombre enloquecido por su ascenso al poder, capaz de asesinar a antiguos camaradas de armas, Alejandro sigue mostrando como expresaba Gisbert Haefs que es el señor de las diez mil almas, con una complejidad fascinante y un reto para los historiadores e interesados en su figura en general, verdadera legión de detractores y admiradores que le siguen nanteniendo presente pese a que hace tanto que sus restos partieran a Alejandría en una habilísima maniobra de su antiguo amigo y general Ptolomeo.

El hecho de que pensaba lanzar una ofensiva sobre Roma es bien conocido. Su tío y aliado, Alejandro de Epiro, había muerto combatiéndoles. Ahora, su sobrino pensaba resarcirlo y de paso expandir el poder del mundo heleno a la península Itálica, frenando a una emergente potencia que empezaba a aplastar con sus sandalias a pueblos tan duros y curtidos en la guerra como los samnitas o los sabinos. Durante la propuesta de Negrete, su Alejandro tendrá oportunidad de marchar, aunque desde una desafortunada escaramuza inicial, incluso generales tan afamados como Cratero o Pérdicas empiezan a dudar si los viejos sistemas de su amigo y señor, podrán funcionar ante esas máquinas de triturar carne que son las legiones.

Ocansionalmente, se producen graves errores de apreciación al comparar entre épocas. Decir que Aníbal hubiera sido barrido por Napoleón debido a su superior conocimiento de artillería es una injusticia mayúscula. ¿Acaso si el hijo de Amílcar hubiera podido acceder a esa arma y adaptarse a los mecanismos de la otra época sin perder un ápice de su genio? Como bien narra Negrete, Alejandro es más que capaz de adaptarse al nuevo modelo de lucha y a pesar de su heterodoxia e inquietud de algunos de sus colaboradores de confianza, Éumenes de Cardia, no sería la primera vez que él cree ver algo que para los demás simplemente sería invisible.

Muchas son las teclas que maneja este curioso cuadro. El fallecimiento de Hefestión, los problemas de adaptar Oriente a sus inspiradísimos pero poco tolerantes generales de confianza y mil problemas más, son acompañados de personajes ficticios, pues a fin de cuentas, estamos ante una pieza literaria. Los misteriosos símbolos qe se van sucediendo en los cielos solamente parecen ser bien comprendidos por Néstor y un extraño soldado, apocado pero brillante, llamado Euctemón, alistado en las filas invasoras por cuenta de su apuesto hermano Demetrio. Las subtramas se suceden, aunque en ocasiones, uno echaría en falta un papel más relevante de gente como Nearco o Antípatro.

Con ambiente de drama griego donde cada uno tiene su papel asignado por los hilos del destino, una batalla apocalíptica (falanges macedonias versus legiones romanas) que bien podría haber truncado totalmente el futuro devenir de Roma. Un gran acierto de Negrete es presentar a un Cayo Julio César (por supuesto, no el futuro dictador de Roma), sino un antepasado del mismo, pero con varias cualidades de su futuro descendiente.

La amenidad preside varios centenares de páginas, probablemente por la fascinación que siempre surge alrededor de este personaje, ¿de qué otra manera podía ser alguien que había sabido sobrevivir en el marco de dos personajes tan formidables como Filipo u Olimpia? Visionario, capaz de superar los prejuicios de su propia formación, genio en el campo de batalla y la política; pero también, con sombras a sus espaldas como los asesinatos de Parmenio (brazo derecho de su padre y el suyo propio- o Clito El Negro.

Da la sensación de que Negrete tiene una buena erudición (hay afortunadas citas a figuras como Memnón de Rodas o Barsine), pero que no ha tomado su relato muy en serio, en el sentido de que da preponderancia a los actores del drama que no fueron históricos. Muy divertida y probablemente con proyección es la forma de presentar a algunos de los hijos y sobrinos de Alejandro.

Como decía Umberto Eco, suspirando por una secuela que nos haga regresar, mientras tanto, los Libros de la Sibila de Cumas dicen que indudablemente si Alejandro hubiera chocado con Roma, el resultado solamente hubiera podido ser...

DANZA EN LA OSCURIDAD

2011-03-06T11:59:00.000-08:00

Cuidado con vender la piel del oso antes de cazarlo. Cuando una película es presentada con tanto galardón y premio de por medio, los sentidos agudizan y hasta el más indulgente de los espectadores empieza a convertirse en una máquina de ver errores nimios que a otros películas menos ponderadas perdonaría.

"Cisne negro" cumplía esos requisitos, pero habrá que quitarse el sombrero, Darren Aronofsky lo ha conseguido con los que no somos doctos en la materia. Nuestra incultura en danza no nos condiciona para disfrutar la pieza y hasta nos remueve a saber más. Hay cierto aroma a "Amadeus" en esta cinta, ese guión de John McLaughin y Mark Heyman habla de cosas muy universales, la autoexigencia, nuestro afán de autodestrucción, la presión que nos rodea... Temas universales que pueden parecer manidos hasta que alguien le da media vuelta.

Rompemos también una lanza en Flandes e favor de Natalie Portman. Hasta la fecha, la mejor interpretación de su carrera, pero no por estar en un drama o en una obra de corte serio. Estamos ante un papel que exige agallas, donde hay que mojarse y no dejar indiferente, donde lo políticamente correcto es un arma a evitar. Decía el poeta que no hay que desesperar, porque vale más deseo sin posesión que posesión sin deseo. "Cisne negro" nos trae eso, con toda la finura de este arte, pero también retorcido en un horrible monstruo cuando caen las luces del escenario.

Satisfacción también por ese metraje, 103 minutos, todo un mérito y capacidad de síntesis. No hay subtramas tontas, ningún momento de relleno, "Cisne negro" exige atención y a cambio no te traiciona, agarrándote durante 45 minutos finales dignos de verse, sin ningún lugar a dudas, Portman coge las riendas y se la carga sobre sus hombros.

Vincent Cassel y Mila Kunis acompañan a la estrella de la función con eficiencia. Habrá que ver cómo resiste a futuros revisionados y a que ese fatal desenlace deje de ser sorprendente, para ver si esta magnífica opera prima coge la altura de los clásicos.

Recomendable en todos los aspectos, bellas, oscuras y ensangrentadas están las alas de este ave.

UN BRINDIS EN BOSTON

2011-03-01T02:13:00.000-08:00

Alguien tiene que dar el primer paso. Después, el sendero se recorre con mayor o menor habilidad por los demás que también eligen ese camino. Sin embargo, en ocasiones parece que borremos a los pioneros de la memoria, negando su originalidad.

Con el tiempo, parece que nos hemos olvidado del nado a contracorriente que tuvieron que realizar en la NBC para seguir manteniendo a flote una serie que en su primera temporada (1982), cosechó bajísimos niveles de audiencia. 11 años después, su retirada voluntaria fue el evento televisivo más visto de 1993 en su género y algunos de sus actores tenían unos sueldos elevadísimos por un simple capítulo.

"Where Everybody knows your name" entró por la puerta trasera, pero, fue adaptándose hasta lograr un reconocimiento de crítica y público a partes iguales. Varias eran las claves que convirtieron a los parroquianos de un bar regentado por el jugador de beisbol retirado Sam Malone (Ted Danson), en algo más que una comedieta.

En primer lugar, hablar de un equipo de guionistas de primer orden, que incluía luminarias como Sam Simon, que luego harían tan fructíferas carreras. Con el bendecido formato de 25 minutos, Cheers se comportaba con agilidad, pudiendo sus episodios tomarse como rosquillas, rápidos y directos, livianos pero no banales.

Los primeros episodios oscilaron entre la relación de amor odio del mujeriego Sam con Diane (Shelley Long), una joven y pretenciosa abandonadora de carreras que por una ruptura amorosa termina trabajando de camarera en Cheers.

Junto con la pareja protagonista, sobresalen los más acólitos del bar, como la arisca pero carismática Carla (Rhea Perlman), el sabelotodo y peculiar cartero Cliff (John Ratzenberger, que recibió justa despedida en "Cheerful good byes" en Frasier, años después, inolvidable), el contable Norm (George Wendt), el más fiel de los cerveceros y, por supuesto, el carismático antiguo entrenador de Sam, un despistado Nicholas Colasanto, encarnando al señor Mancuso. Colasanto falleció en la tercera temporada, tras darle una digna despedida al personaje, se le sustituyó en función de entrañable y benevolente ingenuo de buen corazón, con un joven camarero de Indiana llamado Woody. El cambio no fue brusco ya que los guionistas supieron establecer una conexión entre él y el antiguo técnico de los Red Sox. Woody sería nada menos que Woody Harrelson, quien luego tendría una fructífera carrera en Hollywood.

Al igual que haría en el futuro "Siete Vidas", durante más de diez años de andadura, Cheers se las ingenió para renovarse o morir. Especialmente atinada fue la incorporacion de un rival para Sam (eterno don Juan de la serie) por los favores de Diane, nada menos que Kelsey Grammer, cuyo personaje de Frasier gustó tanto que llegó a protagonizar un spin off de muchísima calidad. Tanto, que hay algunos que piensan que supera a su afamada predecesora. El inteligente, afilado, esnob y en ocasiones amorosamente inepto psiquiatra tuvo su bautismo de fuego en la ciudad bostoniana. En cuanto a cuál es mejor, al igual que con Filipo y Alejandro, no hay mejor elogio para un gran legado que el que permite que tu sucesor te mejore. Decir que a Seattle viajaron los mejores guionistas de Cheers es como decir que se escoge a lo mejor de la generación del 27, la creme de la creme.

Jugando en todo momento con la calidad de sus secundarios, las tramas se multiplicaban. El gusto por la broma y explotar todos los tópicos de la sitcom, hayan su inicio aquí. Aunque algunas de ellas puedan parecer hoy trillada, no hay que olvidar que aquí empezaron.

Destacar aportaciones como las de la futura esposa de Frasier, la doctora Lilith Sternin (Bebe Neuwirth), Rebecca (representada por Kirstie Alley, que sustituyó a la popular Diana tras abandonar la serie, en otra buena despedida) o incluso cameos como el de John Mahoney.

Asimismo, creo varios automatismos que luego han sido recreado mil veces. La mujer de Norm (y sus latiguillos para pedir una cerveza) a la que nunca vemos pero escuchamos por teléfono, la madre de Cliff y sus curiosas explicaciones de la vida en general, la aparición de personajes famosos de la década (por ejemplo el mítico ala-pívot de los Boston Celtics, Kevin McHale) y un reparto en estado de gracia permanente...

Con el aroma del puro de la victoria de Red Auerbach, Cheers sigue haciendo a día de hoy uno de los clinic más rápidos de cómo hacer una comedia situación, con diálogos de molde y creando puertas para futuras sucesoras. Creemos no exagerar afirmando que el bar de Malone es a las comedias situación lo que supusieron Los Simpson para las de animación.

B DE BRILLANTEZ

2011-02-22T14:36:00.000-08:00

Siempre ha habido ojitos derechos. Favoritismos subjetivos que nos son inevitables. Por eso, ruego al lector/a que sea indulgente con esta modesta crítica de una obra con la que siempre he estado en deuda, por partida doble.

V de Vendetta no es solamente una colección que merezca la pena tener y releer, fue un regalo magnífico de unos apreciados amigos. Probablemente aunque hubiera sido un argumento manido y dibujos de cartón piedra, la edición que puedo jactarme de poseer sería para mí uno de mis favoritos. Pero es que encima estaba escrito por Alan Moore.

Moore no necesita ya presentación en este blog (hace ya varios meses vimos la primera biografía completa que se ha realizado de él en castellano, a la par que hemos tratado "From Hell" y Watchmen"). Aquí, nuestro autor se encontraba en plena década de los 80 y quizás quisiera dar su propia visión de un mundo (Gran Bretaña) que no le gustaba. La oscilación hacia posturas excesivamente conservadoras enfurecían a una mente tan liberal, genial y particularmente heterodoxoa como la de Moore, quien quisó dar un giro de tuerca y basándose muy claramente (como toda la crítica ha destacado, acertadamente) en G. Orwell ("1984", de la que hemos hablado asimismo).

Moore narra con su típica claridad y capacidad de generar angustia, un mundo que aparentemente está ordenado pero al que nada vendría mejor que un coqueteo con la anarquía. Si alguna vez tienen que explicar a una persona que haya estado en una isla desierta qué es el fascismo, no debe dudar en que prestarle estas viñetas, le será una gran palanca V. El concepto del "Gran Hermano" que ya advertíamos en Orwell aquí se duplica pero, sin querer que nadie se rasgue las vestiduras, los genios emulan a otros genios, pero buscan evitar excesivos paralelismos y hasta se permiten frivolidades como giros de tuerca.

"1984" es una obra maestra en su género, pero que quizás, especialmente en su desenlace, peque de potenciar hasta el determinismo el poder de una sociedad opresora. Por supuesto, en la ucronía planteada por Moore, hay muchachas que se ven obligadas a prostituirse, pervertidos agentes de la ley que abusan de su autoridad, aniquilamiento de la cultura... Pero quienes están en la cúpula son igual de miserables que todos los demás. ¿Acaso no ha sido siempre el líder del Big Brother un personajillo más que también desea que le amen y le feliciten la Navidad? Para estos diseños, hay que hablar de David Lloyd. Moore humaniza al enemigo de su "héroe", lo cual lo hace mucho más trágio y verosímil.

Todo en Moore es espectacular y visible a kilómetros de distancia, su forma de escribir y hasta de vestir destacan a cualquier observador. Lloyd, igual que otros dibujantes que han tenido la fortuna y la desgracia de convivir con este obseso del detalle, puso una faceta muy personal en su cómic. Si Moore quiere que la sociedad se mire en el espejo, Lloyd grita la verdad a la cara. Su ritmo narrativo y forma de humanizar a todos (aquí no hay grandes héroes ni villanos mega-poderosos, todos son individuos muy terrenales). Sin él, el resultado hubiera sido muy distinto.

El irreductible rebelde galo que parece oponerse a este Imperio tan temible como lleno de pies de barro, no es otro que un terrorista (a los ojos del poder establecido) llamado V. Bajo una máscara de Guy Fawkes, lanza misteriosas proclamas en los televisores y agrede a los cimientos del sistema. Aunque muchos creen que es un lunático fácil de cazar, un avispado funcionario llamado Edward Finch sabe que para adentrarse en la laberíntica mente de alguien que no tiene nada que perder, habrán de pensar como él... y eso es aterrador.

Ese camino será llevado por dos personas, a un lado Finch, mientras sus otros camaradas se chocan una y otra vez ante los audaces planes de un hombre que en solitario y recitando oscuros pasajes literarios ya olvidados por un mundo asilvestrado, les pone en jaque. Y en segundo lugar por una joven muchacha llamada Evey, oveja negra, niña perdida y que mendiga en la calle dispuesta a todo hasta que se cruza con el misterioso benefactor que la hace salir de la caverna en la que ha vivido.

Verdaderamente estamos ante una obra mayúscula, un cómic que trata con una naturalidad increíble temas tales como la falta de libertad, el anarquismo, la frustración sexual, el temor al diferente y mil cuestiones más, con una facilidad envidiable. Asimismo, como el propio Moore ha admitido, ciertos aspectos como la guerra nuclear o ciertos aparatejos electrónicos, no les han dejado como excelentes oráculos ni a él ni al magnífico David Lloyd en un trabajo que justifica toda una carrera como dibujante.

Por favor, no dejen de leerla si alguna vez cae en sus manos. No se arrepentirán.

PD: Como verán, he omitido cualquier mención a la palabra "novela gráfica". Creo, sinceramente, que es una expresión que nunca me ha convencido, parece como si al tratar de ensalzar un cómic o tebeo, se tuviera que especificar que pese a estar hecho por este medio tiene pretensiones literarias. El propio Moore, habla de "V" como uno de sus primeros intentos de hacer una serie regular de... cómics.

EL LUTO IMPUESTO

2011-02-15T06:19:00.000-08:00

Un círculo perfecto. De todas las obras que realizó Federico García Lorca pocas tienen un tema tan evidente, que abre y cierra. Perfectamente trazado por el autor, la obra que hoy nos ocupa comienza con el luto por el segundo marido de Bernarda Alba y culmina con otro falta desenlace. En el intermedio de tan macabros acontecimientos, se desarrolla un drama de mujeres en el que es imposible tomar aire, debido a los muros más asfixiantes que se crearon en el teatro, un velatorio continuado y sin pausa.

Como ocurre también en "Doña Perfecta" de Galdós, la figura rígida y severa de una mujer anclada en los vetustos valores de una sociedad estática, termina siendo una roca inamovible que provoca la derrota de quien osa desafiarla.

Bernarda Alba es la escenificación de los valores de un mundo que estaba ya muerto, aunque poderoso. Unos valores vitales anticuados y una sociedad más próxima al XIX que al XX, una mujer capaz de justificar el más atroz de los machismos. Es ese motor el que la lleva a imponer el más rígido de los velatorios, un castigo atroz para sus hijas. Más teniendo en cuenta que la representación transcurre en período estival, sofocante en el sur de la península.

Lorca no dejaba nada al azar en sus obras, pero quizás sea en esta pieza teatral donde hila más fino, buscando que cada elemento repercuta en la atmósfera. En especial que el funeral sea en verano, lo cual hace aún más pesado el luto y la rigidez. La única vía de liberación es la locura, escenifiada por Josefa, la senil madre de Bernarda, el único espíritu libre en un pueblo sin rio, lleno de pozos y donde nadie se atreve a beber por temor al veneno.

Pero incluso la mejor de las puertas puede ser abierta si se tienen ganzúas y en este caso, como atinadamente discuten las criadas (el personaje de Poncia, quizás de los más crueles), con cinco ganzúas (pues cinco son las hijas de Bernarda), el cautiverio podría ser liberado. No obstante, esas llaves no actúan al unísono y hasta se estorban entre sí, por un elemento que viene a alertar a todo el dispositivo meticulosamente colocado por Bernarda, Pepe El Romano. Angustias es una mujer que se nos muestra deseosa de su contrato matrimonial con Pepe simplemente por salir de la casa, no por amor o deseo, mientras que Martirio y Adela sí le desean desde el punto de vista amoroso, siendo la segunda el objeto de sus amores. Amelia y Magdalena por su lado parecen ajenas al juego, aunque más por temor a su madre, destacando en el caso de Magdalena su deseo de haber nacido varón.

Esta tensión sexual no se resuelve fácilmente, menos aún con la astucia de Lorca, que nos vaticina un nuevo problema, Adela está embarazada de Pepe. El segundo acto se cierra precisamente con un oscuro augurio, en una de las mejores resoluciones de escena posibles.

Los muros antaño blancos se van deteriorando como si de una corrosión moral que va empañando toda la blanca virginidad del principio y el ritmo llega a extremos dantescos.

Clásico y reflejo de todo un estilo dramático, a nadie extraña hoy en dia que Bernarda siga siendo uno de los objetivos de toda actriz madura que se precie.

UNO DE LOS NUESTROS

2011-02-10T05:47:00.000-08:00

Narración con voz en off. Uso acentuado y abusivo del flasback, imágenes congeladas para resaltar lo más obvio, temas musicales conocidos por todo el mundo, tratando de contar lo mismo que en "El Padrino" pero desde abajo... Aparentemente, al aceptar llevar a la gran pantalla las desventuras del testigo protegido Nicholas Pileggi, Martin Scorsese no se estaba embarcando en el viaje cinematográfico de su vida.

Y, pese a todo lo dicho, estamos ante una monumental obra maestra, una película increíble que aún hoy en día se mantiene como clásico vigente y tiente visos de que terminará siendo catalogada como obra maestra con el devenir de las décadas.

Nada menos que 30 años de vida en el crimen organizado es lo retratado con amenidad y descarnada verdad de la mano del director italoamericano. Ray Liotta encarna a Henry, quien desde niño ha querido ingresar en ese mundo porque es lo que ha visto en su barrio. Indudablemente, estamos ante la mejor interpretación hasta la fecha de la carrera de este actor, su mejor y más inspirado trabajo, formando pareja con Lorraine Bracco (no es casualidad que ella terminase trabajando en "Los Soprano", serie que bebe mucho de Goodfellas).

Mientras Henry intenta subir en el escalafón, las maestrías de esta película se evidencian. La escena en la que los personajes de Bracco y Liotta entran por la puerta trasera del restaurante hasta las primeras mesas es una clara pero estupenda metáfora de cómo es ascender por ese submundo. Atención a que aquí las amantes, mujeres y damiselas que rodean a estos caballeros de gatillo fácil tampoco son unas sufridas ángeles del hogar, no pocas veces se aprovechan de ello y son igual de hipócritas.

Desde la distribución de tabaco robado hasta el mismísimo negocio de las drogas, por la vida de nuestro antihéroe (aunque la película nunca da un juicio moral, lo cual es estupendo) se va rodeando de verdaderos gángsters, especialmente Tommy, representado por el inefable Joe Pesci, en el papel de sociópata que tan bien le va.

Pesci, que ha hecho este papel mil veces, maneja a la perfección la capacidad de pasar de un estado de ánimo a otro de furia, lo cual está muy bien aprovechado en sus diálogos. Nadie se puede fiar de un tipo así, ni siquiera sus amigos. Para los amantes de las anécdotas, la madre de Tommy es la mismísima progenitora de Scorsese. En verdad, hay mucho humor negro en esta pieza.

En segundo lugar, destacar a un inconmensurable Robert De Niro como Jimmy, el verdadero hombre que cruzado la frontera, el frío ejecutor de la banda de Paulie Cicero (un Paul Sorvino que nos está anticipando lo que hará James Gandolfini años después). De Niro sale muy poco en pantalla, su rol es secundario, pero está omnipresente, solamente con su mirada, el espectador ya sabe a qué atenerse, su fría manera de actuar y lo que esconden sus sonrisas. Otros secundarios a destacar son Frank Vincent y Samuel L.Jackson (muy desaprovechado este último).

Pero todo Imperio, incluso el más modesto dentro de la tela de araña de la corrupción, tiene su final. Liotta (y una magnífica labor de los maquilladores) marcan a la perfección el deterioro físico, moral y mental de un hombre que empieza, al igual que la cinta, a transformarse en una bajada cuesta abajo y sin frenos.

Absolutamente recomendable. Y uno de los pocos casos en que el título traducido casi es mejor que el original. A fin de cuentas, si hubiera sido uno de los nuestros... habría disparado.

BAJO ESCUCHA

2011-01-30T03:53:00.000-08:00

Siempre había estado allí. Durante siglos, la Alhambra fue uno de los mejores exponentes de lo que debe ser un viaje al pasado, un complejo que haría las delicias de cualquier turista. Sin embargo, cuando el por entonces presidente de los Estados Unidos, Bill Clinton, le declaró sus floridas palabras sobre su anochecer, la demanda se incrementó. Y es que, la publicidad también juega, incluso en las obras maestras.

Maureen Ryan, del Chicago Tribune, siguiendo nuestro símil, también debió sentirlo así, no le bastaba con elogiar un magnífico show televisivo creado en el 2002, tuvo que apostillar una frase de las que se graban en la memoria: "Si sólo dispones de una hora a la semana para ver la televisión, concédesela a "The Wire"". Algo tendrá el agua cuanto tanto la bendicen, dice el refranero, pero no ha sido hasta recientemente cuando he visto la primera temporada de este programa que hoy tiene tintes de clásico.

Lo cierto es que nunca he estado en las calles de Baltimore, pero se nota desde el primer momento, que David Simon estudió con atención los entresijos de su sistema judicial y administrativo antes de lanzarse a esta aventura, la explicación de un mundo desde el punto de vista coral.

La creación de Simon nos lleva a una serie de policías y "ladrones", pero desde una perspectiva nueva. Las fronteras acaban siendo difusas y uno no sabe exactamente quién es peor que quién. Muchos miembros de los diferentes Departamentos y fiscalías son presentados como personas celosas de ascender, tratando siempre de evitar lo políticamente incorrecto.

En los escalafones intermedios, un detective, Jimmy McNulty, que no es precisamente tampoco la persona más moral que uno esperaría encontrar, interpretado por un heterodoxo pero estupendo Dominic West, empieza a buscar medios más efectivos para desarticular los verdaderos resortes del tráfico de drogas en una de las peores zonas de la ciudad. Por desgracia, pronto comprenderá que sus jefes, jueces y políticos, no tienen intención de picar tan alto, siguen estando a la orden del día los arrestos de simples camellos e incluso algún palo a delincuentes de poca monta, pero los verdaderos hacedores del lucrativo y beneficioso negocio permanecen indemnes.

Como es lógico, McNulty irá haciendo aliados dentro del cuerpo, en ocasiones a costa de enemistarse con sus propios compañeros de brigada, poco deseosos de compartir el pástel. A destacar a Bunk, su compañero de fatigas y juegas en esta primera temporada. Wendell Pierce retrata a este policía ya muy veterano, de diálogos divertidos y que está tan fatigado de su rutina como de su matrimonio, disfrazándolo todo con su cinismo, elemento básico para sobrevivir, ya que el idealismo de McNulty no encaja con sus jefes, hartos de los quebraderos de cabeza que da el histriónico detective sin respetar las normas burocráticas (orden rotrario resolviendo los casos, respeto de la cadena de mando, etc).

Hasta aquí, con sargentos duros muy bien interpretados y tenientes celosos de trepar en la escala de mando y jueces asustados de que les encasqueten casos muy complicados o polémicos que les puedan enemistar con gente a la que visitan en banquetes y comuniones, "The Wire" sería una serie estupenda de género, sin más pretensiones. Pero, gracias las investigaciones de Simon y a contar en su equipo de guionistas con antiguos policías y gentes de Baltimore, puede contar la historia secante, el otro lado, el punto de vista de los tipos en tierra de nadie como Bubbles (Andre Royo), de los camellos, de la élite que sí saca renta al negocio, de los pobres diablos que tienen que mantener a seis hijos a costa de vender esa mierda por la calle...

La realidad de las Torres donde se vende ese mercado llevará a McNulty y sus camaradas a lograr a regañadientes establecer una escucha telefónica. Un alto objetivo que busca descabezar a Avon Barskdale (Wood Harris), un tipo sin antecedntes ni ficha policial, pero que está a la cabeza del negocio desde hace años, en un secreto a voces en Baltimore.

Comienza un juego del gato y del ratón donde no sabes muy bien cuál es el mensaje, todo es muy cotidiano, como ocurría en "Los Soprano", a veces parece que toda la trama transcurre lenta para que te estalle una bomba de relojería en el instante menos inesperado. Al igual que el personaje del detective Lester, Clarke Peters, quien bajo sus maquetas y aspecto de rata de biblioteca en oficina, esconde un agudo olfato e inicia prometedores cazas, no en las calles donde queman coches, sino en las listas de donativos electorales en las últimas campañas de la ciudad.

Por buscarle tres pies al gato, casi jugando a ser polémico, afirmar que aunque la serie es muy buena, no dejó de pensar que a veces nos mostramos acertadamente empáticos con los demás y escasamente en las series de cosecha propia. Imagino que el éxito mundial de The Wire no radica a que guste solamente a las personas criadas en Baltimore, es decir, aunque esté muy bien explicada, hay una paciencia en los espectadores, especialmente para coger el tempo narrativo en los primeros capítulos, que a veces dudo que tuviéramos por ejemplo en "La chica de ayer".

Mas, a pesar del carisma de McNulty and cía, la verdadera riqueza de este show se encuentra en secundarios de la calidad de Omar, una de las figuras más curiosas del género y con una personalidad arrolladora. Un elenco de secundarios que va desde el juez al testigo... Espero impaciente tener hueco para hincar el diente a esa segunda temporada...

LÁPICES ROJOS

2011-01-15T16:27:00.000-08:00

Fue otra época, días oscuros donde bien convenía perderse con los compañeros de trabajo en la taberna más próxima. Sin embargo, ni siquiera con ellos estaba bien visto sincerarse mucho, excepto con los más íntimos, viejas cicatrices estaban abiertas y había miedo, que engendra silencio.

Paco Roca nos traslada con sus viñetas a un frío año 1957, donde un grupo de valientes decide dar un paso adelante en el marco del tebeo español. Josep Escobar, Cifré, Peñarroya, Giner y Conti.

Con un estilo narrativo claro y un argumento que alterna el difícil híbrido entre la fiabilidad histórica y el infinito cariño que surge de la admiración, Paco Roca nos regala una editorial Bruguera renacida, tan familiar como oscura, tan hogareña como leonina a la hora de tratar los derechos artísticos de sus empleados.

Considerando dichos aspectos inadmisibles, este heterogéneo grupo con el talento como único denominador común, decide embarcarse a costa de sus propios y frágiles ahorros en la creación de Tío Vivo; por primera vez en la historia en el cómic peninsular, los artistas tenían un control total sobre lo qué querían decir, sin pasar por el lápiz rojo de Rafael González, uno de los verdaderos arquitectos del monopolio brugueriano, pero cuyas corecciones le supusieron muchas discusiones y sinsabores con los dibujantes.

Mientras algunos como Víctor Mora (creador de "El Capitán Trueno" y "El Jabato") siguen adelante con sus quehaceres a la par que se fijan en cierta bella señorita de la compañía, González y la familia Bruguera se dedican por todos los medios a boicotear por activa o por pasiva la iniciativa, no tanto por miedo a verse desbancados, como por no sentar precedentes.

Como efecto colateral que surge el perder a autores de personajes tan celebrados como "Carpanta", Bruguera ve la inyección de sangre joven como algo positivo. Un muchacho tímido, algo pesimista y muy talentoso, Francisco Ibáñez, con la ética de trabajo de una mula, se inserta en la compañía, junto con su buen amigo Raf, también llamado a escribir su nombre en la historia del tebeo español.

Testimonio gráfico de la vida cotidiana de unos dibujantes y guionistas encorsetados en una sociedad que vivía bajo la lupa de una censura enloquecida porque la pobre Sigrid no ajustaba bien sus escotes, la experiencia de Tío Vivo empezará a torcerse por varios factores, aunque siempre queda un residuo para la esperanza...

ATENCIÓN, EL SIGUIENTE APARTADO DESVELA TRAMAS DEL ARGUMENTO:

Sorprenderá a más de uno que Manuel Vázquez, indudablemente por aquel entonces el mayor talento en bruto de la editorial, traicionará de semejante manera a sus compañeros y, por encima de todo, amigos. Vázquez, carismático e irresistible, parece haber gozado de una Bula papal para exonerarse ante la opinión pública de verdaderas puñaladas traperas como aquélla.

La recreación de Paco Roca complemente y mejora la visión que otorgó el cine con "El gran Vázquez", en un todo más verdadero. Con todo, parece que nuevamente el trotaconventos que huía de sastres, parece que sale demasiado bien parado de sus canalladas y eso, bastante fastidiado andaba porque la estructura franquista no se sentía del todo cómoda con la sed de hombre que presentaba una de "Las Hermanas Gilda". Se echa de menos que, Roca no haga inter-actuar a Ibáñez y Vázquez, la sabias y paciente tortuga frente a la liebre irresponsable y a chispazos.

Aunque, tal vez, esto sea un acierto para la obra. Ibáñez por su producción sin precedentes y probablemente inigualable y Vazquez, debido a su personalidad y genialidades breves pero innegables, siempre tendrán un hueco en la memoria del aficionado, especialmente el creador de "Mortadelo y Filemón". En cambio, carreras tan alucinantes como Escobar han empezado a ser injustamente olvidadas por las nuevas generaciones que hemos ido llegando. Comprometido al máximo con unos ideales incompatibles con la dictadura, Escobar se nos presenta como un digno derrotado, un hombre de familia preocupado, un artista polifacético, un individuo que supo burlarse de las familias ejemplares que pregonaba la Falange con esa divertida a la par que triste mueca que eran "Zipi y Zape", siempre mandados al cuarto de los ladrones por ese don Pantuflo que no hubiera tenido ningún problema en explicar por qué la pérfida Albión envidiaba la nobleza incomprendida de los españoles.

Lo mismo puede decirse de los otros cuatro fundadores de esa causa perdida, pero que fueron los cimientos de un cómic hispano más actual. Mientras Bruguera se dedicó a hacer refritos de sus mejores lápices sin ninguna novedad, ellos miraban lo que se hacía fuera, muy especialmente en el marco franco-belga, soñando con que llegaría un día en que las cosas, serían muy distintas. No tanto, empero, porque el Barcelona no tuviera que esperar más de diez años para ganar una Liga (no se me ofendan los culés, que les escribe uno del gremio).

Pieza recomendable al máximo, aunque probablemente, orientada a los que quieran conocer días pasados de nuestras viñetas. Asimismo, quizás sea un tema tan específico que un importante sector del público no le resultará tan fascinante si no ha tenido un Pulgarcito entre las manos.

CONVERSACIONES CON BILLY

2011-01-12T12:07:00.000-08:00

Casi como hija de la anterior entrada, hoy comentamos un libro muy vinculado a la figura del director de la película de la que hablamos la semana pasada, Billy Wilder. Magnífico regalo de Reyes, entre otros ajetreos, he podido disfrutar la última semana devorando "Conversaciones con Billy Wilder", un compendio de entrevistas realizadas por el también cineasta Cameron Crowe a uno de los genios de la comedia en el séptimo arte.

La entrevista siempre ha sido un arte esquivo, si se hace muy bien, el resultado es extraordinario, un collage de impresiones muy ricas que van arrojando rasgos de la personalidad del entrevistado. No obstante, el más pequeño error o falta de ritmo, se penaliza caro, la mala pregunta o la floja respuesta va ralentizando a las siguientes. Es un verdadero éxito que haya sido un colega el que abordase la tarea (nada fácil por otra parte, ya que era un Wilder muy cansado y un poco de vuelta de todo), ya que comprende a la perfección el oficio que el protagonista había desempeñado y hasta perdonó cierto desplante que le hiciera tiempo atrás ante una audiencia que le solicitasen él y Tom Cruise para que hiciera cierto cameo.

Cierto es que, como toda elección tiene sus inconvenientes, Crowe y Wilder se pierden en algunos pasajes en conversaciones de rabinos, por la inherente deformación profesional que sienten dos buenos artesanos cuando se siente ante alguien que habla su lengua. Se hacen cortas las preguntas de su origen europeo y su drama familiar (tal vez el propio Wilder evitase esos recuerdos) y primeros años, aunque la figura de su esposa gana peso en las últimas sesiones, ofreciendo una imagen familiar que no se aborda en otras biografías del artista.

Como bien rescataron los publicistas de Alianza Editorial, nosotros también recurrimos a la frase que el no menos reconocido Martin Scorsese acerca de este trabajo: "Un libro precioso e insustituible como las mejores películas de Wilder".

Al efecto estético del mismo, destacar un corpus fotográfico muy bueno, imágenes algunas veces inéditas y muy interesantes. Por supuesto, trapos sucios y polémicas, como sus fuertes discusiones con Bogart durante "Sabrina" (conocido era el antisemitismo del protagonista de "Casablanca"), aunque la enfermedad del segundo propició una reconciliación.

Asimismo hay matizaciones de otras viejos tópicos de este discípulo aventajado de Lubitsch, como sus célebres broncas con Marilyn Monroe. Aunque le mataba con su indisciplina y capacidad de equivocarse en las más sencillas tomas, no le niega un sentido innato para la comedia y una sorprendente resolución en los clímax de los filmes. Otros, como su adoración de la pareja Lemmon-Matthau, era un secreto a gritos.

El esfuerzo de Crowe transcribiendo y ganándose con pericia la confianza de una personalidad tan peculiar como Wilder, hombre de verbo rápido y capaz de dejar sentado al más pintado, es el secreto del éxito de esta publicación. Ha habido temas no siempre lo suficientemente profundizados, como su modo de trabajo con Diamond (su alter-ego en muchos guiones) y, por supuesto, las decepciones, ya que nada nos suele consolar más que el hecho de constatar que los genios también tuvieron sus sinsabores.

En la exitosa carrera del vienés, hay uno en especial, un tema que le tocó la fibra y le replanteó salir de ese retiro entre consentido e inducido, para volver a ponerse a gritar "¡Acción!". Fue "La lista de Schindler". Reconociendo caballerosamente el mérito de Spilberg, como el propio Crowe, no dejamos de pensar la forma en que él le afectó este fenómeno, qué clase de visión le hubiera dado este fenomenal individuo a un tema tan delicado.

Polémicas, junto con su catalogación de Bogart, resultarán sus apreciaciones de genios tales como Peter Sellers, aunque también muestra su lado más fan y menos distanciado de todo, con Charles Laughton, el tremendo actor británico a quien sin duda coloca en un pedestal y afirma que era una delicia para cualquier director poder contar con él.

Muy curioso, libro de anécdotas, "Conversaciones con Billy Wilder" es un muy agradable y entretenido paseo por la mente de uno de los tipos más singulares que brindó su talento de El Viejo Continente a Hollywood. Entre sus tesoros, destacar cierta fotografía firmada por Groucho: "Billy, aquí tienes una firma que no aporta nada a tu colección". Sus mandamientos del guionista, también son de recomendable lectura para todas las personas que, alguna vez, soñamos con coger una máquina de escribir y tratar de ponerle sonrisa a una realidad bastante dura de por sí.